El Attico, galería de arte

HÁBITAT

2012-01-24T11:12:00.000-08:00

HÁBITAT

Un escenario utópico es aquel que surge de la reflexión. Fértil ensueño, por cierto, el que nutre el repertorio visual de Lezzueck Asturias quien se expresa como observador y parte de una naturaleza surrealista y metafísica. Por lo tanto flora y fauna forman protagonismos muy particulares en el Paraíso que se ofrece, ilusorio, desde las atentas miradas de las aves del mismo nombre. Estos pájaros, acota Asturias, “representan la naturaleza absoluta”. Se colige, también, que el artista percibe en la especie y todos sus géneros un hálito de libertad que va de la mano en la convivencia de los humanos. Seres bípedos con los que comparte el escenario terráqueo.

No encuentro mejores palabras para describir la esencia de la muestra que las del propio Lezzueck: Las composiciones “transmiten un fuerte deseo por el respeto absoluto hacia la flora, la fauna y su medio ambiente y la convivencia harmónica entre el animal humano y el animal natural”. “Es, (y esto tiene mucha lógica en países como Alemania, seguramente el país mundialmente que más se preocupa por el medio ambiente y su persistencia, en donde trabaja el autor) un llamado a la correcta utilización de los recursos naturales para lograr su supervivencia.”

Una después de otra, cada imagen representa una añoranza que amarra figuras del pasado con visiones quiméricas del futuro. Los celajes de antaño son substituidos por panorámicas dramáticas y hasta extraterrestres, si se quiere, en que las imágenes surgen como mensaje de vida y esperanza. Buen humor, en algunos casos, ingenuidad en otros, ingenio en todas las piezas. Asturias nos presenta su universo de visionario y nos invita a soñar a partir de su propuesta.

Guillermo Monsanto, 2012

XILOGRAFÍAS

2012-01-24T10:40:00.000-08:00

A plena tinta

La expresión “a medias tintas”, utilizada para describir a alguien que no es claro y que obra con ambigüedad, procede del lenguaje tipográfico. La frase parece derivar de los escritos que fueron elaborados con poca tinta o de mala calidad.

La obra de Francesca es “a plena tinta”. Combina la fuerza de un medio artístico con gran carácter expresivo y de tradición popular –la xilografía– con una cosmovisión fina y dulce.

Estas xilografías tienen una cualidad íntima y una calidez táctil que viene de la forma en que Francesca se ve a sí misma dentro de su entorno. Cada pieza es un delicado encaje que presenta escenas minuciosamente talladas e impresas.

Las visiones/paisajes que Francesca ha ido recogiendo en apuntes y que han madurado en estas obras muestran personajes rodeados, anidados, envueltos o enfrentados a un cosmos. Todo ello recuerda a los autores simbolistas de principios del siglo XX: Munch, Denis, Gauguin, entre otros.

El elaborado trabajo de cada plancha de madera evoca las puntadas de los textiles guatemaltecos. Cada pequeño pespunte/incisión en la madera contribuye humilde y poderosamente a un conjunto rico en texturas donde no caben las medias tintas ni los falsos hilvanes.

s. herrera u.

enero, 2012

OBJETOS de DESEO

2011-11-25T09:41:00.000-08:00

Objetos de deseo, es la forma de terminar este 2011en el Attico, convirtiendo objetos cotidianos en obras de arte con vida, la intervención de cosas ha sido durante mi carrera una especie de catarsis, es salirme del lienzo y jugar con las texturas y las formas, trabajar en diferentes planos y experimentar con materiales nuevos, el objetivo primario de esta exposición es agradecerle a la vida y a mis seres queridos por estar y motivar mi trabajo, es una manera de regresar al Valenz de los 90s, el que hacia cosas, el que recolectaba cosas y las transformaba en objetos de arte. Esta es una colección de obras de formato pequeño y objetos totalmente intervenidos con mi propio lenguaje, esta colección es también un gran ensayo de futuros proyectos y de seguir haciendo arte.

Valenz, 2011

Edwin Lone

2011-11-09T08:06:00.000-08:00

Síntesis / ROJO & NEGRO

Obra Gráfica Reciente

2011-10-25T11:08:00.000-07:00

FOTOGRAFÍAS

2011-10-10T10:28:00.000-07:00

FOTOGRAFÍAS DE ERICH LEETH.

Puedo indicar que virtualmente vi nacer a Erich Leeth. Nieto e hijo de entrañables amigos el artista heredó, sin lugar a dudas, la sensibilidad artística del ámbito familiar. La primera relación profesional que tuve con Erich fue hace poco mientras él hacía los registros de una obra de teatro que yo había dirigido que cerraba su periplo en el Centro Cultural El Sitio. Él estaba de visita en Guatemala –radica en USA- y Rae Leeth, su abuela, ya me había indicado que era un fotógrafo muy sensible. Cuando aprecié los registros me noté que Rae se había quedado corta en su aseveración, el joven era poseedor de una propuesta particular respecto al color como a la composición espacial.

Fue a partir de esos resultados que Luis Escobar y yo lo invitamos a exponer su trabajo en el Salón del Coleccionista de la Galería El Attico. Este primer acercamiento tiene como objetivo mostrar el desbordado manejo del color que posee, el cual logra captar de manera pura y vibrante. Sus rojos son energía que explota a la vista y que contrasta con los otros elementos captados por su lente. En cuanto a lo compositivo pareciera que efectuara un trabajo de ingeniería en el que cada objeto es atrapado en su espacio justo.

Con una visión muy fresca, contemporánea, emparentada con el diseño, sin dejar de lado valores formales, este autor sorprende y agrada a partir de su propuesta. En ella no hay nada de rebuscado, todo lo contrario. Sabe expresar sacando provecho de las oportunidades que le salen al paso. Sin embargo logra, más allá del simple registro, espectaculares encuadres ya de detalles o bien de panorámicas más amplias. En este sentido se convierte en un atrapador de instantáneas irrepetibles.

La muestra quedará abierta al público a partir del día 8 de octubre y cerrará el día 29 del mismo mes. Podrá ser visitada de lunes a viernes de 9:30 a 1:00 y de 3:30 a 7:00 de la noche. Los días sábado, incluyendo el de apretura, de 9:30 a 1:00 de la tarde.

Por Guillermo Monsanto

- es +

2011-10-10T10:15:00.000-07:00

"Lineas Independientes"

2011-09-12T09:43:00.000-07:00

LUDIN LOPEZ MERRÓN:

VIAJE AL EXPACIO INTERIOR

Artista introspectivo y riguroso, Ludin Lòpez pone en duda la teoría de la conciencia como espejo y el arte como reflejo; en todo caso, pareciera decirnos, la relación que existe entre la conciencia y el arte - que es un asunto de esencias - no es la misma que existe entre el espejo y el reflejo - que es un juego de apariencias en el que la seriedad del trabajo artístico deviene en gratuita ostentación de habilidades técnicas o de fantasías imaginativas. Es màs, en su obra arte y conciencia se identifican y sus cuadros son propiamente un acto de conciencia, un acto artístico de conciencia.

POR JUAN JUAREZ

En una época en que los medios de información ponen el mundo a la distancia de una computadora y a una edad en la que lo normal es dejarse deslumbrar por las modas artísticas que se derivan de la tecnología del momento, Ludin López (Guatemala 1983) decidió completar por su cuenta la formación académica que recibió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas con una amplia cultura humanística y, a partir de allí, pensando por si mismo, extraer su obra de su propia interioridad, esa que se ha venido formando como sedimento de su existencia como ser humano y como artista en este preciso lugar llamado Ciudad de Guatemala, con los atenuantes y agravantes propios de la historia política y social y tradición artística y de las circunstancias de su actualidad y su contexto globalizado.

Eso explica no solo la orientación introspectiva que en general guía su trabajo sino también el carácter de visión que tienen sus imágenes inquietantes y torturadas, y que se originan tanto en el penoso proceso interno de su creación en solitario como en las circunstancia externas y objetivas que sofocan su sensibilidad de ser humano y su expresión de artista joven. Y explica, además, la autenticidad de sus hallazgos expresivos y su encuentro, muy en el fondo de si mismo, con la tradición crítica, por llamarla de alguna manera, del arte local, que en su desarrollo histórico, desde la época de los paisajistas, no ha cesado de incorporar nuevos territorios de la realidad a la conciencia de los guatemaltecos.

Si para acercarnos a la obra de Ludin López mantenemos la metáfora de un viaje al espacio interior, tiene sentido que del lado del proceso interno de creación en solitario lo primero que encuentre sean sus propios demonios en el espacio alucinado – lucido – de una visión o una pesadilla. En este punto el oficio académico funciona como método para identificar, definir, y, en parte, controlar a esos demonios, y elaborar con el lenguaje simbólico que los describe, una composición artística que en ese mismo momento deja de ser compulsiva e irracional para convertirse no una liberación de lo inconsciente, como pretendían los surrealistas, sino propiamente en la introspección metódica, rigurosa y atrevida que descubre las “impurezas” en la conciencia artística de nuestro tiempo, en el análisis del espejo ironico (para seguir con l,a otra metáfora) que en vez de reflejar fielmente lo externo, proyecta imágenes que provienen del espesor existencial de un artista desencantado. Así también, el denso simbolismo de su lenguaje plástico no se presta para trasnochadas interpretaciones psicoanalíticas pues lo que expresan no es un patología individual sino mas bien la sana y punzante ironía del que descubre el doble o triple fondo de las verdades artísticas que rigen en la comunidad artística. Obviamente no se trata de la proyección autobiográfica del desencanto del artista. Otra vez el aspecto técnico bien dominado y la preocupación por la elaboración de una composición significativa hace que el trabajo de Ludin López no se quede al nivel de un simple desahogo emotivo sino que adquiere la dignidad y el sentido objetivo de “obra”. Y en este punto el desencanto del artista puesto en obra conduce a la pregunta de fondo - la fundamental -, la que no solo inquieta sino que verdaderamente angustia en lo mas profundo de la conciencia a todo artista que quiere ser consecuente con su tiempo y su gente ¿Cuál es el lugar y el papel del artista en una sociedad como la nuestra?.

Como cualquier espectador puede deducir, realizada desde un espacio interior que las presiones externas ha vuelto sofocante, la obra de Ludin López es un esfuerzo por restablecer un dialogo entre la realidad y la conciencia, entre el arte y la realidad.

Diario La Hora, 28 de mayo de 2011.

CELEBRANDO SU LEGADO

2011-08-25T14:29:00.000-07:00

EFRAÍN RECINOS… Una institución.

Efraín Recinos se ha convertido, por derecho propio, en un ícono de la cultura nacional. Su generosidad aunada a un talento y visión particular del hecho plástico, la obra producida a lo largo poco más de seis décadas, los logros y encuentros en distintas dimensiones, sumado a una desbordada imaginación, han conseguido calar en el imaginario colectivo. Hoy Efraín Recinos es uno de los estandartes vivos de la cultura artística nacional y es por ello que Ana Lucía Gómez Arte Latinoamericano y El Attico –galería de Arte y Centro de Documentación- decidieron hacerle este merecido homenaje.

La alianza convenida por los directivos de las dos instituciones tiene el objetivo de asentar, para el presente y la posteridad, políticas consensuadas de ética y orden. El contacto que ambas galerías mantienen con distintos tipos de públicos a través de los servicios que brindan y el ejercicio consecuente de la profesión, han puesto de manifiesto que es necesario marcar diferencias. Es por ello que se está poniendo en letras negras el interés de señalar el desorden que hay en el escenario de las artes visuales del país. Las asesorías que ofrecen ambas instituciones y las evaluaciones de distintos tipos de productos artísticos, ajenos a su entorno, han hecho más visible que no todo el que se dice experto lo es. Por lo tanto también hay que decir, con desánimo, que no todo lo que brilla es oro.

La conciencia de que el objeto artístico representa una inversión. La certeza que hay que proporcionar los medios para su entendimiento, conservación y difusión, redunda en esta primera actividad visible. Aclarando esto último… lo que se quiere decir es que la estructura de la alianza se ha consensuando a partir de criterios formales en que los registros de las piezas que se exhiben, en ambas salas, quedan fuera de toda duda. De allí que la actividad propuesta para este ejercicio profesional sea un homenaje para Efraín Recinos. Este hombre es un artista que posee una carrera límpida y ajena a cualquier entredicho.

El artista:

Efraín Recinos nació en Quetzaltenango el 15 de mayo de 1928. Un momento en que la política del país no era propicia para el desarrollo artístico. Contradictoriamente para aquellas fechas se contaba con varios y bien formados creadores tanto en lo visual como en lo musical. Al panorama hay que agregar que el país no se había recuperado económicamente del colapso económico heredado de la dictadura de Manuel Estrada Cabrera. Aquella gestión de 22 años se precipitaría por el terremoto de diciembre de 1917 y su devastadora réplica en enero del año siguiente, la peste de gripe española y el brote de fiebre tifoidea. Manuel Estrada sería extrañado del poder finalmente, en el medio de una revolución popular, en 1920.

La década de los veinte fue por demás un período anodino en cuanto a lo cultural. El ciclo se inauguró con la instauración del primer lapso considerado democrático y su casi inmediato derrocamiento. El gobierno de José María Orellana, sucesor de Carlos Herrera, fue corto ya que éste falleció repentinamente. Lázaro Chacón, quien tomó su lugar, vio interrumpida su gestión por una imprevista y letal enfermedad. Tres presidentes más ocuparían el cargo de manera interina: Baudilio Palma, Manuel Orellana y José María Reyna Andrade sucesivamente. Este último fue quién finalmente, luego de convocar a elecciones, le entregaría el cargo Jorge Ubico Castañeda en 1931. Aunque hubo algunas iniciativas ninguno de los citados propuso, hasta antes de Ubico, ningún tipo de programa cultural que tocara lo educativo y mucho menos lo artístico.

En el ínterin, por alguna razón entre las que se puede contar el revuelto panorama externo, se tomó la decisión de formar al infante en el seno del hogar. El entorno familiar “utilizaba su creatividad para dotar de magia hasta los instrumentos más comunes de uso diario” y con ello se fomentó no solo la imaginación del niño sino que se le permitió desarrollar todo un potencial creativo y social muy particular. Eso sí, alejado hasta los once años, de los salones escolares. En otras palabras, tuvo una educación personalizada comandada por su padre en la que se le fomentó el interés por la investigación. En apariencia tampoco se le impusieron límites respecto a sus prioridades expresivas. Por imitación, quizás, llegó a la pintura y a poder apreciar la buena música.

De su imaginación infantil dan noticia sus primeros trabajos de los que hay numerosos ejemplos en distintas colecciones particulares y algunos otros que aparecen ilustrando “El juego de hacer dibujos” escrito por el artista visual José Toledo. Baste con anotar que de aquel universo difuso por el tiempo, pero fantástico y colorido, sobreviven de otra manera las vistas panorámicas cuyas nuevas protagonistas son veleidades todas poderosas, de redondeadas formas, que generalmente parecieran representar a Guatemala. También hay que rescatar de ese pasado su obsesión por la justicia y el balance armónico de las partes.

Efraín Recinos debe ser considerado en esencia un autodidacta. Sin embargo hay que tomar en cuenta que de su paso por la Universidad de San Carlos de Guatemala –también es ingeniero civil- y la Escuela Nacional de Artes Plásticas, algo habrá interiorizado que benefició su evolución artística. Ello porque el contacto con la formación de la carrera universitaria y luego la relación dinámica con otros autores, provocó sin duda cambios en su madurez y el modo de observar el mundo. Si bien es cierto que no hay nadie ni nada con lo que se le pueda comparar, hay coincidencias en tiempo y espacio con otros grandes creadores nacionales.

Habrá que subrayar que el imaginario espiritual de los artistas de la generación a la que pertenece nutrió su razón de vida de los ideales revolucionarios. Tanto los comprometidos políticamente como los que no, saborearon la esperanza de un ejercicio demócrata que se diferenciaba notablemente de los gobiernos totalitarios que la habían precedido. A Recinos la Revolución del año cuarenta y cuatro lo encontró con 16 años y su final con diez más. Es en este ínterin que accede a otro tipo de formación y que, por decirlo de alguna manera, empieza sus relaciones sociales. Probablemente es también durante esa década que termina de afirmar su visión solidaria y otra serie de pasiones altruistas que ha alimentado hasta el presente.

Según la Revista de la Escuela Nacional de Artes Plásticas tuvo un acercamiento con la institución a finales de la década del cuarenta. Eso significa que se relacionó con artistas como Guillermo Grajeda Mena, Dagoberto Vásquez o Arturo Martínez quienes eran docentes de aquella academia y seguramente con artistas jóvenes como Miguel Alzamora, Guillermo Rohers o Juan de Dios González. Era claro que el intercambio de ideas fue otro nutriente que se sumaba a su caudal.

En 1954 cae el último gobierno de la Revolución. Una serie de acciones encaminadas a rescatar un área en las afueras de la ciudad facilitó que en el gobierno de Castillo Armas se construyera un edificio de corte modernista que iniciaría la trasformación de lo que hoy se conoce como el Centro Cívico. Esto inmortalizaría el nombre de los arquitectos e ingenieros que hicieron posibles los edificios principales del conjunto: Municipalidad, IGSS, Banco de Guatemala, Crédito Hipotecario y finalmente, el Gran Centro Cultural Miguel Ángel Asturias. Con ellos quedaron también para la historia los de Carlos Mérida, Dagoberto Vásquez Castañeda, Roberto González Goyri y Efraín Recinos. La ironía es que todos los involucrados eran en esencia de sentimiento revolucionario. Recinos, además, rescataría y diseñaría el Gran Centro Cultural lo que le daría el pasé a la inmortalidad.

De los listados en el párrafo anterior era el más joven. También hay que entender que ya en aquel momento era un creador con una visión muy diferente respecto a la composición formal del conjunto expresivo. Como ejemplo se cita que en 1961 realizó lo que en algunos documentos aparece como “los murales del Parque de la Industria”. El solar que ocupa el parque fue alimentado por uno de los afluentes prehispánicos del acueducto proveniente de Pinula. Las integraciones de Recinos incluyen el obelisco de la entrada, la gran fuente que ocupa la locación de la poza original, las esculturas que la rodean y “Monumento a la Industria”. Hasta aquellas fechas no se había realizado nada similar en Guatemala.

Aquella primera etapa está marcada por muchas y significativas obras cuya culminación fue el Centro Cultural ya citado pero que incluye mucho más que el edificio –que en sí mismo es uno de los grandes logros de la arquitectura nacional-. Las composiciones en los jardines exteriores poseen un sentido de la integración absoluto y funcionan tanto independientemente y al mismo tiempo, como parte de un todo. En este conjunto comenzó a trabajar en 1962 -en el Teatro al Aire Libre- y terminaría en 1978 -con la entrega del edificio principal-. En el ínterin realizaría los murales exteriores del Crédito Hipotecario Nacional (1963), el de ingreso a la Biblioteca Nacional (1967) y los murales exteriores e interiores del Aeropuerto la Aurora. Recinos había conseguido vencer la desidia gubernamental y establecer sus ideas materializadas con una prolijidad extraordinaria. En otras palabras, con voluntad y recursos alternativos, logró sobreponerse a la eterna falta de presupuestos para trascender en la historia.

Luego de caído el régimen revolucionario hubo altibajos en la promoción artística. La Escuela Nacional de Artes Plásticas y su sala de exposiciones “Enrique Acuña Orantes” fueron una fuente de promoción a la que muchos artistas pudieron acceder. Otra fuente de fomento también la proporcionó la Dirección General de Artes que hoy opera con otro nombre. Galería Ríos, que sigue activa con varias sucursales hasta el presente, abrió sus puertas en 1945 y exhibió durante años trabajos relacionados con el paisaje principalmente. La primera galería particular que exhibió otro tipo de expresiones fue fundada a penas en 1963 por Daniel Schafer y Luis Díaz. Más adelante, en 1965, empezó Juannio y una década después la Subasta Rotaria y con ellas espacios como el Patronato de Bellas Artes, Aldeas Infantiles S.O.S., entre otros eventos de carácter benéfico que siempre Efraín Recinos ha apoyado sin restricciones.

Paralelamente a estos cambios Recinos y muchos otros artistas también desarrollaron obra de taller. Este tipo de producción está dispersa y es difícil de localizar pero es interesante asentar que fue con este tipo de pinturas y esculturas que artistas más actualizados consiguieron entrar a distintas colecciones muy bien fundamentadas que hoy sustentan una historia del arte por documentar. Entre esas colecciones destaca la pinacoteca de John Gody y por supuesto, los importantes paneles de Efraín Recinos que además de poseer dimensiones respetables aportan mucho a la iconografía del momento. Su obra íntima, entonces, era consecuente con la pública.

Es a partir de este momento que ambas galerías han conseguido trabajos de distintos géneros para compartir con sus visitantes. Entre ellos bocetos y obra conclusa. La idea es lograr un acercamiento con su producción y al mismo tiempo, crear estatutos que vayan más allá del acto meramente comercial. Efraín Recinos realmente ha desbordado su imaginación a partir de un referente ideal: Guatemala y sus contrastes. Desde esta perspectiva ha podido expresar su pensamiento más crítico sin dejar de lado cierto sentido del humor y un ideal específico femenino.

Si bien algunas de las planchas de durpanel de los años sesenta representaban una enmarañada jungla abstracta dominada por amarillos y colores muy obscuros cercanos al negro, con el tiempo fue incluyendo figuras y así apropiándose de iconografías como la marimba, la Plazuela España, las montañas y otros aspectos topográficos del país. Con ellos también hizo eco a la problemática política que también supo reflejar con certeza, humor y buen tino. Su obra, sin embargo, se volvió peligrosa en algunos círculos. Por ejemplo hubo amenazas de destruir su mural de la Biblioteca Nacional y el que iba a reproducir en la Corte Suprema de Justicia se detuvo sin mayores excusas y las formaletas de las fundiciones se hicieron perdidizas, si no es que fueron destruidas.

Las artes visuales no la tuvieron nada fácil en la década del setenta y menos en la de los ochenta. Las circunstancias políticas y la poca formación de los coleccionistas no hacían circular con facilidad la obra. Las mejores fuentes de promoción de la obra continuaron siendo Juannio, la Subasta Rotaria y por supuesto una serie de emprendedores que como Gody, premiaban a los artistas adquiriendo sus trabajos para colocarlos en lugares dignos.

Hay que reconocer que siempre hubo recursos… o soluciones extremas. Por ejemplo, en una ocasión se evaluó en El Attico una obra fragmentada. En apariencia aquel trabajo fue originalmente un tabique que durante los años sesenta dividía una estancia en dos. Con la remodelación de la casa el panel fue reutilizado y sirvió como material para hacer un closet. Ana Lucía Gómez también ha visto en su atelier alguna de estas barbaridades que le ha tocado rescatar. Aún así la obra que no se ha destruido totalmente está en procesos de restauración y rescate.

Los noventa pusieron en perspectiva el cómo se evaluaba el objeto artístico y abrió sin duda, las posibilidades a un mercado más estable del arte. Hubo un momento en que estaban funcionando más de cuarenta galerías simultáneamente. Es obvio, los maestros estaban recogiendo su cosecha sin dejar de proponer.

Efraín Recinos atraviesa el cambio de siglo sumido en una creatividad extrema. Además encontró otras dos plataformas para seguir dictando su discurso creativo. La primera el Hotel Museo Casa Santo Domingo y más específicamente Santo Domingo del Cerro en dónde se ha desbocado en una creación fresca y muy personal. Allí, los directivos de la institución, le están dedicando un museo. La segunda es la Fundación Monteforte Toledo y los innumerables trabajos que ha realizado para ella. Entre ellos un mural externo para la fachada de su presidente. De la mano de José Toledo ha dejado nuevos registros que le revelan como un artista abierto a las nuevas tecnologías. En este orden también es básico el trabajo realizado en Franja Fotográfica de Madrid y el rescate que Juan Carlos Melero hizo a su obra. En este caso se habla de los bocetos censurados del Corte Suprema de Justicia que adquirieron una nueva vida. Todos los listados están relacionados estratégicamente, de una u otra forma, con las galerías anfitrionas.

Solo queda cerrar este capítulo expresando la satisfacción de haber sacado adelante este trabajo y poder exponer la obra de uno de los grandes artistas de Guatemala. Aquel niño que creaba en la soledad de su casa se convirtió en un superhombre que es considerado patriarca entre los artistas y prolegómeno de las artes a través de su trabajo. Sigue siendo el infante prodigioso que ya adulto conservó su generosidad –la gente no tiene idea lo que este señor ha donado a las instituciones guatemaltecas- y su lealtad para con las artes y su país. Se ve que tenemos genio para rato.

Guillermo Monsanto

20 de julio de 2011.

TERRITORIO DUAL, Plinio Villagrán

2011-08-10T09:40:00.000-07:00

La exposición alude al carácter siempre intimista de la obra de Plinio Villagrán, a partir de pequeñas gráficas a manera de códices que son parte preparatoria de un proyecto más amplio llamado “Soma” (referido al cuerpo) que trabaja actualmente en México. El imaginario parte de la dualidad, de la idea personal de dos territorios, o del antagonismo de los fenómenos humanos y de la naturaleza en general: unión-separación, vida-muerte, dolor-placer, creación-destrucción. La obra de Plinio Villagrán parte en especial, de la idea del cuerpo y sus procesos fisiológicos y simbólicos que se inscriben en la historia, la antropología y la ciencia, y que acá se muestran como rasgaduras, amputaciones siempre a través de idea central de la visceralidad y la angustia introspectiva sobre la muerte.

"PÁJAROS DE-MENTE"

2011-07-25T10:58:00.000-07:00

Jonathan Ardón… Pájaros de-mente.

Cómo abstraer la personalidad desenvuelta, agradable y segura de este muchacho de su producción pictórica. Una y otra son lo mismo. Cuando lo conocí en la Escuela Nacional de Artes Plásticas “Rafael Rodríguez Padilla” me apabulló la facilidad con la que me abordó y el poco tiempo que necesitó para que sintiera que podía confiar en él. Después me entregó un dibujo caricaturesco que me retrataba… Como me simpatizó la espontaneidad con la que me lo entregó y el modo tan franco y seguro de preguntarme que para cuándo le daba una fecha de exposición para El Attico. Por alguna razón lo tomé en serio y le dije que se acercara cuando estuviera listo. La próxima vez que lo vi, más de una año ha, fui yo quien le pregunté qué cuándo me llevaba su trabajo para fijar el momento de su exhibición. Como era de esperarse, finalmente terminé yo en su estudio viendo trabajos recientes y otros no tanto.

Ya en la locación no pude disimular mi sorpresa. Además de tener qué decir, cosa no muy común en los artífices de su edad, manejaba el oficio del dibujo y los colores como pocos artistas contemporáneos saben hacerlo. En esencia me encontré con un artista plástico, como los de antes, con recursos de sobra para hacerse un nombre en tiempo record y trascender más allá de tiempo. Buen ojo, mano precisa, diversidad y delicadeza son epítetos que delinean parte de su quehacer estético. Si hubiera que situarlo en un árbol genealógico había que hacerlo en el que ocupan excelentes dibujantes como Alejandro Urrutia, Erwin Guillermo, Marvin Olivares, Fernando Valdiviezo o Fernando Andrino… así de bueno.

Desde esta perspectiva y contando con el apoyo de Luis Escobar y el mío, qué mejor opción que el Salón del Coleccionista para dar conocer sus trabajos. Mismos que toman como pretexto a las aves que quedan condicionadas compositivamente, destacando de ellas detalles que le llaman la atención. Aunque Ardón no desprecia el realismo, en este caso presenta imágenes cuyo matiz proviene de un estudiado y muy bien cuidado diseño. Otro elemento que juega un papel preponderante en la presentación del conjunto es la psicología con la que aplica el color. En ella cuenta la mesura y el objetivo de resaltar determinada área de su formato.

De momento no queda mucho más que agregar sólo que es una de las recomendaciones especiales que la galería el Attico propone a sus visitantes. Hacer notar que como artista emergente ya se presenta como seguro y certero respecto a lo produce y, por último, que es de esperarse que pronto esté participando en los distintos eventos que sirven como escaparate a los artistas visuales.

Guillermo Monsanto

Director Centro de Documentación y

Proyectos Especiales de Galería El Attico.

http://facebook.com/elatticogaleriadearte

www.elattico.com

JONATHAN ARDON: DEL SER AL LENGUAJE

Por Juan B. Juárez

Las aves de Jonathan Ardón, como ciertos pensamientos obsesivos, son breves e intensas y, como aquellos, logran perturbar al observador/observado sometiéndolo al feroz escrutinio de sus ojos hipnóticos de persistente mirada frontal. Reducidas a la impertinente función de confrontarnos con la mirada, su vitalidad más palpitante —su realismo— se concentra en la cabeza y el pecho, mientras las otras partes de sus cuerpos, despojadas del convincente plumaje que les provee el artista a las primeras por medio del claroscuro, muestran su verdadera estructura gráfica de dibujo y concepto, dirigido ya no a impresionar a nuestros sentidos sino a incomodar a nuestra conciencia con el elocuente lenguaje de alas cortadas y garras afiladas.

Carentes de color, los dibujos de aves de Jonathan son, más que registros naturalistas de la fauna local o pruebas de virtuosismo técnico, laboriosos logros de concentración expresiva. En efecto, aunque presentes y notables, el minucioso realismo y el indudable dominio del dibujo están aquí subordinados a la intención expresiva que rige en toda la serie, limitados a aportar más y más detalles minuciosos y más y más densidad corporal, que, acumulados en el cuerpo de las aves como las obsesiones en la mente, parecen saturar el angosto formato que contiene a los Pájaros de mente.

En los aspectos formal y conceptual de los dibujos de Jonathan se observa, en cambio, un proceso inverso: un degradé que va de la forma llena (en la cabeza y el pecho) a los simples contornos lineales (en las patas, garras y plumas bajas); del realismo al signo; de la realidad al concepto; de la presencia al símbolo; de la objetividad a la subjetividad; del ser al lenguaje; del mundo externo al mundo interior. Y es que para Jonathan el dibujo no es un recurso auxiliar para captar la forma de los objetos sino el método para indagar, conocer y delinear la forma que va adquiriendo su mundo interior por las presiones externas. De allí que la forma minuciosa y exacta de sus aves sea la metáfora de sus minuciosos análisis de conciencia.

Si cabe hablar de las aves de Jonathan en relación con relación de la conservación del ambiente ¿quién puede, sin inmutarse ni sentirse aludido, sostenerles su exacerbada mirada? Sin embargo, el sentido del escrutinio profundo que nos hacen sus Pájaros de mente, creo yo, va más allá de la simple y justa indignación ecológica.

Guatemala, julio de 2011

http://www.s21.com.gt/magacin/2011/07/17/jonathan-ardon-ya-queme-mis-barcos?_fb_user_fbu=581715262

OBRA SOBRE PAPEL

2011-07-19T15:12:00.000-07:00

Moisés Barrios… dibujos, acuarelas & collages.

Las colecciones que presentan en las salas principales de El Attico corresponden a los remanentes de trabajos realizados a finales del siglo anterior, en otras palabras piezas de su colección, intervenidas por el artista recientemente. “Banana Republic”, “Cielos de Guatemala”, “Serie del Pacifico” entre otras, son series en las que el autor sacó conclusiones estéticas basadas en referentes relacionadas a su formación e intereses críticos y conceptuales.

Los trabajos resumen, respecto al espectro oficioso de Barrios, una bien entendida composición en la que la armonía del color, figura y espacio juegan un papel preponderante. Todo está en su lugar y sus contenidos no poseen más peso que el otorgado desde una conciencia plena del hecho creativo.

Como todo trabajo de taller, en manos de un protagonista formado, cada obra refleja un dialogo matizado desde una profunda concepción. Nada luce como un resultado descubierto al azar. Más bien lo que se aprecia es un conjunto de conquistas en las que las manos del artesano van en concordancia con el cerebro académico que se abandona en la realización de ideas que propone desde distintas perspectivas emotivas o no. Eso quiere decir, que el entendimiento de medios es una constante en todo lo presentado.

Serenas, consecuentes con el perfil del que las confecciona, las propuestas que se exhiben en El Attico manifiestan una suma que define los alcances que el propio Moisés Barrios ha alcanzado. Dibujante y colorista, junto al diseño del espacio sumado a la sencillez de motivos elegidos, el conjunto se sostiene por la transparencia de los lenguajes redefinidos y por la profundidad de sus temas abordados.

"COINCIDENCIAS" Mirella Beverini

2011-06-18T09:20:00.000-07:00

Arquitecta. Con sangre de artistas por coincidencias genealógicas, preocupada y ocupada con el orden de las cosas, polifacética -ha pasado de ser catedrática universitaria por más de diez años a la museografía, a los collares, al tricot, al coleccionismo de cosas pequeñas-, Mirella finalmente se ha decidido a presentar una serie de obras que viene trabajando desde hace tiempo.

Tejidos y armados con perfección y minucia, estos pequeños dibujos tridimensionales cuidadosamente fondeados con crayón, delatan ese mundo suyo donde coinciden el orden y la medida con el inesperado desorden que se forma al armarlos.

Caos y cosmos coinciden y se revelan en estructuras que recuerdan a los constructivistas rusos y alemanes, pero que se imponen con la originalidad, el sello de lo contemporáneo y de lo bien hecho.

s. herrera u.

junio 2011

"BILOCACIÓN"

2011-05-26T12:33:00.000-07:00

PAISAJES SAGRADOS

Los paisajes nebulosos de Mónica Serra son de engañosa sencillez. Detrás de superficies apenas marcadas por trazos sobrios, el espectador percibe -literalmente a primera vista- la dramática ausencia y la búsqueda simultáneas de algo indefinible. Así, queda intrigado por revelaciones fugaces que hay que asir al vuelo o correr el riesgo de desorientarse. Figurativa y no figurativa, esta colección escapa a definiciones rotundas. Se aprecia una compleja ambigüedad que obliga a interpretar cuidadosamente color, textura, línea, ya que detrás pareciera existir algo más, pero indeterminado. Casi inefable.

"Sumergida en la calma"
acrílico sobre tela
140 x 110 centímetros

Su obra va más allá de un mero virtuosismo o goce estético. Si penetramos -y no solo vemos- sondeamos en abismos germinales o ascendemos a la luz en un trayecto sinuoso e intenso. En ese sentido su pintura tiene algo de religioso -no confesional-; es decir, de re-ligar lo que el hombre ha escindido, entre su ser y la naturaleza, su ser y la divinidad. En sus lienzos, el sentido de profundidad de la perspectiva -que se pierde en un horizonte inalcanzable o en destellos lejanos de luz-, resulta análogo al de una honda exploración en dimensiones espirituales misteriosas -quizás perdidas o desconocidas-, pero latentes y presentidas.

Los espacios abiertos y desiertos, carentes de la figura humana, inducen a la contemplación. Es una naturaleza a ratos lunar o extraña, quizás entrevista en sueños, deseos o pesadillas. Es otro mundo, acaso perdido, añorado o simplemente deseado. O de ciencia ficción. Definitivamente existe una tensión al infinito, que podría interpretarse como cercana a una experiencia mística. La insinuación figurativa –lograda por el trazo esencial y la depuración de detalles- enfrentan al espectador con superficies casi desnudas que apuntan hacia la pequeñez humana frente al cosmos. Esa vasta desolación paisajística -que también es interior-, constituye el escenario ideal para incitar el surgimiento de inquietantes preguntas existenciales que desde siempre el hombre se hace.

Dentro de la estructura fluida de sus pinturas -que recuerda la textura acuática de los sueños-, aparecen formas imprecisas, pero siempre dentro de una muy bien cuidada espontaneidad. A la par de paisajes sugeridos –algunos muy minimalistas- que se desdibujan en gaseosas atmósferas, se observa un hipnotizador estatismo que aprisiona la tensión en suspenso, casi al punto de estallar. La lejanía figurativa a la realidad referencial confiere importancia a otro elemento estructural en su pintura: el color, clave interpretativa imprescindible del significado simbólico de su obra, explotado en toda su sugestiva expresividad. Esto puede apreciarse en el monocromatismo en degradaciones de espectros predominantemente de tonos fríos de impecable factura, o muy rara vez de rojos intensos.

Reinterpretadas ingeniosamente por la pintora guatemalteca, algunos de sus acrílicos revelan influencias lejanas y contemporáneas -unidas en este caso por una espiritualidad a la búsqueda de lo sublime. A William Turner, paisajista inglés, lo encontramos en la luz difuminada que crea sugerentes figuras de contornos imprecisos y en un cierto dramatismo en la fragmentación de los volúmenes. Los amplios espacios solitarios abiertos al infinito - como ventanas también abiertas a uno mismo- revelan al pintor romántico Caspar David Friedrich, donde, a través de la contemplación, la realidad objetiva se transforma en puente hacia el infinito. Pero también aparece una huella reciente, la de Mark Rothko, evidente en la severa composición estructural subyacente, la limpieza de la factura, y sobre todo, por el sentido simbólico del color.

"Ciénega rebalsada de olvidos"
Acrílico sobre tela
137 x 221 centímetros

Mónica Serra vuelve complejo lo sencillo y sencillo lo complejo. En este juego aparentemente contradictorio reside la originalidad de su denso discurso pictórico. Detrás de un equilibrio y frialdad aparentes se esconde la extenuante búsqueda de sentido del ser humano. Su impulso apunta hacia las dimensiones de lo sublime, es decir el infinito, lo eterno, sin saber si se encontrará el Todo o la Nada. Por eso su obra remueve las dimensiones más hondas del espectador: las oníricas e irracionales, reino eterno del mito, como bien sabían los surrealistas.

Nunca es obvia Mónica, siempre sutil y elegante en su plástica. Hay un cierto hermetismo poético, que requiere al observador sumergirse a bucear en los enigmáticos abismos de su obra. Elude las respuestas y lanza preguntas inquietantes, abiertas al infinito, como sus pinturas. La epifanía es promesa pero no certeza.

Lucrecia Méndez de Penedo

Guatemala, mayo, 2011

"DIBUJOS" Ramón Ávila

2011-05-21T09:00:00.000-07:00

Ramón Ávila: DIBUJOS

El Salón del Coleccionista de la Galería El Attico recibe a una de las figuras más representativas de la generación del sesenta: Ramón Ávila. Su presencia, la prestancia con la que su trabajo le representa, ha quedado de manifiesto desde su primera exposición en el país, en la galería DS, a finales de 1963. Desde ese momento, en una evolución constante, ha sabido expresarse con potencia incontenible. Esta última, la fuerza que le caracteriza, no ha menguado ni en el color ni en los estilos que ha llevado hasta las últimas consecuencias. De allí que su trabajo siempre destaque.

Los veinte dibujos que integran la colección que exhibe durante el mes de mayo en El Attico pueden percibirse como trabajos esenciales en la producción de este artista. Enérgicos, vitales, sus trazos se adhieren al papel creando formas abstractas y armónicas que proponen, en pequeños formatos, obras de gran envergadura. En ellas se puede percibir un aire gestual en el que el ritmo y la seguridad de su pulso juegan un papel específico en la composición final del conjunto.

Los contrastes se hacen evidentes. Líneas negras versus fondo blanco… genio y formas. Ramón Ávila es un artista visual muy completo cuya formación le hace manejar con soltura absoluta cualquier medio que intervenga. En esta ocasión, sin valerse del color. De allí la selección para este espacio tan específico: el carácter que posee la obra. Con esta actividad se cierran, además, las actividades por la celebración de nuestros primeros veintitrés años de actividades.

Guillermo Monsanto

"CORAZÓN SIN CORAZA"

2011-04-14T10:26:00.000-07:00

"Lo que no se olvida"

La artista presenta una serie de acrílicos en pequeño formato que explora el universo íntimo del corazón (como símbolo del centro y de la esencia misma del ser humano) y la cama como espacio del descanso, como puerta al inconsciente y a la vulnerabilidad del abandono al dormir. La colección es una serie de metáforas de relaciones, de complejos, de aspiraciones.

"Viaje nocturno al amancer"

http://www.s21.com.gt/magacin/2011/04/10/lucia-moran-privilegio-arte

http://www.luciaenazul.blogspot.com/.

"PERSONAJES"

2011-04-06T15:38:00.000-07:00

"En los últimos años me he dedicado a la experimentación e investigación de diferentes técnicas, para poder así conocer los materiales. Lo que siempre ha sido una constante en mi trabajo, es la línea, los planos, el movimiento; estando siempre presente de alguna forma la figura humana. Esta exposición compuesta de ocho “Personajes”, tallados en madera de cipres, ha sido un reto para mí. He tratado de aprovechar la estructura lineal de la madera, y ha sido una lucha entre el material y lo que yo quiero expresar. Trabaje en este proyecto por dos años, tratando de salirme del realismo y estilizando las figuras, para llevar la figura, la línea y el movimiento a otro plano."
GERMANIA

ESCULTURAS DE GERMANIA.

(XXIII aniversario de El Attico)

Esta autora está ligada a la historia de nuestra institución prácticamente desde su fundación. Primero porque expuso en ella tempranamente en el año de 1988 y segundo porque a lo largo de este tiempo, de exhibición en exhibición, se afianzó una entrañable amistad. La obra de Germania, por lo tanto, identifica parte de las estructuras que fueron perfilando las políticas culturales y la personalidad de la galería.

Pintora, grabadora y escultora. En lo formal es Licenciada en Arte por la Universidad de San Carlos de Guatemala, Diseñadora de Interiores en la misma Universidad y el IFES además tomó como complemento cursos libres de dibujo y pintura en el Museo de Artes Finas de Houston (USA).

Germania ha transitado por una larga investigación que ha desembocado en múltiples hallazgos. En la pintura y el dibujo trabajó innumerables recreaciones de la figura femenina –principalmente- y masculina –en raras ocasiones-. En este caso el referente estético buscó su lugar a la par de un sentimiento de auto exploración que llevó hasta las últimas consecuencias. A una exploración inicial de la estatuaria en piedra, terracota y bronce siguió una afortunada incursión en el universo del grabado. En general esos años fueron una extensión de temáticas ya logradas a las cuales otorgaba distintos valores. Aquella recurrencia del cuerpo humano, sin embargo, luce hoy como un preámbulo que le abrió paso a un nuevo estadio con la talla en madera.

En efecto. Su labor escultórica del presente la ubica en otra dimensión y la hace notoria entre la escasa lista de escultores profesionales del país. Para comenzar Germania aborda desde otra configuración su temática de toda la vida. Ahora más que recrear un ideal construye a partir de él y su abstracción absoluta. Desde esta perspectiva aporta un nuevo hecho estético del que se apropia con seguridad y tino.

Las trozas de madera, talladas con mano segura, ya solo reflejan un mínimo de los contenidos figurativos del pasado y hoy son sus curvas y facetas pulidas las encargadas de dejar volar la imaginación del espectador. La escala misma quita el pudor intimista de lo realizado durante la década del noventa y principios de siglo. Ahora Germania no solo se exhibe técnica y estilísticamente si no que sienta cátedra al proponer una nueva conclusión en la que el diálogo artesanal –artista/objeto- toma relieves que pueden aportar algo nuevo generacionalmente. Además, en esta época de crisis en que se sataniza el objeto, la entereza de proponer desde éste la señala especialmente.

Es en ese contacto íntimo entre la escultura y su creación que logra una simbiosis bien matizada y enfocada en la recreación de su imaginario personal. Una a una cada pieza se ocupa de la sensualidad de la línea. Esta muestra es, sin lugar a discusiones, el inicio de una nueva y vigorosa etapa. Que Germania se sienta segura de enseñarlas y que nos las dé para celebrar nuestros veintitrés años de labores nos honra.

Guillermo Monsanto, marzo de 2011.

LUARTA, Líneas Sueltas

2011-03-24T11:02:00.000-07:00

"CASA-HOME"

2011-03-23T16:54:00.000-07:00

El hogar es el sitio al que se vuelve siempre, allí se regresa porque es donde se está a gusto. Allí se está como uno es, allí se descansa, allí se viven mil incidencias insulsas que de tan minúsculas ni las recordamos y ni siquiera vale la pena relatar. No obstante, Mónica no sólo las recuerda, sino que las repasa. Su volver sobre ellas, su regodeo en sus formas, su esfuerzo por perpetrarlas, tallarlas, estamparlas, repetirlas es una pasión recurrente y edificante.

En esas repeticiones, no sólo va agotando las posibilidades de cada placa, sino que va descubriendo nuevas reformulaciones. Cada hallazgo le lleva a otro y cada uno, con su gran potencia, queda apresado en una impresión diferente. En esta muestra hay 42 placas distintas de un mismo formato. Las 8.5 x 8.5 pulgadas uniforman las secuencias; los motivos, imprimen las diferencias.

Sus temas -las herramientas, los órganos vitales, los sanates, los árboles, las flores, las conchas, las manos y una barriada- son tratados con la misma reverencia: todos están articulados por el hilo invisible de habitar y vivir en un espacio. Mónica vuelve sobre ellos para convocar el espíritu de lo diario que suavemente se le somete y asume esa grandeza sin espectáculo que subyace en lo que habitualmente nadie repara.

En ese repetir e insistir en lo que le rodea, Mónica ha alcanzado una poesía de lo escueto que se ensancha en los plexos infinitos de lo cotidiano.

s. herrera u.

febrero, 2011

SERES DE LUZ, Aracelly Alzamora

2011-02-16T14:27:00.000-08:00

M A N I F I E S T O

En estos tiempos de tribulación, los Servidores de la Luz hemos pedido se nos abran espacios para difundirla. El Attico nos abrió sus puertas y hemos preparado el lugar energéticamente para albergar estas obras, trabajadas dentro de los parámetros del Arte Sagrado. De esta manera el lugar está sirviendo de portal, entre este mundo y el de los Seres de Luz. El objetivo de este portal es propiciar el encuentro de nuestras almas con las energías de los arcángeles, ángeles y otros seres de la Luz de Dios, que nos aman y se comunican con nuestras almas en un idioma que no podemos comprender con la mente, pero sí con el corazón.

"San Miguel"

Este portal es un oasis, es un punto de paz, de alegría, de descanso para la mente, y de regocijo para las emociones. Si observamos en silencio qué pasa en nuestro interior cuando percibimos más allá de lo tangible, y nos dejamos guiar por la energía plasmada en la obra de Arte Sagrado, la comunicación se realizará. Si somos nuevos a esta experiencia, recordemos la importancia de vernos en humildad como hijos de Dios con este derecho, y vernos con la verdad, y sobre todo, con Amor. El Amor es el medio para poder llevar al consciente lo que nuestra alma conoce. El Amor es la gran enseñanza de Jesús y de todos los grandes Maestros. El Amor es tan poderoso que viviéndolo hasta podemos sanarnos de cualquier enfermedad. Y todo comienza al estar conscientes de amarnos a nosotros mismos, para poder entonces amar a los demás. El Amor es un estado de Gracia. El Amor es sustancia del alma. Por eso, cualquier decisión que tomemos desde nuestra alma, nunca daña, siempre nos lanza a la Vida. Nuestra alma es la parte enorme, eterna que ha decidido hacer esta experiencia humana en este bellísimo Planeta Tierra. Y el Amor nos ayuda a recordar que somos más que este cuerpo en estas circunstancias aparentes.

"Libertad"

Los arcángeles, los ángeles … Los Seres de Luz están para ayudarnos en este proceso de concientización, y en el proceso de nuestro crecimiento espiritual, mientras vivimos esta experiencia humana practicando nuestro libre albedrío. Ellos acompañan nuestro proceso, y responden inmediatamente a nuestras peticiones, a nuestros anhelos del alma. Los Seres de Luz nos iluminan el camino. Nos aman. Reconocer su presencia en nuestras vidas nos eleva varios peldaños hacia una vida plena, feliz, absolutamente digna y congruente. Nos llenamos de esa fuerza interna, de ese caudal de Vida energizante, de esa solidez en la Luz, de donde encontramos el sentido de nuestras vidas; y todas nuestras instancias, cuerpo, sentimientos, mente y alma se alinean con un punto central, creando una sinergia maravillosa que nos da ese bienestar absoluto en medio de cualquier situación externa.

"Meditación"

Que la Luz canalizada y plasmada en estas formas y colores llegue a sus corazones y deje chispas felices de un Amor extraordinario. Que estas pinturas cumplan su misión de recordar a quienes las vean que somos grandes, bellos, justos, buenos, y que haciendo esta experiencia humana contamos con la ayuda, el apoyo, el incondicional Amor de estos Seres de Luz.

Aracelly Alzamora

Víctor Vásquez Kestler

2011-02-16T14:19:00.000-08:00

CAMINO DE PIEDRA, David Halfon

2011-02-16T14:04:00.000-08:00

Espacios Suspendidos, Alfredo García

2010-11-25T09:31:00.000-08:00

"Espacios Suspendidos”

Del 13 de noviembre al 18 de diciembre de 2010

Salón del coleccionista

Serie Insinuando Espacios
"Casa en Cantón Choquí"
Óleo sobre tela

Artista guatemalteco, nació en Quetzaltenango en 1963. Ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional, dentro de ellas: Club Rotario, Fundación Rozas Botrán , Juannio, Bienal de Arte Paiz, El Túnel entre otras. Ha obtenido diversidad de premios y reconocimientos.

Serie Colgadores
"Sin título"
Óleo sobre tela

Por Alfredo García

En esta oportunidad decido “suspender espacios” pero, uso como pretexto un objeto tan cotidiano, tan simple, tan común y a veces tan inadvertido que por su condición la tecnología ya lo está “colgando” en el recuerdo. Me refiero al “colgador” y me propuse rescatarlo, decodificarlo, desoxidarlo, rebautizarlo, y rediseñarlo para que pase ser relevante, que sea el centro de atención, el factor común y que me sirva de pretexto para “colgar” espacios negativos, espacios positivos, espacios insinuados, espacios definidos, espacios esperando espacio, espacios en blanco y negro, espacios con más futuro que pasado, espacios con falta de espacio, espacios con exceso de espacio y todo esto dentro de un espacio que ahora cuelgo.

Colectiva / Noviembre 2010

2010-11-25T09:28:00.000-08:00

Exhibición “Colectiva”

Jueves 4 al 27 de noviembre se exhibirá en Galería el Áttico una colección de obras provenientes de colecciones privadas que reúne artistas vigentes y fallecidos representando diferentes periodos del arte nacional a través de su diversidad de temáticas y técnicas.

Ejemplo de lo anterior son las obras de Agustín Iriarte 1903, Humberto Garavito 1938, Luis Díaz 1964, Elmar Rojas de 1981, Guillermo Grajeda Mena década de los años 80 y Darío Escobar, finales del siglo XX.

La posibilidad de adquirir las piezas expuestas le dan un valor agregado a esta actividad ya que se convierte en una interacción de coleccionista a coleccionista, facilitando a quien no posea una obra clave de algún representante del arte guatemalteco pueda lograr hacer más completa su pinacoteca.

Ever Rodas

2010-11-25T09:13:00.000-08:00

Imágenes de un Condenado

Surgen como el primer resultado de mi búsqueda personal. Como inicio de proceso y por ende colijo que sirvió como modo de hacer las cosas… son principio y no final de camino. Lo considero una hipótesis primigenia de la cual se nutre el resto de mis pinturas, grabados e instalaciones de los últimos tres años. Es, en esencia, el dibujo automático, directo, valiéndome de las herramientas del rapidógrafo, tinta china y el papel, sin la intervención del borrador y el lápiz.

Son preguntas, dudas, conflictos y escape. No poseen la pretensión de test psicológico. Sólo se integran a la panorámica general de mi proceso. Creo firmemente que ésta es la vía que me convertirá en algún momento del futuro en un artista visual… algo que estoy construyendo fehacientemente… En ese momento que está por venir se construirán las nuevas interrogantes que cuestionarán lo recorrido para llegar a nuevas conclusiones.

De momento, sin embargo, estoy conforme con las decisiones que me llevaron a estos resultados plasmados en esta serie… sin aludir nada específico “lo que hay es lo que hay.” Esta premisa engloba también el encuentro con el espectador que, al final, es quien evalúa desde sus referentes si se conecta o no con el trabajo. Si lo disfruta o no.

Fernando Valdiviezo, Hablando en Plata

2010-11-25T09:11:00.000-08:00

LOS INQUIETANTES DIBUJOS DE FERNANDO VALDIVIEZO

Por Juan B. Juárez

Para hablar de los dibujos que componen la serie “Hablando en plata” de Fernando Valdiviezo se hace necesario olvidar los lugares comunes con los que se acostumbra a describir irreflexivamente las obras de arte y utilizar las palabras en su sentido original y pleno, precisamente porque lo que en ellos se expresa es algo tan singular y poco convencional que no cabe en las clasificaciones escolares de la historia del arte y la estética tradicionales.

En efecto, los dibujos de la serie “Hablando en plata” de Fernando Valdiviezo acogen el espacio sensible y vital de lo inconsciente, y en ellos convergen, trastocados por una imaginación libre de ataduras lógicas, fragmentos de la realidad concreta, de la memoria personal y colectiva y de deseos y ansiedades aún sin formulación, fundidos por los trazos implacables del artista en imágenes ambiguas y complejas de oscuro y poderoso simbolismo, tras las cuales palpita una persistente inquietud. Es propiamente esa unidad de sentimiento, sumada a la unidad de estilo, lo que sostiene a esas imágenes en su elevada intensidad y las articula como un discurso consecuente con nuestra época, de tal manera que los méritos técnicos del artista (que usualmente es lo que se elogia en una obra) pasan a ser el soporte invisible de la lograda expresión de esa inquietud profunda —logro artístico mucho más significativo— que ya no es producto de la imaginación sino propiamente un estado espiritual sutil y elusivo.

Y es que el desasosiego que producen y transmiten las “visiones” inquietantes que articulan los trazos minuciosos del artista tiene que ver, más que con la falta de lógica (que, por otro lado, pudiera atribuirse a los caprichos de lo onírico o a los desvaríos de una imaginación suelta a sus impulsos), con la experiencia mucho más lúcida, comprometida y abarcante de lo absurdo. De allí que, ante esas imágenes, más que la admiración por las habilidades técnicas e imaginativas del artista, se produzca en el espectador cierta incomodidad esquiva que lo coloca en la situación existencial de replantearse las preguntas eternas sobre el sentido de la vida, específicamente de su propia vida.

Es tan perfecta la fusión de lo técnico, lo formal y lo semántico —e incluso lo material— a la hora de definir el “contenido” y la intención expresiva de estas obras inquietantes, que el simple análisis formal nos pondría en riesgo de distorsionar su sentido. Y es que en manos de Valdiviezo el dibujo ha dejado de ser el género subordinado en que, por ejemplo, se apoyaba su pintura, para convertirse, en esta serie, en un lenguaje autónomo y autosuficiente de inagotables posibilidades simbólicas y de articulación conceptual y emotiva que va más allá de la descripción de la forma de objetos reales o imaginarios; y precisamente por ser lenguaje articulado, sus imágenes exigen una lectura fluida y una interpretación de conjunto y no el deletreo titubeante o la arrobada contemplación estética de sus elementos formales aislados.

Una buena forma de iniciar esa lectura concentrada y fluida es partir de los efectos que producen esas imágenes inquietantes. Sin duda la incomodidad esquiva que siente el espectador está ya anunciada en los títulos entre filosóficos y poéticos de cada obra pero tiene su verdadera su fuente en los billetes reales que se incluyen en la estructura formal y significativa de cada cuadro y en torno a los cuales se organizan las escenas que se representan en las obras. La ambigüedad que introducen estos elementos reside, más que en el hecho de ser material y simbólicamente ajenos al espíritu imaginativo del dibujo, en que, fuera de contexto, son signos fallidos de la riqueza, el trabajo y el intercambio y ya no despiertan ningún apetito más que la curiosidad frívola ante lo extraño. Pero el significado de los billetes no se limita a lo económico: en el sistema monetario de cada país, los billetes se insertan plenamente en el tejido cultural de la sociedad incorporando en su imagen valores de diferente índole, encarnados por personajes célebres y ejemplares que representan el orgullo y las aspiraciones nacionales. Es para estas celebridades locales que adhieren valor humano al medio circulante que Valdiviezo crea escenarios y tramas imaginarios, los cuales, precisamente por su irreverente y descarnada arbitrariedad, relativizan y diluyen hasta el absurdo los méritos y el significado de la vida de esos personajes solemnes e inmortales que, en los dibujos del artista, agotan su mirada insomne en la insoportable eternidad del sinsentido.

La sola falta de contexto basta para cancelar el sentido de una frase o de un gesto, lo que puede ser triste o lamentable; pero la sustitución del contexto real que rodea a la vida de una persona por otro imaginario —que es, además, absurdo— crea un equívoco insuperable, lo que puede ser, más que irrisorio, patético y trágico. Y eso es precisamente lo que sucede con las celebridades locales inmortalizadas en los billetes extranjeros, colocados ahora en los escenarios dislocados de Valdiviezo: atados a su incongruente solemnidad, se mueven como sonámbulos en un sueño al que no pertenecen y en el que esencialmente no pueden encajar.

La sustitución de los escenarios que se opera en los dibujos de Valdiviezo no obedece a un juego de posibilidades matemáticas (aunque tales posibilidades existan). La grieta de sentido que se abre en sus inquietantes imágenes no es imaginaria ni constituye un modelo lógico: es propiamente un presentimiento vívido y angustioso que contamina algo más que sus sueños, pero que en este artista se manifiesta como la pulsión irrefrenable que funde y confunde los contextos de la realidad y del sueño, como método, sin duda inútil, de restablecer la continuidad de sentido… Pero la inquietud ya ha sido sembrada.

Tal pulsión irrefrenable se puede observar en la manera de “construir” estas imágenes: líneas breves y minuciosas, con vida propia, que se agitan como limaduras de imán dispersándose ante la luz y se amontonándose en las zonas oscuras, que se arremolinan aquí y allá, obedeciendo no a la intensidad y dirección del viento sino a los vaivenes de la emoción, y que definen con la pareja ambigüedad del claroscuro el espacio y el vacío y las presencias mórbidas y fantasmales que lo habitan. Se trata, en el fondo, de una atmósfera hipnótica y magnética que propicia la “visión” onírica que, como tal siempre es interna, y que convoca y mantiene unidos a los diversos y heterogéneos objetos que, fuera de ella, remitirían a otros contextos, a otros mundos, a los que por naturaleza pertenecen.

Naturalmente el logro de expresión y comunicación artística que significa la serie “Hablando en plata” no es casual, súbito, ni gratuito. Desde la perspectiva de estos dibujos, la prolongada trayectoria del Fernando Valdiviezo como pintor y dibujante y las diferentes fases que marcan el desarrollo de su obra, se miran ahora como la búsqueda más bien intuitiva —no metódica— de un camino a lo inconsciente. El rescate de las imágenes de su niñez, las tonalidades delicadas y precisas de sus colores arrancadas al sueño, la reunión de objetos heterogéneos en bodegones aparentemente apacibles, las composiciones abstractas que conjuraban una obsesión, dieron lugar, en cada etapa, a emotivas imágenes poéticas que sólo eran “surrealistas” en el sentido más superficial del término y porque aludían vagamente al mundo de los sueños (más bien plácidos, en este caso). Realizadas con solvencia técnica e imaginativa y bajo otra concepción estética, el verdadero pathos, ese que se instala en el inconsciente por las contradicciones y desencuentros de la existencia profunda en un mundo marcado por la incertidumbre, no afloraba en ellos. Les faltaba la madurez espiritual del hombre-artista que finalmente se encuentra y reconoce a sí mismo en su trabajo y consecuentemente abandona los vanos afanes por el reconocimiento externo y el éxito material.

Resulta ocioso preguntar por las fuentes formales de su trabajo creativo a un artista que deliberadamente ha abandonado los afanes por el reconocimiento externo. En el caso de Fernando Valdiviezo es absolutamente irrelevante vincularlo con el movimiento surrealista que floreció en Europa hace cien años. El presentimiento vívido y angustiante al que responde su obra no es asunto de modas desfasadas, sino la fuente de la originalidad y legitimidad de su expresión. La etapa creativa que inaugura la serie “Hablando en plata” está signada por esa autenticidad, que es la aspiración y el logro irrenunciable de todo artista.

Guatemala, septiembre de 2010

Foto>30 Morena Pérez

2010-11-25T08:27:00.000-08:00

LA FAMILIA ARTÍSTICA

Fotografías de Morena Pérez – Joachín

El medio artístico guatemalteco celebra este mes a través de la fotografía la construcción social que nace en el ámbito artístico en todas las disciplinas culturales.

Imágenes de teatro, danza, música que hacen homenaje a aquellos personajes que en este siglo han trascendido y representado una de las más grandes figuras.

Exposición del viernes 3 al 30 de septiembre.

Foto>30 Nathalie Béard, La Familia

2010-11-25T08:25:00.000-08:00

Esta exposición presentada en el cuadro de FOTO30 2010 junto a la galería El Attico es un conjunto de imágenes de distintas familias guatemaltecas.

Cada una de las fotografías representa miembros de cada familia, escogidos al azar, sin importar género ó edad. Algunas fotografías son retratos, algunas son partes del cuerpo humano, sin ropa, sin joyas ni nada material que pueda representar algún estatus social. Aparecen tal y como entraron a la sesión, tal y como se presentaron delante de mi objetivo.

El fondo de color neutro representa la claridad, la falta de malentendidos y la integridad de cada persona.

El único elemento material que decora y acompaña a los familiares es un cable, una cuerda, un lazo que los une, representando la fuerza y unión que todos tienen de una manera ú otra, reuniendo todos los sentimientos de cada miembro hacia su familia.

Rafael Dussan. Obra Reciente

2010-08-18T17:17:00.000-07:00

RAFAEL ALFONSO DUSSAN MEJIA

Artista Colombiano con formación en artes plásticas y ciencias humanas.
Su trabajo esta ligado particularmente al cuerpo humano a traves del dibujo sobre distintos soportes y tecnicas.
El desarrollo de su obra es un conocimiento continuo de la naturaleza humana, asociado a la experimentacion del dibujo.

Vive y trabaja en europa desde el 2002 (Francia e Italia). A partir de 1990, participa en exposiciones individuales y colectivas en Colombia y el exterior (Caribe y Centro America, Estados Unidos, Francia, Alemania, Belgica e Italia).

TODO ESTA ESCRITO EN EL CUERPO.

El trabajo de Dussan gira en torno al cuerpo humano, como expresion fondamental de la vida, como posibilidad de existencia y condicion ineluctable de nuestra mortalidad.

Del cuerpo como lugar de posibilidades y de relaciones con los demas y la realidad, como lugar en el mundo. Del cuerpo-huella, del cuerpo-trazo, del cuerpo vivido y sentido, del cuerpo inscrito en el tiempo, cambiante y siempre distinto, dinámico y en movimiento.

El cuerpo mas alla de las modas y de la estética, parámetros generalemente asociadoss al occidente europeo.

Los cuerpos que recuerdan la multiplicidad de raices, de infinitos mestizajes.
El cuerpo del placer y el goce, el cuerpo del dolor y la ternura, el cuerpo joven y de la vejez, el cuerpo sereno y grotesco.

Enigmas, Luis Castellanos

2010-08-18T17:14:00.001-07:00

Luis Castellanos

Exposición “Enigmas”

Artista guatemalteco que reside en Estados Unidos desde hace varios años, específicamente en Ocean Drive, y que visita nuevamente su país para mostrarnos una colección de trabajos muy originales en los que traslada sus ideas a través de técnicas mixtas.

Los temas escogidos tienen mucho de religioso, histórico, fantástico con una base totalmente surrealista; Rememoran anécdotas chapines tales como el año en el que mandaron a envenenar las palomas de la catedral pues las mismas dañaban la fachada del edificio y que el artista representa a través de una vitrina en la que por medio de pintura, objetos hallados y un texto sobre metal, traslada al observador sus impresiones sobre este asunto.

En su trabajo actual es autodidacta, sin embargo ha recibido clases con el maestro Manolo Gallardo y Roberto Cabrera, lo que definitivamente sentó las bases e inquietudes de sus actuales manifestaciones. Estas creaciones las desarrolla en dos categorías muy marcadas, la primera consiste en objetos escultóricos compuestos por elementos encontrados y adaptados para integrar un todo que cuentan una historia muy personal y que probablemente al observador le evoquen otras vivencias. La segunda categoría consta de vitrinas dentro de las cuales están encerradas con fondos de grabados o pinturas, piezas que van desde flores secas y plumas de aves hasta metales y acrílicos.

La muestra consta de diez piezas y está abierta al público del 12 al 28 de agosto, 2010.

METALICA

2010-07-22T15:32:00.000-07:00

...Estos iconos son remanentes de simbolismos entrelazados de sociedades aparentemente similares pero con un orden de prioridades distintos, y es esta confluencia cultural la que me atrae destacar pues despierta la introspección y la búsqueda del por qué de nuestras aparentemente obvias y bien entendidas convicciones.

¿Realmente elegimos los objetos que nos rodean o hay un aparato invisible que domina nuestros pensamientos a la hora de adquirirlos? ¿Es la percepción de nuestra imagen recibida por lo que somos o por lo que tenemos? ¿Si todos los objetos que nos rodean fueran otros, seguiríamos siendo los mismos?

Luis Fernando Ponce

Jorge Mazariegos

2010-06-11T09:39:00.000-07:00

Paisajes

en el Salón del Coleccionista de el Attico.

Han pasado más de quince años desde que en esta galería se realizó la última exposición de paisaje. En aquel entonces la decisión obedecía a una necesidad de renovación de estilos expresivos y al agotamiento que los artistas habían sometido la temática. Sin embargo, no por dejar de exhibirlo el paisaje había desaparecido y menos los artistas que lo producían. La misma actitud tomó otros espacios que sirven de plataforma a las propuestas emergentes como las subastas rotaria y Juannio.

El tiempo pasa y es obvio que algunas expresiones, muy a pesar de los curadores contemporáneos, no desaparecen por arte de magia. Más si estas visiones traen consigo una serie de elementos que conectan el inconsciente del observador con el de sus propios gustos y memorias. Es en aras de ese convencimiento que los directivos de El Attico decidieron volver los ojos hacia el trabajo de un pintor cuya labor ha girado invariablemente alrededor del paisaje y el urbanismo académicos de Guatemala.

En esta ocasión Jorge Mazariegos Rodríguez se va por el lado de la tradición y el sincretismo cultural. Memoria que expresa singularmente a partir de claroscuros, en el acaso de la obra sobre papel y que toma otros relieves con el matiz que le ofrecen los colores al óleo. Desde lo arquitectónico hasta el modo como el artista interpreta evidencias concretas de nuestra espiritualidad y las costumbres guatemaltecas, toda su propuesta exuda un sentimiento chapín muy especial.

Entonces ¿qué mejor manera de abrir de nuevo las puertas del paisajismo que con éste artista” . La muestra permanecerá abierta hasta el 29 de junio de 2010.

Guillermo Monsanto

Imaquinario, Sergio Valenzuela

2010-05-21T12:02:00.001-07:00

Imaquinario de Sergio Valenzuela
Abierta al público a partir del día miércoles 5 de mayo al 31 de mayo del 2010

Lunes a viernes de 9:00 a 13:00 y 15:00 a 19:00 Hrs.
Sábados 9:00 a 13:00 Hrs.

Imaquinario se funda tal cual su nombre lo indica, en los sentimientos fabricados, en los momentos imaquinados, en tal aspecto lo Imquinario es el reino de la maquinación de sentimientos y experiencias. El sentido espacial del imaquinario se inicia en el alma, en el entorno real y onírico. Es en este en el que los sujetos pueden identificar su imaquinario favorito como un yo. Sin embargo, este proceso requiere una cierta apertura espiritual y sensibilidad creada por la necesidad de sentir el arte como parte importante de su realización. Como la realización de creador del imaquinario.

Sergio Valenzuela VALENZ,
Guatemala 1970.

Licenciado en Comunicación para la educación, imparte cursos de creatividad, Publicidad y Diseño Gráfico a estudiantes universitarios.

Artista plástico caracterizado por su continua y dinámica innovación en texturas, técnicas y pigmentos.
Ganador del IV certamen del Joven Pintor en 2005, seleccionado como becario para estudiar en la Escuela Superior de Bellas Artes Paris, Francia en donde continuo su formación con artistas de la talla de Sylvie Fanchon, Bernard Piffaretti y Dominique Gauthier. Recibió crítica y asesoría de artistas de nivel mundial, como Pat Andrea y Philippe Cognée.
Ha participado en certámenes nacionales y en múltiples exposiciones colectivas.
Obra Seleccionada en Subasta de Arte Latinoamericano Juannio 2005 y 2006, Obra Seleccionada en la XV Bienal de Arte Paiz, categoría artistas invitados (2006), Artista invitado por la embajada de México, Homenaje Frida Kahlo (2007), Obra Seleccionada IX Festival Internacional Rozas Botrán 2007, mención honorifica en el X Festival Internacional Rozas Botrán 2008, Finalista en Subasta de Arte Latinoamericano 45 Años Juannio 2009 y Mención de Honor Subasta de arte latinoamericano SUMARTE 2009
Sus obras están expuestas en Alianza Francesa Guatemala, Museo Forma El Salvador, colecciones privadas en Guatemala, Francia, España, Noruega, Nicaragua, El Salvador y Estados Unidos.

Nuestros Ángeles, Rae Frese Leeth

2010-04-09T09:17:00.000-07:00

RAE FRESE LEETH.
Una norteamericana con corazón chapín.

Al escribir una nota sobre Rae Leeth se hace difícil separar lo emotivo de lo profesional. Por un lado cuenta el desfile de amigos que conforman el rico universo que la rodea y por el otro el enjambre de artistas que tiene o ha tenido que ver con su producción creativa.

Cuando llegó a Guatemala la escultura era una disciplina que pocos autores seguían como posibilidad de expresión profesional. Salvo nombres muy consolidados como Dagoberto Vásquez –que también era pintor y dibujante-, Luis Carlos –perteneciente a la generación del ochenta-, el español José Nicolás –quien seguía haciendo encargos para la Iglesia desde los años sesenta- y otros nombres como Carlos Chaclán, Byron Ramírez, Oscar Ríos, Oscar Barrientos o Rudy Yan Peña –relacionados a certámenes y becas en el extranjero pero sin un mercado visible-, la disciplina estaba prácticamente de baja. No sería hasta que una serie de inquietudes y coincidencias, entrarían a fortalecer a la creación en bulto.

Es precisamente en ese momento en el que Rae comienza a proponer piezas por demás alejadas del patrón y logra asentarse como escultora dentro de un círculo coleccionista. Espacios que logra asentando sus propuestas en galerías y subastas. De paso, algo difícil al inicio de los noventa, consigue el respeto de sus compañeros escultores y adentrarse, de a poco, en todos los escenarios disponibles para las artes de Guatemala.

Prolija y diversa, la obra de esta norteamericana de corazón chapín fue dejando cánones que artistas más jóvenes siguieron con igual éxito. Ahora, desde su refugio de paisajes volcánicos, sumergida en su taller en la ciudad de Antigua, Leeth se ha adentrado en un tema por demás espiritual: el angelical. Y desde él en una multiplicidad de posibilidades que exploran desde los cristales, maderas, bronces y mármoles ya en solitario o en fusiones muy a la Rae. Desde allí no sólo se puede entender la figuración que la artista explora. También se puede percibir las inquietudes que mueven su desvelo creativo.

La muestra, por lo tanto, conmemora su arribo hace veinte años a estas tierras y el veintidós aniversario de la galería El Attico.

SOBRE RAE.

Rae recibió un Certificado en Bellas Artes del Córcoran School of Art in Washington, D.C., en 1990. Su mentor principal siempre ha sido Retha Walden Gambaro con quién hizo un aprendizaje 1983-85. También hizo aprendizajes con Larry Sterling (1990-92) y Umberto Antognazzi (1993).

Exposiciones juradas incluyen Art League of Capitol Hill Arts Workshop (1988, 89), Lake Worth Art League (1992, 94), Juannio (1993, 94, 95, 96), Bienal de la Fundación Paiz (1994, 96). Subasta Rotario (1995, 96, 97, 98, 99, 2000, 2001, 2002, 2003, 2010). Asociación Pro-Lago Amatitlán (1995, 96, 97), Audobon Artists (1996, 97), Fundación Dr. Adolfo Castañeda (2000).

Exposiciones individual Cantón Exposición (2005), IGA (2003), Galería El Attico (1991, 92, 95, 2000), Galería Arte Inversión (1993), Embajada de Los Estados Unidos (1994).
Ha participado en muchas exposiciones colectivas.

Julio & Thierry Zadik

2010-02-27T09:01:00.000-08:00

ENCUENTRO: JULIO Y THIERRY ZADIK

Si hay una figura interesante en la historia de la fotografía de Guatemala es Julio Zadik (1916-2002). Su posición estratégica en la Litografía Zadik, su proximidad a artistas como Carlos Mérida, Max Vollmberg, Guillermo Grajeda Mena o Alfredo Gálvez Suárez, entre otros punteros, le hacen autor visible y parte de un selecto círculo de artistas. Su interés en la gráfica, los aportes que llegó a proponer a través de ella son sólo una parte primordial de su fuerte presencia en la plástica guatemalteca del siglo XX. La otra la representan los hallazgos realizados a partir del enfoque de su cámara y la captura de imágenes que han empezado a reaparecer captando el interés de los críticos e historiadores del arte ¿Cómo es posible que se tardaran tantos años en reconocer su rango? Ocho trabajos de impecable factura y de fecha desconocida, nos presentan el lago de Atitlán en blanco y negro.

Diez fotos representan a su sobrino nieto Thierry (1972). Este artista emergente radica en Panajachel desde principios de los años noventa y su vasto portafolio incluye tomas que sin duda le granjeará el respeto del medio cultural. Cuando vimos sus trabajos decidimos hacer una selección para propiciar un encuentro entre ambos autores y enriquecer la muestra que era originalmente de Julio Zadik. El resultado no pudo ser mejor. Los elementos formales que nutren el trabajo de Thierry, le permite exponer sin sobresaltos al lado del destacado maestro.

La muestra quedará abierta al público a partir del martes 23 de febrero.

Guillermo Monsanto

Noventa Segundos en la Fotografía Contemporánea Guatemalteca

2010-02-15T08:59:00.000-08:00

INSTANTANEAS
Por Renato Osoy

El gran momento de la fotografía como medio de divulgación visual masiva, comenzó
a ver su esplendor con la aparición del Internet y la captura digital, coronando
así su reinado como un nuevo sistema de lenguaje humano. Nuestros ordenadores
y las aplicaciones que éstos nos ofrecen están más que saturados de imágenes, fragmentos que el mundo en su necesidad frenética de comunicarse nos proporciona inagotablemente. El éxtasis visual de converger con lo desconocido, la curiosidad de descubrir lo pornográfico y el debate técnico sobre la toma, son ya inquietudes del pasado. “Photoshop” y las posibilidades del “mega píxel” nos han hecho separarnos de la superficialidad técnica de la fotografía y nos han llevado a cuestionar la veracidad del medio. A la vez, lo explícito, lo obsceno y lo morboso ya no son tabú, “lo otro” está en todas partes. Paralelo a este suceso vemos que el “hype social” que rige las sociedades modernas, en donde la gratificación instantánea se venera y se fabrica para hacerse lo más inmediata posible, ubica a otro nivel nuestra aproximación al contemplar detenidamente, lo que una vez fue instantáneo.

La captura digital contra la captura análoga, son debates internos que no encuentran
sosiego en la inquietud del fotógrafo que quiere llevar la esencia de sus tomas a una apreciación más elevada e intelectual. Por un lado la transformación de la luz mediante el proceso químico de las emulsiones y a su opuesto la recolección del fenómeno lumínico a través del sensor fotosensible. Ambos son procesos que han evolucionado de acuerdo a las posibilidades de sus tiempos, tomando en cuenta que cada tiempo ha tenido su manera de plasmar la historia. Así como el graffiti lleva a su creador a plasmar un memento, nos lleva a recordar a los antiguos, estampando grafos en los interiores de cuevas y paredes. A lo que hoy vemos en “los walls” de “Facebook” y en universos similares que forman nuestro consciente colectivo.

La idea de presentar una muestra regida por el uso del “polaroid” o la “instantánea”
tiene sus raíces inspiradas en la idea nostálgica de la pérdida material,
concretamente del objeto fotográfico. En un mundo velozmente cambiante y cada
vez más desprendido de la evidencia material en la creación de la obra de arte,
parece referirse a una “paradoja” al trabajar sobre un material que en esencia
técnica está vinculado a la invención de su sucesor. Recordando cuando Polaroid
dijo “adiós!” al final de los cuarentas a los fotógrafos de cajón, hoy la foto digital
dice “adiós!” a Polaroid, colocándola en el cajón de los recuerdos. En la presente muestra se ha invitado a participar a cinco fotógrafos Guatemaltecos, algunos formados en los años dorados de la emulsión y otros forjados en el renacimiento de la toma “digital” o más bien, de la “instantánea digital”. La temática del colectivo varía de acuerdo a los intereses artísticos de cada fotógrafo, la instantánea es solo el punto de encuentro, dejando en claro que la siguiente muestra no busca establecer verdades, si no, plantear cuestiones sobre la interpretación conceptual del tecnicismo análogo y su uso entre algunos artistas contemporáneos.

2010-01-26T16:40:00.000-08:00

“La Marcha” Muestra del trabajo reciente del artista guatemalteco Lezzueck Asturias. Exhibición del 20 de enero al 19 de febrero 2010. Abierto en horarios normales de la galería: lunes a viernes de 9 a 13 y de 15 a 19 horas / sábados de 9 a 13 horas.

Sobre el artista y su obra por Guillermo Monsanto

Este artista vive inmerso en un mundo mágico. Sus fuentes de inspiración lucen como sincréticas. La larga estadía en Alemania le hacen comprender de otra manera la naturaleza y sus ciclos: primavera, verano, otoño e invierno, conviven con sus recuerdos de lo tropical y sus exhuberancias. Surrealista en su presentación, naturalista en su búsqueda, humanista en su mensaje, Asturias conjuga emociones con visiones estéticas llenas de imaginación y no exentas de humor y nostalgia.

El agua es una constante, la mujer otra. Figura humana, flora y fauna exóticas aparecen en sus trabajos como fuentes de luz, añoranza y nostalgia. Figuras de mirada atenta y expectante. Protagonistas que enfrentan al espectador con la misma curiosidad que éste los escruta. No hay drama, no hay tensiones… hay misterio, encanto, romance.

Básicamente, desde su puesto en la universidad de Arte de Weimar, Asturias ha fortalecido su posición como pintor de caballete. Acción que si bien pudo haber sido dejada de lado por los instaladores y las manifestaciones electrónicas en boga de finales del siglo XX, hoy toma fuerza de nuevo en Europa y Estados Unidos para reafirmarse como expresión válida y acorde con el conocimiento de técnicas que otros artistas visuales desconocen.

De Lezzueck Asturias se puede conocer más en www.elattico.com

2010-01-26T16:35:00.000-08:00

“DIBUJO SALVADOREÑO” Muestra de una colección de dibujos de artistas salvadoreños realizados durante la década de los años noventa. Exhibición del 1 al 23 de diciembre 2009. Abierto en horarios habituales de la galería: lunes a viernes de 9 a 13 y de 15 a 19 horas / sábados de 9 a 13 horas.

Descripción y objetivos
La muestra está compuesta por obras de Mayra Barraza, Alfredo Catalán, José Luis Cuevas, David Demauro, Walterio Iraheta, Juan Carlos Lazo, Ronald Morán, Juan Carlos Rivas y José Rodríguez.
Las obras expuestas están trabajadas en técnicas de dibujo, grabado y collage. Las dimensiones son en su mayoría pequeñas, dándole intimidad a cada trabajo que de hecho poseen además de una depurada técnica, un fondo lírico, estético y surrealista. Es curioso notar como muchos de los autores han ido desarrollando una evolución a partir de obras de este periodo y actualmente puede darse seguimiento a la línea por ellos realizada.

Síntesis curricular de algunos de los participantes.

Mayra Barraza (El Salvador, 1966)
Ha mostrado su obra internacionalmente desde los noventas en espacios como el de la II Bienal de Lima - Perú; Casa de América Latina en Lyon, Francia; Centro Atlántico de Arte Moderno en Gran Canarias, España; Museo del Barrio de Nueva York; y The Corcoran Gallery of Art en Washington, DC. A Barraza recientemente le fueron otorgados el Premio MOLAA 2008 en Dibujo por el Museo de Arte Latinoamericano de Long Beach, California y el Primer Premio igualitario del VI Salón de Dibujo de Santo Domingo – 2007 de República Dominicana. En el transcurso del 2009, presentará su trabajo más reciente en la muestra itinerante por Centro América titulada “República de la muerte”. Mayra Barraza es representada por Carlos Woods Arte en Guatemala. Es miembro fundadora de La Fábri-K, un colectivo de artistas con estudios y espacio de exhibición albergado en una antigua fábrica en las afueras de San Salvador.

Walterio Iraheta (San Salvador, 1968)
Es graduado del Centro Nacional de Artes de El Salvador (CENAR), 1984 - 1986. estudió artes aplicadas (con especialidad en Diseño Gráfico) en la universidad Dr.Jose Matías Delgado, de El Salvador; 1991 - 1995. En 1997 fue becado por " The Chicago Cultural Center " para participar en un intercambio de artistas y un taller de grabado.
En 1992 fué nombrado " Talento Joven del Año " en su país, y en 1996 ganó el primer lugar del certamen nacional de pintura joven " Palmares Diplomat " de El Salvador. En 1998 obtuvo el primer premio "Tlahcuilo" en la primera bienal del Istmo Centroamericano. En 1999 ganó el premio único en el certamen-subasta de arte Latinoamericano " Juannio-99" en ciudad de Guatemala.
De 1993 a 1999, creó y dirigió el " Centro del Dibujo de El Salvador", el cual ha realizado 6 Muestras Nacionales de Dibujo, publicado 4 catálogos y más de 10 artículos en periódicos revistas. Fue Director de Comunicaciones del Consejo Nacional para la Cultura y el Arte (CONCULTURA) de su país, 1995 - 1996, y trabajó como Creativo Gráfico para algunas agencias de publicidad entre 1987 - 1991.
Ha realizado 10 exhibiciones personales en El Salvador, Honduras, Guatemala y Estados Unidos. También ha participado en más de 50 exposiciones colectivas en ciudades de Centroamérica, México, D. F., Chicago, Miami y Washington, EE.UU; Madrid, España; París, Francia; Tokio, Japón; Taipei, Taiwan, y Ottawa y Montreal, Canadá, entre otras.

“Shh…!!!” Josue Romero

2010-01-26T16:10:00.000-08:00

“Shh…!!!” Muestra del trabajo reciente del artista guatemalteco Josué Romero. Exhibición del 10 al 27 de noviembre 2009. Abierto en horarios normales de la galería: lunes a viernes de 9 a 13 y de 15 a 19 horas / sábados de 9 a 13 horas.

Descripción y objetivos
La muestra está compuesta

Síntesis curricular
Josué Romero (Guatemala, 1974)
Pintor autodidacta. Estudia Arquitectura en la Universidad de San Carlos de Guatemala y realiza un taller-seminario de ilustración de libros infanto-juveniles, auspiciado por la Embajada de Brasil en Guatemala.Ha participado en los principales eventos de artes plásticas realizados en el país: Juannio, Bienal de Arte Paiz y Artesubasta del Club Rotario Guatemala Sur, entre otros. Tiene realizadas tres exhibiciones personales en la ciudad de Antigua Guatemala: en El Convento de Capuchinas y el paseo de los museos del Hotel Casa Santo Domingo.

Su trabajo ha sido premiado en los certámenes de Joven Pintor 2001 (Segundo lugar) organizado por la Alianza Francesa, y el primer lugar del concurso Helvetas de Guatemala en el 2004.

Josué Romero. Por Guillermo Monsanto

Romero es uno de los artistas jóvenes más exitosos de su generación. Sus aportes recientes pueden apreciarse principalmente en las colecciones de Casa Santo Domingo y su obra pública más relevante la ha realizado a la par de sus compañeros de La Torana. Son el Bestiario en la pared lateral del Zoológico la Aurora y la Serpiente, adherido a la pared que protege el Acueducto de Pinula a la altura del trébol. En la actualidad trabaja individualmente en otros proyectos murales en la montaña que Casa Santo Domingo está desarrollando en Antigua Guatemala.

La colección que se exhibe en la galería El Attico consta de autoretratos a mano alzada en grafito, sobre papel y calco, que son las encargadas de narrar estados anímicos de su autor. Las mismas son acompañadas por gráficas digitales que sirven de soporte a dibujos directos que las intervienen. Asimismo complementan el panorama dos instalaciones de dimensiones variables en las que intervienen elementos esculturales, vinilos y otros objetos que crean la ambientación. Estas cuentan una historia alegórica sobre la comunicación, el silencio y el sonido.

La obra de Josué Romero por lo general trata de memorias perdidas y anhelos encontrados. Desde esta perspectiva es fácil encontrar anécdotas que fortalecen la nostalgia y convocan estadios lúdicos de la razón. La muestra estará abierta al público hasta el 27 de noviembre.

Obra Reciente, Alfredo & Francisco García

2010-01-26T14:06:00.000-08:00

“Obra Reciente” Muestra del trabajo de los artistas quezaltecos Alfredo y Francisco García. Exhibición del 21 de octubre al 7 de noviembre 2009. Abierto en horarios normales de la galería: lunes a viernes de 9 a 13 y de 15 a 19 horas / sábados de 9 a 13 horas.

Sobre los artistas y su obra
Padre e hijo se unen para compartir el escenario que ha sido su casa desde hace muchos años: la Galería El Attico. El caso de estos dos pintores es muy particular. Primero porque provienen de una región mágica y diversa en sí misma. Segundo, porque ambos han encontrado un plano metafórico para interpretar esa dimensión terrena utilizando perspectivas surrealistas. Tercero, porque ninguno de los dos nutre su iconografía de manidos elementos folcloristas tan usuales en artistas que trabajan lo regional.

Alfredo García ha desarrollado, a lo largo de las últimas cuatro décadas, un paisaje que evolucionó desde los cánones de escuelas académicas a los terrenos de un paisajismo paradójico. En los años setenta y parte de los ochenta, visualizó esquemas que fueron alejándose paulatinamente de la expresión tradicional del país. Ya en color o bien temáticamente, su pintura consiguió materializar la esencia de panorámicas ideales extraídas de la propia realidad. Proceso que se convirtió en síntesis cerca del final de siglo y que en el presente son ya una versión preciosista que recoge lo mejor de su repertorio personal.

La pintura de Alfredo García muestra hoy una madurez incuestionable. El oficio le llevó de la mano a no cejar en una línea que muchos autores abandonaron en pos de nuevas tendencias. En cambio, como que si de un reto se tratara, se sumergió en el campo del color el cual matizó para llevarlo a mínimas sugerencias en las que el contraste tonal se llega a definir por una sutilidad extrema. A ello se suma la composición armónica que es la otra particularidad que le caracteriza.

La desproporción de los planos es una propiedad acentuada que habita en su trabajo de todos los tiempos. En el presente es vital dentro de su producción ya que los nuevos elementos que conjuga con sus vistas, aportan nuevos efectos surrealistas a su imaginario. De este modo logra vistas mágicas que funden planos, tras planos, engañando con sutilezas el orden visual del conjunto.

Francisco José García logró desprenderse de la influencia de su padre sin olvidarse de los componentes formales de la obra. Vibrante, su color se aferra al soporte. Los colores, que se lucen crudos, hacen referencia al añil que tiñe las telas populares, pero se desprende de lo folclórico debido a los contenidos de sus figuraciones. Este autor no sólo posee una clara conciencia de su entorno –topografías extrañas, ríos revueltos, naturaleza viva-… lo lleva a un plano más sublime al no retratarlo tal cual. Es, desde la propuesta de un nuevo mapa, que el más joven de los García propone.
Hacía tiempo que un artista no exaltaba el papel del modo que este autor lo hace. Sus pliegos toman otro valor y vigor al recibir los cálidos colores de su pincel. Ya un volcán, o un ave exótica en vuelo y hasta un elemento utilitario, se convierten en objetos preciosos después de su abstracción de la realidad.

Salon del Coleccionista, Exposición Colectiva

2010-01-15T08:56:00.000-08:00

EL SALÓN DEL COLECCIONISTA
Galería El Attico

Este recinto fue reservado, con exclusividad, para exponer piezas seleccionadas confeccionadas en pequeños formatos o en otros casos, distinguirlas del resto de colecciones que se exhiben constantemente en el resto de las salas de la galería. Para ello, incluso, se diferenció en color el recinto con la intención de remarcar su existencia como entidad específica y especializada. No importando su género, las obras que se exhibirán allí -desde enero de 2010-, se fundamentan en sí mismas por la existencia de valores históricos o por la capacidad de intimidad que sus creadores lograron tanto a nivel técnico como íntimo. En otras palabras, se está destacando el modo como dejaron impreso, sobre el soporte (pintura, grabado, dibujo, fotografía o escultura), su personalidad para la posteridad.

Esta iniciativa, a cargo de del departamento de Proyectos Especiales de la galería El Attico, pretende crear una conciencia de la existencia de cierto tipo de obra que, por su confección o rareza, debe ser considerada como punto a parte dentro de la conciencia del coleccionista empedernido. Es por ello que dicha sección de El Attico sólo está enfocada en satisfacer la curiosidad en los colectores especiales. Devotos cuyos intereses se enfocan en obras de un calibre diferente.

Los directores
Enero de 2010.

Norman Morales... obra reciente

2009-09-11T10:17:00.000-07:00

“Obra Reciente” Muestra del trabajo del artista guatemalteco Norman Gabriel Morales Bedoya. Exhibición del 17 de septiembre al 9 de octubre 2009. Abierto en horarios normales de la galería: lunes a viernes de 9 a 13 y de 15 a 19 horas / sábados de 9 a 13 horas.

Descripción y objetivos
La muestra está compuesta por diez pinturas en diferentes formatos, objetos e instalaciones en las cuales mantiene sus ya conocidas iconografías de estudios anatómicos e ilustraciones de libros antiguos.

Sobre el artista y su obra
Norman Morales, al igual que sus correligionarios del colectivo la Torana, desarrolla su trabajo en estatutos racionales. Mismos que habitan en su producción y que reflejan a un hombre interesado por la síntesis de las ideas proyectadas en espacios determinados integrando luminosidad como por limpieza. En su obra coexiste un componente de corte humanista, fortalecido por un concepto cada vez más introspectivo, en el que los protagonistas se adentran a su universo personal. Todo es orden. Si lo arquitectónico posee un lugar relevante dentro de su producción, son las ideas conceptualizadas las que se roban el protagonismo. Norman Morales ha utilizado anatomías comparativas de lo existencial y el amor. Es así como el hombre y sus disquisiciones materializadas ocupan el centro de toda su atención. Es sin duda una figura clave de las artes de principio de siglo XXI. Además de ser coautor de los murales aledaños al Tecún Umán y el Trébol, creó una integración en los históricos muros del Antiguo Palacio de Correos (hoy Centro Cultural Metropolitano). Su capacidad analítica y su aguda visión sintética, se manifiesta a partir de obras cuyos contenidos se basan en el peso de la razón sobre la emoción.

Síntesis curricular
Norman Gabrieal Morales Bedoya (Guatemala, 1979)
Artista de formación autodidacta. Realiza estudios de arquitectura en la Universidad de San Carlos de Guatemala. Desde que inició su carrera artística en el año 2000 ha realizado alrededor de 25 exposiciones colectivas, incluyendo los principales certámenes de arte realizados en Guatemala, y diferentes actividades relacionadas con las artes visuales.
En el año 2003 realiza su primera exposición personal. En el año 1998 recibe el segundo lugar en la XI Bienal de Arte Paiz, y el 2005 el primer lugar en el certamen “ARTE SIN FRONTERAS”, otorgado por FUNDEMI. Dicho premio fue adjudicado al colectivo “LA TORANA”, al cual pertenece desde el año 2003.

“internoexterno”

2009-08-28T09:28:00.000-07:00

“internoexterno” Muestra del trabajo del artista guatemalteco Plinio Villagrán. Exhibición del 25 de agosto al 12 de septiembre 2009. Abierto en horarios normales de la galería: lunes a viernes de 9 a 13 y de 15 a 19 horas / sábados de 9 a 13 horas.

Descripción y objetivos
La muestra está compuesta por seis calcograbados y monotipos en dos formatos diferentes: un políptico y el resto individuales. Una carpeta de 8 grabados realizada en fía y barniz blando y finalmente, una instalación ubicada en un salón negro a partir de impresiones gráficas.

Sobre el artista y su obra
Plinio Villagrán, Guatemala 1979, es un artista cuya obra se inscribe en los inicios del siglo XXI, Miembro fundador del Grupo “La Torana” y del taller experimental de gráfica de Guatemala TEGG. Estudió Arquitectura en la universidad de san Carlos de Guatemala; grabado en la escuela de bellas artes de París en 2003 y en la escuela de pintura escultura y grabado “La Esmeralda” 2006. Actualmente estudia una licenciatura en arte en la Universidad de san Carlos. Ha participado en distintas exposiciones individuales y colectivas en Guatemala, México, Argentina, y EE.UU. Entre sus reconocimientos más importantes están: Glifo de oro (premio colectivo) “Latin Toys” 16 bienal de arte Paiz. 2006 Glifo, de Plata 15 bienal de arte Paiz, 2006, Tercer lugar IV bienal de gráfica latinoamericana, Buenos Aires Argentina, 2006, Primer lugar Primer salón nacional del grabado, Guatemala 2005, entre otros.

Plinio Villagrán forma parte de la más reciente generación de artistas contemporáneos que ha modificado el que hacer plástico esta primera década del siglo XXI en Guatemala. Es poseedor de varios reconocimientos por su creación tanto a nivel nacional como internacional. Cuenta con habilidades que van desde la pintura al arte objeto, pasando por la gráfica en sus diferentes modalidades -con lo que ha logrado proyectar un lenguaje personal donde funde la Historia y su historia, donde funde la tradición católica y los contrasentidos de la existencia del individuo en el acontecer social de su país-.
Su conocimiento de la Historia del Arte y los numerosos intertextos procedentes de la tradición maya clásica y del barroco de la era colonial, le permiten la viabilidad de articulación de intertextos que convierte en insumos que reutiliza para crear ásperas metáforas que hipnotizan, y que transforma en una obra con lecturas globales.

Síntesis curricular
Plinio Vinicio Villagrán (Guatemala, 1979)
Pintor y dibujante autodidacta. Estudia Arquitectura y la licenciatura en arte en la facultad de humanidades de la Universidad de San Carlos de Guatemala. Inició su carrera artística en el año 2000, cuando fue realizada la primera exposición de estudiantes de esa facultad. Ese mismo año fue conformado el grupo de arte LA TORANA, del cual fue cofundador. Desde ese momento ha hecho exposiciones individuales, colectivas y actividades relacionadas con el arte visual. En el año 2002 ganó el primer lugar del concurso del Joven Pintor de la Alianza Francesa y la Embajada de Francia en el museo Nacional de Arte Moderno. Estudió una beca corta de grabado en la Escuela de Bellas Artes de París. Actualmente trabaja en el Centro Cultural Metropolitano donde tiene su sede el Colectivo LA TORANA, realizando actividades e intercambios con otros colectivos de ese mismo centro cultural. En el año 2003 gana el Premio Único de Pintura de la Subasta del CLUB ROTARIO GUATEMALA SUR. Seleccionado para participar en el IV Bienal Argentina de Gráfica Latinoamericana, 2006. Primer lugar colectivo con “La Torana”, 16 Bienal de Arte Paiz, 2008. Miembro fundador del Taller Experimental de Gráfica, 2008.

"Insurrecciones" de Marlov Barrios

2009-07-14T11:00:00.000-07:00

Exhibición del 28 de julio la XX de agosto 2009. Exhibición en horarios normales de la galería: lunes a viernes de 9 a 13 y de 15 a 19 horas / sábados de 9 a 13 horas.

Descripción y objetivos
Sus insurrecciones pueden percibirse como una revisión. Temprana, si se quiere, la colección de dibujos que expone al público son como una radiografía esencial y consecuente con sus expectativas de los años recientes. Bocetos y otras imágenes sobre papel, que son la esencia de su iconografía personal, llegan a las paredes de El Attico en blanco y negro. Dibujos que denotan la firmeza de su mano y la soltura de su trazo. Que reflejan la desbordante imaginación del autor y el orden armónico de sus ideas distribuidas con estilo y seguridad en cada formato. La muestra, en sí misma, pareciera ser un libro desguasado que después de un proceso de reordenamiento, ha sido enmarcado individualmente. De este modo sus ilustraciones narran las visiones por las que el autor ha transitado desde una perspectiva museográfica.

Sobre el artista y su obra
Lejos están los años en que a Marlov Barrios se le podía calificar como artista emergente. Dueño de un dibujo muy particular –herramienta poco conocida entre los pintores de su generación- también ha sabido comprender la psicología del color y hacer suya una paleta singular y vibrante. Más allá de estas capacidades, desarrolladas a partir de una sistemática aplicación al oficio, también ha ahondado en los terrenos de lo conceptual. Pese a que esto parezca paradójico, valiéndose, de elementos concretos que le otorgan más permanencia a lo que dentro de esa corriente tiene que decir.

Escultor, dibujante, pintor, instalador, grabador, muralista, repertorio que comparte con sus compañeros de La Torana… Ya en lo individual las tendencias son en él más que una obligación que tiene que recorrer para estar en la mira de los curadores (porque pasa de ellos), un medio para aportar múltiples ideas propias que se nutren del caudal que le brinda la cultura popular guatemalteca y los conocimientos adquiridos a partir de una formación consciente

Síntesis curricular
Marlov Barrios (Guatemala en 1980)
Artista visual, miembro del grupo “La Torana”. Estudió arquitectura Universidad de San Carlos de Guatemala y grabado en la académica “La Esmeralda”, México DF. Miembro fundador del Taller Experimental de Gráfica, 2008. Comienza a pintar óleos antes de sus veinte años. Autodidacta en pintura, dibujo y grabado ha participado ya en numerosas muestras colectivas: segunda y tercera edición del Joven Pintor de la Alianza Francesa de Guatemala; Un espacio hoy, con el grupo Comunicarte, 2002; Fundación Rozas Botrán, Juannio y Arte Subasta de Club Rotario Guatemala Sur. Ha realizado cinco exposiciones personales Retratos de la Memoria (Andamios galería-café, 2002), Alegorías de la Apariencia (Centro Cultural Metropolitano, 2002), Dibujo, Grabado y Pintura (MINUGUA, 2003), Recuerdos Futuros (Museo Bodegas del Siglo XIX, Cervecería C.A. 2003) y Juegos Distantes (Cantón Exposición Fundación G&T Continental Guatemala, 2005). Su obra fue seleccionada para participar en el Certamen del joven pintor de la Alianza Francesa en el Museo Nacional Arte Moderno en 2002. Ganó el Primer lugar y una Mención honorífica como mejor artista de la región central en el certamen Agua color de vida, organizado por Helvetas de Guatemala en 2003. También obtuvo el “Premio Oro” en la categoría abstracta del VI Festival de Arte Contemporáneo de la Fundación Rozas-Botrán, y el premio en Arte Subasta , recibió la “Mención al Grabador Menor de 30 Años” en el primer Salón del Grabado, 2005 y Glifo de Plata compartido con Plinio Vinicio Villagrán en la categoría de artistas invitados, de la XV Bienal de Arte Paiz.Marlov es miembro fundador del colectivo La Torana, integrado por, Eric Menchú, Norman Morales y Plinio Villagrán. Esta agrupación surge en la Facultad de Arquitectura de la USAC, con motivo de una exposición realizada en 2000. Realizan su primera exposición conjunta en el Museo de Arte Colonial de la Antigua Guatemala en septiembre de 2001. En 2002, exponen en el Instituto Italiano de Cultura; en 2003, en Plástica Contemporánea y en el Centro Cultural El Sitio en la Antigua Guatemala; en 2004, en El Attico; en 2005 y 2006, en el Museo de Arte Moderno, Carlos Mérida y en el Paseo de los Museos del Centro Cultural Casa Santo Domingo. También en el 2005 obtienen el primer lugar en el certamen “Arte sin fronteras, al igual que Menchú y Villagrán son galardonados en el Primer Salón de Grabado. En el 2006 represento a Guatemala en la V Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano realizada en El Museo de Arte de el Salvador (MARTE) y fue invitado a participar en la colectiva “el Jardín de las Delicias” convocada por la galería Woods. Su obra fue seleccionada por el jurado de la Joven Estampa en la Casa de las Américas, La Habana, Cuba. Ganador del glifo de oro de la XVI Bienal de Arte Paiz en el 2008 junto a sus compañeros del colectivo la Torana por su obra “Latin Toys”.

Edición gráfica de “Bocetos para mural” & “Improvisaciones”

2009-06-14T09:46:00.000-07:00

Exhibición del 2 al 24 de julio 2009.

Descripción y objetivos
La muestra está compuesta por dos colecciones inéditas de gráficas, surgidas de los dibujos originales. La primera la comprenden los bocetos originales para los murales no realizados en la Corte Suprema de Justicia. La segunda una serie de dibujos intitulada improvisaciones. Ambas fueron escaneadas, digitalizadas y en algunos casos restaurados los daños, para realizar la edición gráfica que estuvo a cargo de Franja Fotográfica, bajo la supervisión de Juan Carlos Melero.

Sobre el artista y su obra
Guatemala, como en toda su historia independiente, está viviendo momentos de historia política turbulenta. Qué mejor ocasión que ésta para que reaparezcan los murales relativos a la justicia, censurados de tajo (e impunemente) a Efraín Recinos y a Guatemala. La historia comienza a finales de los años setenta o principios de la siguiente década… el trabajo va caminando satisfactoriamente y seis de las fachaletas que servirán de negativo a los relieves de la Corte Suprema de Justicia están listas para ser fundidas al muro hasta que un magistrado las ve y entra en pánico… pero ¿por qué? La justicia, según el diccionario de la RAE, es una de las cuatro virtudes cardinales que inclina a dar a cada uno lo que le corresponde o pertenece. También existe la justicia de carácter Divino que castiga o premia.

Más allá de cualquier definición lo cierto es que los trabajos fueron interrumpidos y los moldes, de dimensiones considerables, desaparecieron o los destruyeron. Parte de los bocetos que aparecieron –lamentablemente la colección está incompleta- se restauraron digitalmente y fueron impresos por Juan Carlos Melero en su taller de Franja Fotográfica en Madrid (España) en alianza estratégica con la Fundación Monteforte Toledo. El resultado fue la multiplicación de la obra en un sistema que Melero ya ha popularizado en nuestro medio, en cajas artísticas con ediciones limitadas cuidadosamente producidas, en las que se restaura la imagen a su máxima expresión. Ello, sin hacer tratamientos invasivos en los originales que se exhibirán simultáneamente en El Attico. A la colección se suman otros trabajos de Recinos realizados en los años cincuenta.

Síntesis curricular
Efraín Recinos (Guatemala, 1928)
Nace el 15 de mayo de 1928 en la ciudad guatemalteca de Quetzaltenango. Ingeniero civil de profesión, graduado en la Universidad de San Carlos de Guatemala. Estudió dibujo y escultura en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de Guatemala y en el Instituto de Leicester, Inglaterra. Es dibujante, pintor y escultor desde los años 50. Se destaca entre sus obras: El Mural Poniente, del Crédito Hipotecario; la restauración y remodelación del Conservatorio Nacional de Música, los murales interiores y exteriores de la Terminal Aérea, parque y fuente del Parque de la Industria, Parque Infantil Zona 10 y el mural de la Biblioteca Nacional, entre otros. Contiguo a su oficina, su área de trabajo revela cientos de planos, nuevos proyectos en proceso, esculturas con materiales comunes y cotidianos, así como trabajos ya finalizados, pero que aún no ven la luz.

Texto de Guillermo Monsanto sobre la colección

EFRAÍN RECINOS (proyectos restaurados)

Este quezalteco, nacido en 1928, es uno de los pocos autores considerados como genio por otros artistas igualmente iluminados. Ya de niño, a penas a los cinco años, mostró dotes especiales para la pintura la cual fue desarrollando en la privacidad de su casa hasta el año de 1939. Recinos no fue a ningún centro educativo –escuela o colegio- porque su padre consideró que los niños le iban a enseñar “malcriadezas y malas costumbres”. De este modo, en casa, bajo la influencia de otro notable, su papá (quien era a su vez inventor, fabricante de instrumentos musicales y pintor) fue dibujando un mundo propio, intuitivo e insuflado únicamente por las imágenes que llegaban a su imaginación y el modo como las interpretaba. También creó un repertorio verbal único y ágil que lo ha acompañado a lo largo de la vida.

Su cabeza infantil, en el sentido pictórico, fue un universo libre de marchamos académicos adulterados por la ingerencia de sus mayores. Ese respeto a la individualidad del infante fue clave en el desarrollo de una imaginación particular y contundente. Revistas de historietas, la radio y otras referencias, nutrieron de a poco un sentimiento que se transformaría con el tiempo en una guatemaltequidad muy universal.

Durante el corredor revolucionario (1944-1954), a finales de la década del cuarenta, ingresó en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Aquellos fueron años vitales respecto a los cambios de pensamiento y un momento en que los artistas propusieron desde otras perspectivas más consecuentes con las corrientes internacionales en boga. Aún así, hay que anotarlo, supieron asumir esas nuevas tecnologías impregnándolas de personalidad sui géneris. En la ENAP Recinos consolidaría conocimientos y valores específicos que ya venía explorando desde la infancia. Allí, también se interrelacionaría con los autores sugeridos al inicio del párrafo con quienes, aunque un poco mayores que él, terminaría trabajando en ambiciosos proyectos en el del Centro Cívico.

En 1957 se graduó de Ingeniero en la Universidad de San Carlos de Guatemala. Este nuevo conocimiento sumaría a su visión artística elementos que le convertirían, en un lapso relativamente corto, en único y específico. Era para aquellas fechas pintor, escultor e ingeniero. Punto de partida de un a serie de trabajos sui géneris entre los que se listan el Parque de la Industria, el mural del Crédito Hipotecario, la fachada de la Biblioteca Nacional, las integraciones del Aeropuerto Internacional La Aurora, el Centro Cultural Miguel Ángel Asturias y el frontón del Hotel Intercontinental, entre otra diversidad de propuestas.

Las pinturas que ilustran el presente documento son anteproyectos creados cerca de 1980. Tenían como fin ser las guías de un mural (no realizado) para el vestíbulo de la Corte Suprema de Justicia. Lamentablemente no todas están localizadas y por ello es imposible armar el rompecabezas. Los cuadros están extraviados, destruidos o, en el mejor de los casos, en colecciones particulares. Nada extraño ya que Recinos ha donado mucha obra para subastas y actividades de carácter benéfico. También ha facilitado a galerías de arte bocetos y dibujos para distinto tipo de eventos. Por lo mismo no sería difícil que aparecieran algunos trabajos dispersos a lo largo del tiempo luego de aparecer esta publicación. Su restauración se hizo necesaria ya que, por su naturaleza transitoria, fueron guardados sin las precauciones correspondientes. El tiempo y la mano del hombre hicieron el resto.

¿Restauración? Bueno, habrá que pensar más en un rescate de naturaleza no tradicional ya que el procedimiento recuperó los faltantes y daños en la obra original sin emplear métodos invasivos. Esto quiere decir que procedimiento fue digital y que una obra creada en un momento en que este tipo de tecnología no existía, pertenece ya al futuro por el alto nivel de resolución y fidelidad con que Juan Carlos Melero (Franja Fotográfica de España) realizó este acucioso trabajo. Labor que, dicho sea de paso, es la misma que Melero realizara con toda la obra que hay de este género en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Así la importancia de este trabajo. Los originales están en poder de la Fundación Monteforte Toledo que fue la institución que se dio a la tarea de volverles a dar vida y razón de ser. La otra serie que aparece en esta edición es de la década de los cincuenta y se llama improvisaciones.

¿Cuál es la esencia de esta obra y de toda la producción de Efraín Recinos? Un desbordado amor por Guatemala. Ese es el secreto del encanto y la emoción que traslucen los trabajos de este artista. El mural fue diseñado para ser ejecutado de forma mixta en relieve y mosaico. De hecho, las primeras seis formaletas para las fundiciones se llegaron a realizar en madera y hierro (eran en sí mismas obras acabadas). En esas alturas del proyecto, un espíritu pobre y con remordimientos consideró que no debían de hacerse y detuvo el trabajo. Para siempre. Los moldes desaparecieron. Su tema, Guatemala y la Justicia. Tal como señala la crítica Irma Lorenzana de Luján, estas creaciones están “más allá de la protesta”, no era su fin. No señalan nada que implique otra cosa más que el término les dio origen. Eso y nada más. Sin embargo el magistrado que dio la orden se sintió en peligro. Nada nuevo.

En lo formal, la obra posee un sabor completamente orgánico debido a que los componentes psicológicos del trabajo provienen del entorno inmediato, de la naturaleza. A ello se suma el elemento anecdótico característico que facilita la lectura de las imágenes que llevan al espectador por evocaciones cálidas y familiares de un estatus que les es propio y que va de la mano con su nacionalidad. Narrativo e ideológico su discurso no se distrae… más bien, se centra en las posibilidades pictóricas que el tema le brinda y que rebasa a partir del color y el manejo que sabe hacer de éste. Con el dibujo delimita, con el pigmento libera, se expande para crear dimensiones y planos terrenales paralelos. La mujer, siempre es musa sensual y poderosa. El papel que ésta juega dentro de toda su producción es el de portadora y protagonista máxima de sus propios pensamientos. Hay que recordar que la sociedad guatemalteca se construye desde un orden matriarcal.

Respetuoso de la esencia, irreverente con la injusticia, esta colección se centra en el deseo por hacer una patria mejor y justa para todos. Es, ya para finalizar, un trabajo que funge más como recordatorio que como amenaza.

“Aguafuertes & Aguatintas” junio 2009

2009-06-01T16:17:00.000-07:00

Descripción y objetivos
Aguafuerte y aguatinta. Dos carpetas de estampas sobre papel es lo que Erick Menchú exhibirá. Sus contenidos, debido a la naturaleza de la técnica, se pueden considerar como clásicos dentro del grabado. Al mismo tiempo este grabador aporta con el trabajo nueva iconografía a su propia producción y a la de la generación a la que pertenece.

El aguafuerte es un término aplicado a un método de grabado mediante el cual el dibujo se ataca en una plancha –generalmente de cobre- con ácido, así como a la estampa obtenida de este modo. La placa está revestida de un material ceroso resistente al ácido para que sólo afecte o “muerda” las partes hendidas y que el artista desea afectar. Las tonalidades dependerán del tiempo que se deje el ácido actuar. La aguatinta tiene un procedimiento similar sólo que los resultados producen granulados más finos. Lo básico consiste en esparcir, al calor, una o varias capas de barniz resistente al ácido sobre una plancha metálica. Cuando el barniz se introduce en un baño de ácido, este muerde el espacio existente entre las finas partículas de resina y genera una superficie uniformemente granulada. La variedad de tonos se logra mediante sucesivos baños de ácido y aplicaciones de barniz.

Sobre el artista y su obra
El nombre de este autor está asociado, sin lugar a dudas, a los movimientos artísticos nacionales de principios de siglo XXI. Como pintor, escultor, muralista y grabador, ha sabido insuflar un espíritu específico a lo visual y con ello, desarrollado una personalidad autónoma en que lo anecdótico ocupa un lugar especial. Universo que además ha sabido incluir espacios para la naturaleza y con ello unirse a la voz de alarma y a la conciencia ecológica en peligro por el entorno humano. Fusión de ideas que logra sin caer en lo panfletario.

Su dedicación al grupo La Torana – y toda la responsabilidad que eso conlleva -, el ser miembro fundador del Taller de Gráfica experimental –aunado a su vocación docente- y los proyectos de integraciones artísticas a edificios públicos o particulares, sumado a su participación en subastas, convocatorias en el extranjero y bienales, le han dejado poco tiempo para exponer individualmente. Es por ello que la exposición es esperada con mucho anhelo ya que es la cuarta que realiza en un lapso de casi diez años. En ella se pueden localizar los encuentros realizados en el campo del grabado y por ende, su propuesta más reciente.

Síntesis curricular
Erick Menchú (Guatemala en 1977)
Artista visual, miembro del grupo “La Torana”. Estudió arquitectura Universidad de San Carlos de Guatemala y grabado en la académica “La Esmeralda”, México DF. Miembro fundador del Taller Experimental de Gráfica, 2008. Exposiciones Individuales: “De lo terrenal a lo Sublime”, Museo de la Cervecería Centroamericana, 2002. “Los Señores Principales”, Alianza Francesa, 2003. “Diagrama”, galería El Attico, 2007. Exposiciones Colectivas: 16 Bienal de Arte Paiz, Guatemala 2008. 6ta Bienal Centroamericana, Honduras 2008. “Mirando al Sur”, Centro de Cooperación Española, Antigua Guatemala 2008. Primer Aniversario TEG, Centro Cultural Metropolitano, 2009. Reconocimientos: Segundo y Tercer lugar en el concurso de pintura organizado por Helvetas Guatemala, 2003 y 2004 respectivamente; Segundo Lugar en el concurso nacional de Arte en Concreto Antigua Guatemala, 2005; Tercer Lugar en el IV certamen del Joven Pintor de la Alianza Francesa de Guatemala, 2005; Mención Especial del Jurado en el Primer Salón del Grabado 2005. Seleccionado para participar en el IV Bienal Argentina de Gráfica Latinoamericana, 2006. Primer lugar colectivo con “La Torana”, 16 Bienal de Arte Paiz, 2008.

Legado de Zipacná, mayo 2009

2009-04-23T09:57:00.000-07:00

Exhibición del 05 al 19 de mayo 2009.

Descripción y objetivos
La muestra tiene como objetivo hacer eco al homenaje que el Instituto Guatemalteco Americano (IGA) hace a este renombrado artista, maestro y promotor cultural guatemalteco. La misma complementa la visión recreada en IGA y da la oportunidad de poner al alcance del público, algunas de sus últimas creaciones en diferentes técnicas, así como la exhibición de obras claves en la trayectoria del autor, como la serie de linóleos estampados en 1974, que pertenecen a la colección MONESCO de la Galería El Attico.

Sobre el artista y su obra
Acercarse a la figura de Zipacná de León es adentrarse en un personaje multifacético e incansable. Su obra se caracteriza por el constante encuentro de la síntesis de la figura y las formas. Dueño de una línea expresionista, De León dejaba correr los lápices, el pincel o el buril a discreción. Su obra exuda un amor a lo guatemalteco y una necesidad de universalidad de ideas. Su avidez como coleccionista contrasta con su prodigiosa energía creativa. De allí es que supo conjugar su carrera personal con la de sus contemporáneos y a la vez rendir tributo a sus antecesores y a los artistas emergentes. Su carrera incluyó la fundación de museos, escuelas de arte y la Bienal de Arte Paiz, entre muchas otras actividades que incluyeron comisarías en el extranjero.

Síntesis curricular
Zipacná de León (Guatemala, 1948 - 2002)
Pintor y ceramista guatemalteco, nació en la Ciudad de Guatemala el 25 de julio de 1948 y murió, en esa misma ciudad, el 21 de enero de 2002. Hijo del escultor Adalberto de León Soto y de la pintora Fantina Rodríguez Padilla, Zipacná nació en el seno de una familia de larga tradición artística, entre los que se cuentan su bisabuela, su abuelo (Rafael Rodríguez Padilla, su hermano Iván de León Rodríguez y su sobrino Jorge de León. Fue una figura muy importante e influyente en el ámbito cultural de ese país no sólo como pintor y ceramista, sino también como personalidad, investigador y mecenas.

Habiendo iniciado sus estudios primarios en París (Francia), concluyó sus estudios académicos en Guatemala. Aunque autodidacta en Pintura, también realizó estudios formales. Se especializó en grabado con Lola Cueto y Carlos Jurado en México (1968-1971), y con Carlos Colombino en la Universidad de Costa Rica (1978). Estudió Arte Moderno y Museografía en el Centro Georges Pompidou (París, Francia) en 1979.

Zipacná tuvo una destacada participación en as actividades de la Casa de la Estampa Max Vollemberg y del grupo Trinovación. Cofundador de varias instituciones culturales, resalta su labor como coordinador del Programa Permanente de Arte Paiz (1978-1989) y la puesta en marcha de las Escuelas Regionales de Arte (1989) (Ministerio de Cultura y Deporte de Guatemala) y así como del Museo de Bellas Artes de Occidente Adalberto de León Soto. Por otra parte, además fue catedrático de la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla (1977-1996). En septiembre del 2000, le fue conferido el título de Ciudadano Distinguido de la Ciudad de Quetzaltenango.

En su haber tiene más de cuarenta exposiciones personales y múltiples colectivas dentro y fuera de Guatemala. Entre sus publicaciones se cuentan estudios sobre plástica guatemalteca y presentaciones de artistas nacionales y extranjeros.

Incansable viajero, también investigó el arte y la cultura alrededor del mundo en múltiples viajes de estudios (Egipto, Taiwán, Grecia, Suiza, Costa Rica, etcétera), lo cual enriqueció continuamente su visión del arte y la función de éste en la sociedad moderna.

Falleció el 20 de enero de 2002 en la Ciudad de Guatemala. El artista Erwin Guillermo, amigo íntimo de Zipacná, fue designado heredero de su obra artística.

Rodrigo, abril 2009

2009-03-23T10:31:00.000-07:00

“Dos colecciones; Manuel en la luna de Madrid & Los pobres”, obra gráfica del artista español Rodrigo. Exhibición del 14 al 30 de abril 2009.

Descripción y objetivos
Las dos colecciones que se presentan para esta exhibición, son obra gráfica producida en los talleres de Franja Fotográfica en Madrid. Bajo la supervisión del autor y de Juan Carlos Melero. La primera de ellas está titulada Manuel en la luna de Madrid y consta de 14 imágenes, le segunda es la colección Los pobres que tiene seis piezas.

De “Manuel en la Luna de Madrid” podemos añadir que son imágenes en blanco y negro, tramadas y sin diálogos donde se nos narra la desgarradora y apasionada historia de amor entre el autor y Manuel. En estas el autor además de expresar todos sus sentimientos de manera magistral, juega a experimentar narrativamente y a reinventar el concepto de la historieta misma por medio de esta triste y agridulce historia de amor-desamor. Manuel es el nombre del personaje del que se enamora un alter ego muy muy parecido al propio Rodrigo. Juntos disfrutan de su compañía mutua en una fantasía de acercamiento y devoción, propias de un amor imposible, por las calles de Madrid.

En la colección “Los Pobres” el autor hace gala de un gran interés por experimentar con la página con la intención de crear una narración completamente nueva y original. La misma se nos presenta como una buena oportunidad de conocer la historieta de una época en la que la experimentación y lo original estaban a la orden del día.

Parafraseando un poco al autor y su experiencia en esta y otras colecciones podemos anotar “No se me pasó por la cabeza incluir a un personaje de ficción que interpretarse mi papel. No le di muchas vueltas, me pareció lo más natural dibujarme en ella, porque me pasó a mí. Esto hizo que del trabajo algo muy vivo, hasta el punto que poco tiene que ver el dibujo del comienzo con el del final. Si tuve algún hallazgo narrativo no fui consciente entonces, por la espontaneidad con la que iba surgiendo.”

Esta muestra también constituye la segunda que sirve para conmemorar el XXI aniversario de galería el Attico, la cual fue fundada en 1988.

Sobre el artista y su obra… por Juan Carlos Melero
Recién iniciada la democracia, después de cuarenta años de dictadura, en la España de comienzos de los ochenta todo aquel que tuviera algo que decir y encontrara un camino para expresarse, tenia asegurado, en el mejor de los casos el éxito, o la oportunidad de expresarse artística y libremente desde diferentes plataformas. Todo era nuevo y valía.
Sobre el papel, la revista La Luna de Madrid fue el claro ejemplo de un país que empezaba a mostrarse en bicolor con los vicios ocultos propios de nuestro carácter y picaresca. La publicación se creó para enseñar el carné de periodista y así poder asistir al fútbol, las fiestas, los conciertos y otros lugares de ocio sin pagar. Pero no todo era así.
En las páginas de nuestra revista se desnudó una auténtica historia de amor con un doble protagonista: Rodrigo. Como amante y artista en riguroso negro sobre blanco, mi amigo se presentaba cada mes ante nuestros lectores con una sinceridad y atrevimiento al que no estábamos acostumbrados.Desesperadamente lento con sus cuatro páginas mensuales, siempre fue el último en entregar sus originales. Esta peculiaridad del dibujante me dio la oportunidad una tarde de verle trabajar hasta la madrugada. Camino de la imprenta fui consciente de que había asistido al nacimiento de nuevas viñetas de una historia dibujada que tenia muchos seguidores. Alguno de esos originales, propiedad todos del IVAM de Valencia, los hemos reproducido para su numeración, firma y contemplación. Que sea en este espacio expositivo de mi querida Guatemala no es casual. Desde El Attico proclamo que ustedes han iniciado una época que me recuerda mucho a aquellos años y de la que sugiero que alguien con talento comunicador debería de ponerla un nombre. Nosotros bautizamos aquel momento que nos toco vivir de agitación cultural y política con la marca de “la movida madrileña”.

Síntesis curricular
Rodrigo Muñoz Ballester (Madrid, 1950)
Licenciado en Arquitectura, Universidad Complutense, 1968-1976
Licenciado en Bellas Artes, Universidad Complutense, 1970-1976
Comienza su actividad artística desde 1981.

Exhibiciones individuales
1983 “Instalación con Luz y Dibujos, Galería Moriarty Madrid
1984 “Manuel” Dibujos, Segunda feria del cómic, Madrid
1985 “Manuel” Escultura y dibujos, Galería Moriarty, Madrid
1986 “Proyecto Cáncer>” Arco’96, Stan Galería Moriarty, Madrid
1987 “Manuel” Escultura, Avenue B Gallery, Nueva York
1989 “Esculturas de luz” Galería Moriarty Madrid
1992 “Nuevas esculturas de luz” Galería Moriarty, Madrid
1997 “Rodrigo” Espacio Caja de Burgos
1998 “Rodrigo” Galería H2O, Barcelona
2005 “Manuel no está solo” Espacio Sins-Entido, Madrid
2005 “Dibujos desnudos” Galería Masha Prieto, Madrid

Exhibiciones colectivas
1983 Arco’83 Stand Galería Seiquer, Madrid
“La luna” Galería Seiquer, Madrid
“Las Ciudades” Galería Moriarty, Madrid
1984 “Erotismo” Galería Moriarty, Madrid
“El Cometa” Galería Ovidio, Madrid
1986 “Museo Municipal” Angluema
1987 Arco’87, Stand Galería Moriarty, Madrid
1989 Art L.A.’89 Galería Moriarty, Madrid, Los Angeles
Kunst Rai, Stand Galería Moriarty, Amsterdam
1990 Arco’90, Stand Galería Moriarty, Madrid
1991 Arco’91 Stand Galería Moriarty, Madrid
Arco’91 Stand Banesto, Madrid
Exposición Banesto, Salón de Tinell, Barcelona
1992 Exposición de 18 realistas “Tiera de Nadie”, Madrid, Burgos, Vitoria, Bilbao y Cádiz
1994 Arco´94, Stand Galería Moriarty, Madrid
1996 Arco’96, Stand Galería Moriarty, Madrid
1997 Arco´97, Stand Galería Moriarty, Madrid
Arquitectura de la Luz, Galería de Arte Colegio de Arquitectos de Málaga
1998 Arco´98, Stand Galería Moriarty, Madrid
“Propios y Extraños” Galería Marlborough, Madrid
2004 “Madrid aéreo, terrestre y marítimo” Museo Municipal de Arte Contemporáneo, Madrid
2005 “Cosas de Casados” Círculo de Bellas Artes, Madrid
2006 “Entornos” Centro e Arte Caja de Burgos, Burgos
2007 “Expansiones implosivas” Centro Cultural de la Villa, Madrid
“Gayperman se va de casa” Galería Mad is Mad, Madrid
“Chueca no existe” Galería Sins-Entido, Madrid

Intervenciones en Espacio Urbano
1999 Mural en la Estación del Metro “Aeropuerto de Barajas”
2002 Participación en la Estación de Metro, “Colombia”
Mural en la Estación del Metro “Nuevos Misterios”
2007 Mural en la Estación del Metro “Reyes Católicos”

Becas y Premios
1984 Primer Premio 2ª. Fase del Cómic de Madrid
1985 Premio Icono de Artes Plásticas, Diario 16, Madrid
1989 Beca de Creación Artística Banesto

Publicaciones
1983 “Génesis” Revista Hélice, Número 1, 2 y 3
1984-85 “Manuel” La luna de Madrid, Número 1-12
1985 “Tres historias” Revista Cairo, Número 18, 20 y 21
1986 “Suplemento Culturas” Diario 16 (Cuatro entregas)
1993 “Pobres” El Europeo, Número 44
1990-2000 Ilustraciones, El País
2005 “Manuel No está Solo” Libro, Ediciones Sins-Entido
Seis páginas sobre “Manuel” Revista Descubrir el Arte, Número 75
2006 “El Legado de Sáenz de Oiza”, Revista Descubrir el Arte, Número 91
2007 Ilustración para Calatraba, Revista Descubrir el Arte, Número 96, “Veinticinco Retratos de una Torre” Libro Abertis, Telecom

Ramón Banús, obra reciente

2009-02-10T16:34:00.000-08:00

Muestra del trabajo pictórico de este renombrado artista guatemalteco. Exhibición del 4 al 28 de marzo 2009. Inauguración miércoles 4 de 19 a 21 horas.

Descripción y objetivos
La muestra cuenta con una selección de obras que usan el papel como soporte y denominador común. Lápices de colores, tintas y otros materiales se fusionan en sus obras para dar vida a una serie de piezas características en la obra de Banús. Títulos como “Hay mamita”, “Prima Vera”, “La galana”, “El nenón” , “Quien tiene la razón” muestran escenas cotidianas que radiografían nuestra cultura y sociedad.

Además esta exhibición abre las actividades que conmemoran el XXI aniversario de la fundación de galería el Attico.

Sobre el artista y su obra
Se dice fácil, pero llegar a 47 años de vida artística profesional, tiempo transcurrido desde la primera exposición realizada por Ramón Banús en Guatemala, y mantenerse en primerísima línea entre los grandes maestros de la plástica guatemalteca, implica, además de genialidad y talento innatos, una disciplina de trabajo cotidiano que Ramón supera con creces. Gracias a ello, Banús es un artista en renovación constante, tanto en técnica como en estilos; pues si algo caracteriza la obra pictórica de Ramón Banús, es que siempre tiene la capacidad de sorprendernos, pues su obra es siempre fresca, nueva, diferente. Este genial artista, es capaz de pasar, con igual destreza creativa, del más puro retratismo y naturalismo renacentista, a la pintura contestataria y testimonial de la cotidianeidad de la calle citadina o al preciosismo, casi artesanal, de sus dibujos a tinta. No hay técnica ni estilo pictórico que se resista a la genialidad creadora de este artista, único en su género y verdadero orgullo del arte nacional, cuya máxima realización en la vida es hacer lo que más ama y gusta: pintar.
Eduardo Gómez

A través de los rostros, percibimos almas voraces, conflictivas, lúbricas. Hay maldad en muchos de ellos. También abundan las figuras acusadamente inteligentes y cultas. En sus pinturas se da cita la historia de la humanidad. Las tradiciones y mitos saltan fronteras y se vuelven universales.
Margarita Carrera

Cuando tengo comenzado un dibujo, a medio camino puedo variarlo; esta cara tiene ciertos rasgos a los que se les puede sacar más, pienso. Y los tocados… son plásticos, desde luego, hay que inventarlos. Pero es que el mundo de cada uno está en la cabeza, y eso es lo que simbolizan los tocados.
La pintura es un cúmulo de muchas cosas; inspiración, trabajo, técnica, color, luz, volumen, línea…en mi caso creo que lo más fundamental es la línea.
Simbología? En la mirada de las personas, en el gesto de su boca, en un movimiento de la mano. Esa es la simbología que uso a propósito. Todo el resto es accidente o inconciente.
Ramón Banús

Síntesis curricular (Narrativa de su carrera)
Ramón Banús (Guatemala, 1938)
En 1961 a la edad de 23 años, partí a Italia en un barco de carga y me mudé a vivir en Spoleto. En 1962, participé en varias exposiciones colectivas en Siena, Forlí, Florencia, Terni, y Roma, con jóvenes pintores de Umbría y Toscana, y una muetra personal en la Galería “The Old Brock” de Spoleto Italia.
En 1963 visité Guatemala, y presenté "oficialmente" mi primera exposición en Guatemala, en el salón de exposiciones de la antigua Escuela de Bellas Artes de la 8va. Avenida de la zona 1. En 1964 regresé a España, y después de una corta estadía en Madrid, me mudé a Barcelona. En el año 1965, visité con frecuencia, la casa del escritor e investigador Franco Cerutti, en Pollenza (Mallorca) y tuve oportunidad de asistir a encuentros literarios con Robert Graves, Camilo José Cela, José Donoso y poetas como Pablo Antonio Cuadra, Gerardo Diego, Alfredo Barrera también participé con algunas Obras en los festivales de arte de la localidad.
En 1967 presenté una exposición, en la “Sala Rovira” de Barcelona, luego me mudé a Roma, y trabajé como agente cinematográfico para Motion Pictures Consultants, gracias a esa circunstancia, tuve la oportunidad de ver a Federico Fellini dirigir su “Satiricón” y a Luchino Visconti “Los Malditos”. Luego participé con la Galería “Il Carpine” en exposiciones presentadas en Roma, Atenas, Cortina D’Ampezzo y Viena. , viajé a Viena para conocer personalmente a Ernst Fuchs con el que sostuve muchas conversaciones, me familiarice con los trabajos del Realismo Fantástico Vienés que sirvio de inspiración para las obras que realicé en esa epoca.
Visité Guatemala en 1970 y durante esta visita un incendio destruyó mi apartamento en Roma y mi última producción de pintura por lo cual me quedé en Guatemala y empecé de nuevo. 1971 lo viví en San Salvador en donde realicé una muestra personal en la Galería Dideco , de mi recordado amigo Ernesto Alvarez, al final de ese año volví a Guatemala y presneté una muesta personal en la galería Vittorio me instalé en la ciudad de Antigua Guatemala, también me involucré con producciones teatrales, especialmente con mi recordado amigo el dramaturgo Hugo Carrillo y en los primeros festivales de arte y cultura en la Antigua Guatemala.
En 1979 presenté una Colección titulada “Dibujos Alegres” en la galería La Cúpula del Patronato de Bellas Artes. En 1981 presenté en mi estudio una colección titulada “Profetas, Santos y Mirones”. En 1982 presenté en mi estudio una colección titulada “Los Trompudos”. En 1983 inauguré por primera vez la galería del Museo Popol Vuh con la colección “Los Soñadores”
En 1984 presenté una muestra en la galería Forum titulada: “Manso Erotismo” y visite Costa Rica con una embajada Cultural de Artistas que nos presentamos en la Sala Enrique Echandi. En 1985 regresé a exponer en San Salvador en la galería El Atico. En 1986 presenté en mi estudio la colección : “Gente de la calle”. En 1987 presenté mi cuaderno de apuntes de la calle titulado “Ala gran flauta” en la sala de exposiciones de La Alianza Francesa en Guatemala. También presente en mi estudio una colección titulada “Oleos Idaváricos”
En 1988 gracias al patrocinio del Embajador Antonio Pallarés, presenté una pequeña muestra personal en la Residencia de la Embajada de Guatemala en México. Ese año le fué obsequiada una pintura mía al Presidente electo de México en su primera visita a Guatemala por el Presidente de Guatemala de ese entonces. En 1989 presenté una muestra retrospectiva en el Instituto Guatemalteco de Turismo, INGUAT, donde presenté obras de colecciones privadas.
En 1990 fuí invitado a representar a Guatemala en la muestra colectiva LatinArtCa ‘90 en Montreal, Canadá. En 1991 La Facultad de Humanidades de la Universidad de San Carlos de Guatemala, me distinguió con el titulo de Emeritissimum. El teatro del IGA presentó el Vídeo-Art “Banús Un Sueño, La Realidad , La Noche”, de Alfonso Albacete. Fui “Artista Invitado” del festival de Castell-Arte en CastellAlto, Téramo, Italia en 1992.
En 1995 fuí invitado a participar en el proyecto “3Angular”, organizado en Suecia. Este proyecto cubrió 3 países y 9 artistas para presentar cada uno, tres instalaciones simultáneas realizadas en tres diferentes partes del mundo, Guatemala, México y Estocolmo. La fundación Prince Pierre De Mónaco me invitó a participar en el XXIX Prix International D’Art Contemporain De Monte-Carlo. Más tarde en ese mismo año presenté una exposición personal en la Maison de L’Amerique Latine en Mónaco, y de vuelta en Guatemala la Asociación Dante Alighieri me nombró Artista del Año 1995.
En 1996 The International Visitors Program me invitó a participar en una gira por los Estados Unidos en donde visité a personalidades de mi interés incluyendo a Allen Ginsberg en New York, a Lawrence Ferlinghetti en San Francisco CA.
En 1998 presente la colección: “El Cristal Con Que Se Mira”, en la Casa de las Américas, de la Habana Cuba , ese mismo año inauguré con una exposición personal la sala de Exposiciones del Instituto Guatemalteco de Cultura Hispánica.
En 1999 presenté mi libro "Mesa Puesta" que recopila una buena cantidad de apuntes realizados a lo largo de mi carrera, acompañado de una exhibición e Instalación monumental que abarcó los cuatro pisos del Instituto Guatemalteco Americano, IGA, Ese mismo año fui distinguido por el Su Majestad el Rey Juan Carlos I de España, con la condecoración de Oficial de la Orden Isabel la Católica.
En el año 2000, presenté en la galería de la Universidad Rafael Landívar, una re-instalación del libro Mesa Puesta. Además he impartido clases de Libre Creatividad (Ad Honorem) en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. En el 2001, presenté dos muestras personales; la primera en el proyecto cultural: "El Sitio", de la Antigua Guatemala, y la segunda en la Galería Plástica Contemporánea. En el 2003 fui nombrado ciudadano distinguido por el Consejo Municipal de Guatemala. En el 2004, participé en dos muestras colectivas: Guaterica en Costa Rica y Guatemala y Homenaje a Neruda en el IGA también presenté una muestra personal de pintura abstracta en los Salones Margarita Aycinena de Neutze, de la Aseguradora General, S.A.
En el 2005, fuí invitado para representar a Guatemala en la exposición del LX aniversario de la ONU “A Time for Renewal” en Ginebra, Suiza, en el 2006 presenté una muestra personal en el vestíbulo del Gran Teatro Nacional, participé en la muestra colectiva “20 años después” en homenaje al poeta Manuel José Arce; también en el vestíbulo del gran teatro nacional y en noviembre presenté una muestra personal, en los Salones Margarita Aycinena de Neutze, de la Aseguradora General, S.A.

estamPas, grabados de cinco artistas

2009-01-20T15:58:00.000-08:00

“estamPas” muestra con grabados de los artistas: Mariadolores Castellanos, Regina de Batres, Mónica Torrebiarte, Francesca Pizzo, Guillermo Maldonado y Josué Romero. Exhibición del 4 al 28 de febrero 2009.

Descripción y objetivos
La particularidad principal del arte gráfico es la multiplicidad que es, de hecho, la idea que movió a los primeros artistas para llegar a más receptores. Confiriéndole así un carácter democrático a las piezas artísticas. Por esta iniciativa y a través del tiempo, los creadores han experimentado con diferentes materiales para fabricar las matrices que servirán de soporte para reproducir sus imágenes. Desde la madera y la piedra, pasando por los metales y materiales sintéticos, que tiene un tiempo de vida útil limitado, hasta llegar a los soportes digitales, que son la cumbre en el desarrollo y búsqueda de la herramienta ideal que permitiera una mayor cantidad de reproducciones. Ya que con es último medio podemos obtener copias infinitas conservando la calidad de la imagen.

Esta pequeña muestra con trabajos recientes de seis importantes autores en el medio guatemalteco., busca reunir un pequeño grupo de obras creadas dentro de las técnicas primarias del estampado. Xilografías, linóleos y puntas secas, todas las piezas emergen bajo la estricta y cuidadosa supervisión de sus artífices, algunas impresiones incluso realizadas de manera artesanal, lo cual les confiere un carácter intimista que suma en valores y esencia del grabado, como un aporte más a la revalorización que se ha dado a la gráfica en los últimos años.

Sobre los artistas y su obra
Todos los participantes son artistas completos con resultados meritorios en diversidad de medios como la escultura, pintura, fotografía y gráfica. Mariadolores es una de las máximas exponentes del arte guatemalteco. Su producción, introspectiva e intimista, ha sido expuesta en diferentes países, habiendo obtenido múltiples reconocimientos por su obra. Uno de ellos fue el Primer lugar internacional de escultura Toyamura, Japón año 2003. Pertenecientes a la generación del noventa Guillermo Maldonado y Mónica Torrebiarte son dos autores cuya búsqueda en el grabado es reconocida en el medio y los ha hecho merecedores de un lugar muy especial, sus composiciones tan particulares se aúnan al colorido personalista que marca todo su trabajo. Francesca Pizzo, italiana de nacimiento, reside en Guatemala desde hace más de quince años y se dio a conocer en el decenio que cerró el siglo pasado, principalmente en la ciudad de Antigua Guatemala, su predilección por el grabado xilográfico, los temas de género y naturalistas la hacen brillar de modo especial en el medio. El caso de Regina de Batres devela una artista multimedia que ha trabajado en la mayoría de soportes conocidos, con resultados tan disímiles como los medios escogidos. En ella priva su búsqueda por la calidad, el encuentro de las últimas consecuencias y respeto por lo formal. Josué Romero, el más joven de los participantes ha alcanzado notoriedad en el medio gracias a su vertiginoso pero sólido ascenso. Su trabajo gráfico se suma a una serie de aciertos en la pintura, escultura, lo objetual y hasta el mural. En resumen, la colección, ya reunida, pone de relieve fortalezas individuales y la huella que artistas que se mueven en diferentes escenarios, dejan para entender la naturaleza de la expresión del grabado en la actualidad…

Síntesis curricular
Mariadolores Castellanos (Boston, EUA. 1957)
Nació en Boston, Estados Unidos, pero reside en Guatemala desde que tenía dos años de edad. Su primera exposición fue en la galería El Túnel, en 1989. En 1994, obtuvo el Glifo de Oro en escultura en la IX Bienal de Arte Paiz. Segundo lugar en el certamen Cerámica escultórica, 15 de septiembre. Con su obra Rooted (Enraizada) ganó el primer lugar en la VI Bienal Internacional de Escultura de Toyamura, Japón, 2003. En el 2007 participa en la edición para ese año de la Bienal de Venecia.

Regina de Batres (Guatemala, 1943)
Se graduó de Bachiller en Ciencias y Letras en el Colegio Monte María (1960), luego realizó estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (1980-1985) y en el taller de Dagoberto Vásquez (1986-1999). En el 2008 cumple con todos los requisitos para la Licenciatura de Estudios Superiores de Arte en la Universidad de San Carlos Guatemala.

Múltiples talleres de trabajo con artistas nacionales y extranjeros:
ALBERTO RODRIGUEZ -Grabado-(GUATEMALA) 2008
ANACLETO CAMEY –Grabado- (GUATEMALA)
ESTHER VILLALOBOS – Grabado-(ESPAÑA)
MOISES BARRRIOS –Grabado-(GUATEMALA) 2007
CLAUDIA CIRICI – Cerámica-(GUATEMALA)
MAX LEIVA –Escultura-(GUATEMALA)
DENNIS LEDER –Escultura- (ESTADOS UNIDOS) 2006
MARIA VICTORIA VELIZ –Arte Contemporáneo- (CUBA) 2005
BETZABE ROMERO –Arte Conceptual- (MEXICO)
MANENE BALAGUER –Arte Conceptual- (ESPAÑA) 2003
DANIEL SCHAFER – Arte-(GUATEMALA) 2001
IBRAHIM MIRANDA –Grabado- (CUBA) 1998
LUIS GONZALEZ PALMA –Arte Conceptual-(GUATEMALA) 1996

EXPOSICIONES INDIVIDUALES
2008 MUSEO DE ARTE MODERNO CARLOS MERIDA (GRABADO)
2004 MUSEO DE UNIVERSIDAD DE SAN CARLOS
DE GUATEMALA (RETROSPECTIVA)
2002 GALERIA EL ATTICO(BOCETOS)
2000 UNIVERSIDAD RAFAEL LANDIVAR (ESCULTURA)
1998 GALERIA EL ATTICO (GRABADO)
1991 MUSEO DE ARTE MODERNO (PINTURA)
1089 MUSEO IXCHEL DEL TRAJE INDIGENA (PINTURA)
1987 MUSEO IXCHEL DEL TRAJE INDIGENA (PINTURA)
1964 INSTITUTO GUATEMALTECO AMERICANO ( PINTURA)

DISTINCIONES
1965 MENCION HONORIFICA, Certamen Centroamericano 15 Septiembre
1980 1er. Premio y 2 MENCIONES HONORIFICAS, II Exhibición Nacional de Pintura en Porcelana
1989 MENCIÓN HONORIFICA, Certamen Arturo Martínez
2000 PREMIO ÚNICO ESCULTURA, Arte Subasta-Rotarios

Mónica Torrebiarte ()
Su obra, especialmente sus grabados y pinturas, ha sido expuesta en galerías y forma parte de colecciones importantes. Mónica Torrebiarte recibió el Premio de Bronce de la Fundación Rozas Botrán en 2003, el Premio Único Arte Subasta el mismo año y la Mención Honorífica del Concurso Nacional de Escultura en 2002. Sobre su trabajo la crítica señala que expresa su fuerza al hendir la madera con vaciados firmes y rítmicos, sin perder de vista la veta de la matriz que se transfiere al papel o a la tela.

Francesca Pizzo ()

Guillermo Maldonado (Guatemala, 1961)
Realizó sus estudios en la Escuela de Arte de la Universidad de San Carlos de Guatemala y estudió diseño textil en Costa Rica. Ha realizado siete exposiciones colectivas, dos personales en la Facultad de Humanidades de la Universidad de San Carlos y en El Sereno en 1991. Como grabador ha trabajado en el campo de la xilografía. Ganador del glifo de oro en la categoría de Libre Participación en la XV Bienal de Arte Paiz.

Josué Romero (Guatemala, 1974)
Pintor autodidacta. Estudia Arquitectura en la Universidad de San Carlos de Guatemala y realiza un taller-seminario de ilustración de libros infanto-juveniles, auspiciado por la Embajada de Brasil en Guatemala.
Ha participado en los principales eventos de artes plásticas realizados en el país: Juannio, Bienal de Arte Paiz y Artesubasta del Club Rotario Guatemala Sur, entre otros. Tiene realizadas tres exhibiciones personales en la ciudad de Antigua Guatemala: en El Convento de Capuchinas y el paseo de los museos del Hotel Casa Santo Domingo.
Su trabajo ha sido premiado en los certámenes de Joven Pintor 2001 (Segundo lugar) organizado por la Alianza Francesa, y el primer lugar del concurso Helvetas de Guatemala en el 2004.

Arte Actual, El Salvador, octubre 2008

2008-10-22T10:16:00.000-07:00

“Arte actual, El Salvador” muestra de arte salvadoreño actual, con la participación de los autores: Carmen Elena Trigueros, José Rodríguez, Ronald Morán, Luis Cornejo y Danny Zavaleta. Exhibición del 15 de octubre al 8 de noviembre 2008.

Descripción y objetivos
El arte Salvadoreño ha tenido una presencia permanente en el circuito de validación para el arte, en el medio guatemalteco, desde hace ya varios años. Pero no solo es la mera presencia, además se han hecho acreedores de múltiples premios y reconocimientos, es decir, sus propuestas están bien posicionadas entre los entendidos del arte y el publico en general. Tomando como anécdota este hecho, surge la exhibición “Arte actual El Salvador” donde se presenta el trabajo reciente de cinco creadores representantes del arte contemporáneo salvadoreño. Carmen Elena Trigueros, Ronald Morán, José Rodríguez, Danny Zabaleta y Luis Cornejo, son artífices con prestigio y trayectoria a nivel internacional, gracias a la innegable calidad de sus propuestas, que van de lo formal a lo conceptual, sin descuidar en ningún momento los procesos creativos y la factura de la obra.

Sobre los artistas y su obra
Carmen Elena Trigueros es una artista surgida en la década de los noventa y que en su formación fue pupila del célebre autor salvadoreño Carlos Cañas. De esencia pictórica y llena de una fuerte carga conceptual, la obra de Trigueros es una constante búsqueda del punto de encuentro entre el individuo, sus relaciones interpersonales y el papel que juega en las sociedades modernas. Son merecedoras de mención sus intervenciones en el Centro Cultural de España en el Salvador y Guatemala.

Con la exhibición titulada “Sobre la materia”, realizada en galería el Attico, Ronald Morán irrumpe en el medio de las artes visuales guatemaltecas. Compuesta por lienzos donde el agua era el tema principal de su discurso, crea composiciones, valiéndose de la figura de los peces para representar este elemento líquido, para luego elaborar todo un discurso coherente y poético sobre la esencia y principio de la vida. Más adelante da el salto al mundo global del arte con sus instalaciones y objetos forrados con materiales de texturas cercanas al algodón, confiriéndoles un carácter suavizado. Con títulos como “Hogar dulce hogar” y “Habitación infantil”, reafirmaba su idea y hace totalmente inteligibles sus conceptos.

De los cinco autores incluidos los menos conocido en nuestro medio, además de ser los más jóvenes, son Luis Cornejo y Danny Zavaleta, pero no por esto menos importantes. Con su participación, en algunos certámenes nacionales, hemos visualizado la obra de Cornejo por sus singulares personajes híbridos. Retratos de hombres y mujeres revestidos con elementos característicos de los cómics y caricaturas. Guantes blancos de cuatro dedos y grandes orejas de ratón, son algunas de las evocadoras iconografías de las cuales se vale el autor para remitirnos a los personajes de Disney, señalando el punto de alienación de nuestras débiles culturas. Toda su obra tiene un tratamiento clásico, en lo referente a la técnica y factura, pero utilizando soluciones plásticas contemporáneas para crear un nuevo lenguaje

Síntesis curricular
Carmen Elena Trigueros (El Salvador, 1963)
Realizo sus estudios durante siete años con Víctor Manuel Rodríguez Preza y un año con el maestro Carlos Cañas.
Exposiciones Colectivas: 2003: Centro Cultural de España de El Salvador y Guatemala. 2002: Liceo Francesa Selección Promérica para la III Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano. 2000: Muestra Romero de Imaginaria y Plástica, Sala Nacional de Exposiciones. 1987: Miniaturas en Galería El Attico, Guatemala.
Reconocimientos: 1989: Mención Especial en el 4to Certamen de Pintura Joven Salvadoreña, “Palmarés Diplomat”. 1986: 4to Lugar en el Certamen de Pintura Joven Salvadoreña “palmarés Diplomat”.

José Rodríguez (El Salvador, 1971) http://www.artistajoserodriguez.com/
Ha expuesto en Centroamérica, Norteamérica, Europa y Asia. Su obra pertenece a colecciones privadas en España, Puerto Rico, Colombia, México, Miami Florida, Nueva York, Michigan, Chicago, Texas, Honduras, Guatemala, Costa Rica, El Salvador, Nicaragua, Canadá, Italia, el Museo de Fine Arts de Taipei, el Museo de Arte y Diseño de Costa Rica.

Ronald Morán (El Salvador, 1972) http://clic.org.sv/rmoran/
Estudios:1991-1994 Estudios avanzados de Artes Aplicadas (Diseño Gráfico) Universidad Dr. José Matías Delgado, San Salvador, El Salvador.1988-1990 Graduado del Centro Nacional de Artes. (CENAR). Especialidad de Artes Plásticas. San Salvador, El Salvador.
Distinciones:2002 Clasificado para participar en la III Bienal Centroamericana de Pintura, Managua, Nicaragua.2001 Beca otorgada por la Comunidad de Madrid para participar en el Taller Exposición Iberoamericana. Madrid, España2000 Beca otorgada por el gobierno de México. Oaxaca, México.1998 Primer lugar, en el Certamen Nacional de Pintura Joven (Palmarés Diplomat), San Salvador, El Salvador.1994 Talento Joven del año: distinción otorgada por Galería 91 y CONCULTURA. (Consejo Nacional para la Cultura y las Artes). San Salvador, El Salvador Exposiciones:Ha expuesto individualmente 10 veces en los países:, El Salvador, Guatemala, Costa Rica, México.Ha participado en mas de 40 exposiciones colectivas desde 1990.

Luis Cornejo (El Salvador, 1979) http://luis-cornejo.blogspot.com/
Estudia actualmente licenciatura en artes en la Universidad Nacional de El Salvador. Hasta la fecha ha participado en varias exposiciones colectivas e individuales entre las que se destacan: Fragmentaciones, Cinco Jóvenes Talentos, Harte, Antropomorfia, One Use Only y Versiones autorizadas entre otras en El Salvador, Centro América y Canadá. Su obra ha sido reconocida con el Primer Lugar en el Certamen Nacional de Pintura 2001 y con una mención honorífica en el mismo certamen en 2003. El artista vive y trabaja en El Salvador y es miembro del Colectivo HETERO.

Danny Zavaleta (El Salvador, 1981)
Formación Académica
Egresado de la Licenciatura en Artes Plásticas con la especialidad en Diseño Gráfico, Escuela de artes (Universidad de El Salvador)
Beca en el taller del escultor Miguel Martino (Argentina)
Taller de Crítica, Centro Cultural de España (María Iovino/Colombia-Patricia Belly/Nicaragua)
Exposiciones
Aquí y ahora-Trascultura, Centro Cultural de España/2007 (Curaduría: Alanna Heinz/PS1 MOMA, Alanna Lockward, Rebeca Dávila)
I.V.A. Museo de arte y diseño contemporáneo MADC, San José/Costa Rica (Curaduría: Eduardo Chang) 2007
V Bienal de artes visuales del Istmo centroamericano, Museo de arte de El Salvador MARTE/2006
Estrecho Dudoso, San José/Costa Rica 2006 (Curaduría: Virginia Pérez Ratón (C.R.) + Tamara Díaz (Cuba-Costa Rica) 2006)
Museo de arte de El Salvador MARTE, Subasta de Arte Latinoamericano/2006
II Muestra de arte Emergente, Museo de arte y diseño contemporáneo MADC, San José/Costa Rica. 2005
Intervenciones
Estrecho Dudoso (Tráficos) San José/Costa Rica, 2006
“Jaina” Centro Cultural de España en El Salvador, 2007
“Se Busca” Museo de arte de El Salvador MARTE, 2007 (Curaduría: Mariangela Capuzo/EEUU, Rosina Cazalli/Guatemala)
Reconocimientos
Seleccionado en el programa “Intervenciones07” Museo de Arte de El Salvador.
Mención Honorifica, VIII Premio de Arte Joven/ Centro Cultural de España en El Salvador, 2007.
Mención Honorifica en la V Bienal de artes visuales del Istmo Centroamericano, Museo de arte de El Salvador MARTE, 2006.
Tercer Lugar en Subasta SUMARTE, Museo de arte de El Salvador MARTE, 2006.
Seleccionado para la Segunda Muestra de Arte Emergente, Museo Arte Contemporáneo de Costa Rica, MADC/2006.
Seleccionado para Estrecho Dudoso, San José/Costa Rica, 2006.
Seleccionado a representar a El Salvador en la V Bienal del Istmo centroamericano, Sala Nacional de Exposiciones, San Salvador 2006.
Mención Honorifica, Tercera Bienal de Arte Paiz en El Salvador, 2005.
Primer Lugar, VI Premio de Arte Joven/ Centro Cultural de España en El Salvador, 2005.

Hotel Pasabien, FOTO30

2008-08-25T09:20:00.000-07:00

Fotografías de Alberto Rodríguez Collía. Exhibición del 4 al 28 de septiembre 2008.

Descripción y objetivos
Registro fotográfico de pequeños hoteles y cines ubicados en el Centro Histórico de la ciudad de Guatemala. Los primeros albergan a viajeros, del interior de la república o de los países centroamericanos, en sus migraciones a la metrópoli guatemalteca. Ambos comparten la característica que son utilizados como lugares para tener sexo.

Al hablar sobre su trabajo el artista expresa que la represión provoca marginación. En un lugar conservador y tan poco propicio para los cambios, los tabúes surgen progresivamente. El sexo es un viejo y gran tabú para toda sociedad que tenga como base la religión católica, el cual, también es un ejemplo perfecto de la doble moral. Al documentar espacios donde se tiene sexo se trata de revelar ese algo "oculto", para tratar de crear un diálogo saludable que exorcice cualquier tipo de represión y dar evidencia de lo nociva que es la marginación.

Sobre el artista y su obra
Rodríguez Collía es uno de los más importantes representantes de la nueva generación de creadores visuales en Guatemala. La sólida formación en dibujo, grabado, fotografía y gráfica digital, le permite navegar conceptual y temáticamente por cualquiera de estas herramientas, mismas que se vuelven meros pretextos para expresar sus ideas y cuestionamientos.

Su trayectoria expositiva es reciente y probablemente escasa, pero la calidad de su propuesta lo ha hecho compartir escenarios con los principales creadores de las artes visuales guatemaltecas del siglo XXI. Ha participado en actividades organizadas por el Centro Cultural de España, bajo la curaduría de Rosina Cazali; En el X Festival del Centro Histórico dentro de la exhibición auspiciada por Víctor Martínez y galería Sol del Río; XVI Bienal de Arte Paíz y la exhibición “Lecturas Horizontales” en el Centro Cultural Metropolitano, organizada por Lucrecia de Prera.

También ha comenzado a labrar un camino como maestro formador de nuevos artistas, por medio de talleres impartidos en diferentes espacios como la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) y principalmente en el Taller Experimental de Gráfica (TEG) ubicado en el Centro Cultural Metropolitano. Taller del cual es co-fundador junto a los miembros del colectivo la Torana (Marlov Barrios, Erick Menchú, Plinio Villagrán, Norman Morales) y el joven valor Mario Santizo.

Síntesis curricular
Alberto Rodríguez Collía (Guatemala, 1985)
A finales de 1999 recibe cursos de dibujo con Ricardo Urquizú, los cuales fueron determinantes para solidificar su vocación de dibujante. Realiza estudios en la Universidad de San Carlos de Guatemala, en Licenciatura en Arte, los cuales abandona poco tiempo después. En España estudia en la Escuela de Arte No. 10 de Madrid, de donde se gradúa de Técnico Superior en Grabado y Estampación en 2007. En ese país trabaja en Franja Fotográfica S.L. con los artistas Luis Gordillo, Ester Villalobos, Eva Lootz, Anhelo Hernández y para la Calcografía Nacional del Real Museo de Bellas Artes de San Fernando. Co-fundador del Taller Experimental de Gráfica, en el 2007, junto a Marlov Barrios, Plinio Villagrán, Erick Menchú, Norman Morales y Mario Santizo. Exhibiciones en el Centro Cultural de España, la XVI Bienal de Arte Paiz, Museo de la Ciudad y Casa de la Moneda de Madrid, en el Museo de Arte Latinoamericano de Long Beach, California y en la Casa de las América, La Habana, Cuba.

Texto Crítico de Rosina Cazali sobre la colección

HOTEL PASABIEN Vivimos una época donde –se supone- la alteración de los modelos tradicionales ya puede considerarse como un ejercicio elemental. En el marco de la modernidad, la informática lo ha solucionado todo, los medios masivos también. Lo pornográfico es, en esa vertiente de la obsesión por mostrarlo todo, un territorio desfasado e incluso insulso, y la mirada del pecado subsiste únicamente como dato arqueológico. El empeño por revelar todo es aún más pornográfico que la pornografía. La pornografía es el medio y no el fin en sí mismo. Con el avance de la civilización y la muerte de la inocencia, sin embargo, aún perdura el aura de lo prohibido y la vigencia de reconocer los límites entre lo permitido y lo prohibido. Según Bataille, esto responde a que en la esfera humana, la actividad erótica se separa de la simplicidad animal. Además, es una producción de la humanidad, que implica una serie de actividades organizadas en relación a los tiempos. Principalmente en la prédica de la moral y de sus formas fundamentalistas. Parafraseando a Rosa Olivares, si se ha razonado tanto sobre el erotismo y sus espacios de construcción, ¿cuál puede ser la razón por la cual, en pleno siglo 21, en medio de una sociedad que ha visto guerras y matanzas de todo tipo, que tiene regularizado en sus horarios la pornografía como si fuera el té de las cuatro, que sabe que la injusticia es uno de sus propios pilares, se siga censurando, prohibiendo, secuestrando y destruyendo algo tan aparentemente poco peligroso como la obra de un artista que toca el erotismo, el sexo? Es difícil responder a algo que nos parece ajeno y lejano. Principalmente porque vivimos aquí, en una sociedad donde aún cobra sentido el verse provocados moralmente por imágenes que se han quedado congeladas en el mercado del sexo libre y las malas conciencias. Aún nos es difícil accesar a ciertos territorios estigmatizados como pecaminosos. Guatemala no tiene a Almodóvar ni a Bukowski. Sí un Enrique Noriega que sedujo la poesía con los centauros copulantes. Pero ni Almodóvar, ni Bukowski o Noriega han sido capaces de insertar en la cotidianidad de los guatemaltecos algún tipo de franca fascinación por los espacios eróticos, despojada de cualquier tabú. Todo ello tiene su principio en el no reconocimiento de la cultura del cuerpo. Los guatemaltecos difícilmente reconocemos plenamente el derecho al placer corporal. Este proyecto de Alberto Rodríguez toma en cuenta todo este enredo de reconocimiento de límites y preconcepciones. Su discusión se basa en la documentación de sitios en donde la gente tiene sexo. Son hoteles de tercera o quinta categoría, doblemente marginados por los escasos recursos y la estigmatización natural que le aplica la sociedad. Son moteles, prostíbulos y cines porno. La mayoría cumplen el estándar de abandono y descuido necesario para repeler a cualquier ser humano. Pero ahí conviven seres humanos, quienes han construido una estética de motel, de la 17 calle, de la 18, de la 4ta. Son de una decadencia espeluznante, con nombres glamorosos como París, Copán, Bienvenidos, Arcoiris o Pasabien. Por todo lo dicho, resulta difícil abordar este territorio porque el cuerpo está constantemente presente aunque raras veces resulta visible como tal. Esa ausencia es la que, al final de cuentas, incomoda. También porque es un proyecto que toma en cuenta sitios repelidos, estigmatizados como prohibidos a pesar de que siempre han estado ahí. Precisamente, más que una incitación o un aplauso a esa marginalidad, Hotel Pasabien es un proyecto que intenta descubrir el tejido de esas estructuras que definen la actividad erótica o su ausencia. Y cómo, de manera incomprensible, tendemos a separarlas de la vida.

Sussentirismo, julio 2008

2008-07-12T11:21:00.000-07:00

“Sussentirismo” pintura reciente del artista Werner Vásquez. Exhibición del 17 al 31 de julio 2008.

Descripción y objetivos
Exhibición del trabajo pictórico más reciente del artista quezalteco Werner Vásquez. La palabra que da nombre a esta muestra surge del imaginario del artista, en su búsqueda por aportar algo nuevo a la pintura como materia propiamente dicha. Los lienzos del conjunto, fueron realizados en su totalidad en el estudio del autor, ubicado en la ciudad de Quetzaltenango. Nacen como fruto de múltiples charlas, discusiones y diálogos con diferentes personalidades de las artes. Los mismos pretenden resolver los cuestionamientos sobre las vetas que ha tomado el arte actual en Guatemala.

Compuesta por dos obras de gran formato (1.50 x 3.00 metros) y otras de inferiores dimensiones, la pinacoteca no llega a completar la docena de piezas. Pero posee una coherencia e impacto visual que garantiza una propuesta de calidad.

Saliendo de las tonalidades habituales en su obra, que usualmente tienden a los colores cálidos, rojos, amarillos, naranjas hasta llegar a los violetas. Reestructura su pintura, de esencia abstracta y construye a partir de veladuras y capas de pigmento su universo cromático de infinitas interpretaciones y posibilidades. Complementada con grafismos y dripping , hay mucha intuición en su propuesta, decidiéndose por turquesas y verdes profundos, dramatizados por focos de luz que dan equilibrio a la composición.

Sobre el artista y su obra
Este autor puede situarse generacionalmente dentro del grupo de artistas surgidos a mediados de los años noventa. Su propuesta se diferencia entre las de sus contemporáneos, aunque es innegable la influencia de artífices como Carlo Marco Castillo y su pintura abstracta. Aun así su obra posee una autenticidad sin paralelo en las artes visuales de la región del occidente guatemalteco.

Lo lúdico juega un papel importante en sus procesos creativos. No hay falsas pretensiones de intelectualismo en sus productos, lo intuitivo es la característica que potencia la idea.

Su carrera suma ya quince años de trayectoria, durante los cuales ha participado en los más importantes certámenes y espacios para la promoción del arte en Guatemala. También ha tenido oportunidad de llevar sus pinturas a Europa y Estados Unidos de America.

Síntesis curricular
Werner Vásquez
Nació en la ciudad de Quetzaltenango el 17 de Marzo de 1971. Estudio en la Escuela Humberto Garavito de Quetzaltenango y en la escuela de Casa de la Cultura de Quetzaltenango. En 1986 se incluyen sus trabajos en una exposición colectiva, desde entonces hasta la fecha ha participado en múltiples exhibiciones y certámenes a nivel nacional además de muestras personales en galería el Attico, Galería el Túnel y Loft 5. También cuenta con participaciones en muestras colectivas en Estados Unidos de América y Noruega.

KOSTA BODA, julio 2008

2008-06-29T09:00:00.000-07:00

Descripción y objetivos
Muestra co-patrocinada por Casa – Casa y el Attico galería de arte, y compuesta por piezas en vidrio de Bertil Vallien, Goran Warff, Kjell Engman, Olle Brozen todos de origen sueco y muy representativos dentro de la firma Kosta Boda que ha llegado a ser una de las compañías fabricantes de piezas de vidrio más importantes en el mundo. La misma cuenta con tres fábricas en las villas de Kosta, Boda y Åfors. Cada una tienen sus excitantes historias individuales, sin embargo están juntas bajo la marca común de Kosta Boda. En la actualidad, diez diseñadores trabajan exclusivamente para Kosta Boda. Ellos trabajan con vidrio tanto utilitario como artístico. Las piezas resultan de muchas grandes juntas entre artistas, artesanos y amantes del vidrio. Los artistas de Kosta Boda juegan un papel decisivo en todas las etapas creativas del proceso. La cooperación entre los diseñadores y los hábiles artesanos es muy grande; de hecho, es esencial para que los diseñadores transfieran sus ideas al vidrio.

Sobre Kosta Boda y sus artistas
Kosta, la compañía que originó a Kosta Boda, y la más antigua en Suecia que todavía está en operación, tiene una fascinante historia que forma gran parte del acervo cultural de la cultura sueca. La vidriera fué fundada en 1742 por los gobernadores de los condados de Kronoberg y Kalmar, Anders Koskull and Georg Bogislaus Stael von Holstein, ambos ex-generales de la armada de Karl XII y distinguidos veteranos de la Batalla de Narva, entre otras. Los gobernadores de los dos condados fundaron la vidriera por instrucciones de Fredrik I. La fábrica fué situada en los bosques de abetos de Småland, a medio camino entre las dos aldeas, y cerca de una villa conocida como Dåfvedshult. La razón principal para haber escogido este sitio fué la disponibilidad ilimitada de madera. Enormes cantidades de madera eran naturalmente requeridas para mantener prendidos los hornos de fabricación de la vidriera, día y noche.

Ambos fundadores quisieron que sus nombres fueran recordados, por lo que la fábrica fué bautizada como Kosta, de las iniciales de los apellidos de los dos generales Carolingios, Ko-Sta. Con el tiempo toda la comunidad fué renombrada igual que la vidriera. Durante los primeros 150 años, la fábrica en Kosta, sólo produjo vidrio utilitario de uso práctico, incluyendo los cristales para el edificio del Palacio Real de Tessin, botellas y cristal para el menaje real y para candiles de las iglesias. Los primeros sopladores del vidrio fueron maestros vidrieros inmigrantes de Bohemia (Böhmen). Ellos llegaron a ser los padres fundadores de las familias de sopladores del vidrio, que pasaron sus habilidades artesanales de generación en generación. La arena sueca fue utilizada para fabricar cristal, pero en la actualidad se importa de Bélgica arena pura de sílice, porque la arena sueca contiene óxido de fierro que le da un tinte verdoso al vidrio.

Síntesis curricular

Bertil Vallien
Nacido en Estocolmo en 1938. Trabaja en Kosta Boda desde 1963.
http://casacasaregalos.com/main.php?id_area=248

Göran Wärff
Nace en 1933 en la Isla de Gotland, Suecia. Trabaja para Kosta Boda desde 1964.
http://casacasaregalos.com/main.php?id_area=250

Kjell Engman
Nacido en 1946 en Estocolmo, Suecia. Trabaja para Kosta Boda desde 1978.
http://casacasaregalos.com/main.php?id_area=249

Olle Brozén
Nació en 1963 en Sala, Suecia. Trabaja para Kosta Boda desde 2000.
http://casacasaregalos.com/main.php?id_area=251

Mitades, junio 2008

2008-05-26T09:42:00.000-07:00

Muestra del trabajo pictórico, más reciente de la artista guatemalteca Rosamaría Pascual de Gámez. Exhibición del 4 al 28 de junio 2008.

Descripción y objetivos
La muestra comprende una veintena de trabajos, realizados todos en la técnica de óleo sobre lienzo. Son la más reciente colección de esta artista, a quien se le suele asociar con las pinturas de bodegón. Pero está vez extrae elementos de sus anteriores creaciones, específicamente frutas, sacándolas de su contexto, las ilumina, las hace respirar dentro de una nueva atmósfera y las fusiona en fondos de colores símiles. Haciéndoles perder el volumen y perspectiva, son obras impregnadas de color, donde redimensiona sus intereses temáticos y trae estos elementos al primer plano, respetando la pintura y el lienzo como tal. Como objetos plásticos en sí mismos.

Sobre el artista y su obra
De una sólida formación académica que incluye estudios con los maestros Francisco Poggio, Luis Penedo, Carlos de León Campos y estudios de vitral, repujado en plata e iconografía y retablos en Barcelona España, esta autora se inició en el mundo del arte pintando retratos, lo cual le había apasionado desde su infancia. A partir de 1980 y durante dos años, exploró las posibilidades que esta materia le ofrecía. Después de algunos centenares de piezas, muda sus intereses y se vuelca por completo al bodegón pintado al óleo, disciplina en la que se ha desenvuelto y con la cual ha cosechado múltiples satisfacciones, a lo largo de su prolifera carrera de casi treinta años.

Siempre se negó a utilizar fotografías o motivos impresos para realizar sus pinturas. Se involucra por completo en el proceso de creación de sus obras. Seleccionando los elementos, disponiéndolos en el plano e iluminando según sus intereses. Acuciosa observadora, se da a la tarea de seguir el proceso de maduración de las frutas, para tener la conciencia de lo que ocurre en ese micro mundo, en apariencia inerte.

A lo largo de estos años también ha incursionado en al pintura mural. Se le ha encomendado la tarea de realizar obras monumentales, con carácter religioso, para iglesias en distintos entornos del país. En estos acercamientos a las comunidades e iconografías religiosas, se vio envuelta en dos mundos diferentes, los cuales logró descifrar y fusionar en las obras realizadas. Se nota en los resultados la profunda pasión que le inspira la cultura maya y la naturaleza.

Síntesis curricular
Rosamaría Pascual de Gámez (Guatemala, 1938)
Realizó estudios de pintura en Guatemala con Francisco Poggio, Josefina de Polantinos, Luis Penedo y Carlos de León Campos. En España completa su formación con cursos de vitrales y pintura en grisalla en el Centro del Vidrio, Iconos y retablos & Repujado de plata y estaño en la Academia Durbán, Pintura Libre en la Academia Leonardo Da Vinci, todo en la ciudad de Barcelona.

Ha realizado veintiocho exhibiciones personales en Guatemala y el extranjero, además de participar en numerosas colectivas de los más importantes espacios y eventos del medio de las artes visuales guatemaltecas.

Ha realizado diecisiete pinturas murales de carácter religioso, mismas que ha donado, a diferentes iglesias de Guatemala, entre los cuales se puede mencionar “Nuestra Señora del Rosario” en la Basílica del Rosario, Iglesia de Santo Domingo, ciudad de Guatemala; “Vida, muerte y resurrección de un pueblo” Obispado de Santa Cruz del Quiché, Guatemala.

Códigos, mayo 2008

2008-04-30T09:00:00.000-07:00

Obra reciente de la artista guatemalteca Lourdes de la Riva. Exhibición del 7 al 31 de mayo 2008.

Descripción y objetivos
La presente es una muestra de los intereses temáticos y conceptuales que en la actualidad constituyen la preocupación y eje central en el desarrollo de la obra de Lourdes de la Riva. La misma reúne una serie de fotografías, foto montajes, documentación de obras en proceso y una instalación in situ, en una de las habitaciones de la galería, donde según palabras de la autora “incursiona en la naturaleza como si se tratara de un libro abierto, donde se inscriben relatos personales sobre su aprecio a la naturaleza, a aspectos que son imprescindibles en estos tiempos donde la brevedad de la vida pareciera no tener importancia”

En resumen es una serie de obras que se acercan a distintas formas de la naturaleza para explicar, desde ángulos metafóricos o simbióticos, su preocupación por los distintos vínculos que tejemos los seres humanos para relacionarnos con natura y entre nosotros mismos. De ahí su nombre. Códigos implica un acercamiento a las teorías de la genética y de cómo cada especie de organismos vivos guarda y transmite esta información de una generación a otra, transfiriendo instrucciones para el desarrollo y el funcionamiento de todos los organismos vivos conocidos. De ahí que la artista ha confeccionado una serie de imágenes que, como objetos preciosos, ostentan la importancia de preservar esta información además de subrayar su fragilidad y zonas de peligro hacia los cuales el ser humano los va empujando

Sobre el artista y su obra
Esta autora comienza su camino en las artes visuales, gracias a sus cursos de pintura con el maestro Juan de Dios González a inicios de la década de los noventa. Pero si hay una influencia que ayudo a fortalecer las formas de pensamiento de Lourdes, esta fue su relación, primero como alumna y luego como colega con Daniel Schafer. Las clases de dibujo, diseño, su apoyo y accesoria en la realización de proyectos con este maestro fueron determinantes y marcaron la carrera y obra de De La Riva.

Su obra se mueve en casi todos los medios posibles, lo que la constituye en una artista multimedia. No condicionando su obra a técnicas específicas, sino más bien, dejando que sea la idea la que determine cual será el medio idóneo para representarla. Es así que en su producción encontramos, pinturas, dibujos, grabados, fotografías, objetos, fotomontajes -digitales o análogos-, instalaciones, video, etc.

Síntesis curricular
Lourdes de la Riva (Guatemala, 1955) http://lourdesdelariva.com
Maestra de Educación primaria, pintora, escultora, grabadora e instaladora. Realizó estudios de apreciación artística, dibujo y diseño con el maestro Daniel Schafer, pintura con Juan de Dios Gonzáles, Luis Penedo y Erwin Guillermo, curso de grabado con el Maestro cubano Ibahim Miranda, modelación escultórica con David Halfon, escultura, moldes y fundición con Byron Ramírez.

Cuenta en su haber con 3 exposiciones individuales, una de ellas itinerante, 2000-2002. Desde 1993 ha participado en numerosas exhibiciones colectivas y eventos en Costa Rica, El Salvador, Estados Unidos de América, Guatemala y Panamá. En el 2001 realizó una exhibición personal en el edificio La Fragua, en la Ciudad de Guatemala. En 1998 fue elegida para representar a Guatemala en el evento internacional de escultura organizado por la UNESCO en París, Francia. Su obra ha sido publicada en “The Sculpture Referente”, de Arthur Williams, Estados Unidos de América..

Obtuvo el primer lugar de Instalación en la XII Bienal de Arte Paiz, 2000. Mención honorífica en la XIII Bienal Paiz, 2002. Glifo de Oro, Premio Único en la categoría de arte alternativo en la XIV Bienal de Arte Paiz, 2004. Glifo de Plata en la categoría de fotografía de la XIV Bienal de Arte Paiz. Es autora de la escultura que se localiza en los jardines que colindan con el Museo Ixchel del Traje indígena y Museo Popol Vuh en el campus de la Universidad Francisco Marroquín.

XX aniversario el Attico, abril 2008

2008-04-08T16:23:00.000-07:00

Obra íntima Roberto González Goyri, pertenecientes a colecciones privadas. Exhibición del 15 al 30 de abril de 2008.

Descripción y objetivos
La muestra incluye veinticuatro obras en formatos pequeños y que son un reflejo de la iconografía y temática, utilizado por Roberto González Goyri en toda su producción. La pinacoteca seleccionada, pertenece a distintas colecciones privadas, que prestaron su patrimonio para ilustrar y homenajear al maestro, recientemente fallecido. Son todas obras bidimensionales, entre tintas, acuarelas, lápices y acrílicos. Sirve esta muestra, también, para conmemorar el XX Aniversario de El Attico, galería de arte y centro de documentación.

Sobre el Attico y su 20 años
En ocasión del aniversario y con la muestra HOMENAJE A ROBERTO GONZÁLEZ GOYRI (1924 -2007), Luis Escobar y Guillermo Monsanto expresan:

Cuando nos embarcamos en la nave del arte, oficialmente el 13 de abril de 1988, tuvimos la certeza que la travesía iba a ser larga y determinante en nuestras vidas. A pesar de ello, se podría decir que el tiempo no lo hemos sentido. Los años vuelan y lo que nos han dejado es una certeza clara de que una institución la hacen las personas y no las cosas que la integran. He acá el motivo de presente homenaje. Don Roberto, al igual que otras personas queridas como Dagoberto Vásquez, Anamaría de Maldonado, Danny Schafer o Zipacná de León, entre otro numeroso grupo de artistas que les sobrevive, nos acompañó solidariamente por la senda.

Roberto González Goyri fue una persona íntegra que, más allá del plano profesional, nos abrió las puertas de su hogar. Como artista le hizo honor a las formas. En él la estética, dibujo y color fueron básicos. Además de insuflar un sentimiento especial de lo guatemalteco en la gran mayoría de su obra, siempre se aplicó en el hallazgo de expresiones que ya matizadas adquirían carácter universal.

Esta pinacoteca íntima que hoy exhibimos al público proviene de varias colecciones particulares y por supuesto, no está a la venta. La idea es recordar a este querido maestro y amigo. Al mismo tiempo queremos compartir con nuestros visitantes, de todos los tiempos, aspectos de su creación pictórica a través de sus bosquejos y trabajos de dimensiones pequeñas ¿Qué mejor forma de celebrar estas dos primeras décadas?

Otros textos Alusivos

El Attico. Por José Manuel Mayorga

Recuerdo la noche del 13 de abril de 1988 cuando los amigos Luís y Guillermo concretaron su plan de inaugurar un espacio destinado al arte en una casa en la 11 calle de la zona 10. Se trató de una exposición colectiva que logró el apoyo de un grupo de artistas de la plástica, en la muestra exhibieron obra Dagoberto Vásquez, Manolo Gallardo, AnaMaría de Maldonado, Luis Álvarez y Elmar Rojas, entre otros… Los artistas y la comunidad dieron la bienvenida al nuevo espacio expositivo, uno de los pocos que sobreviven desde entonces a la fecha. Los otros lugares se cuentan con los dedos de una mano.

Muchas personas, entre quienes puede contarse a Daniel Schafer, Josefina Alonso de Rodríguez, Zipacná de León, Rae Leeth, Roberto González Goyri, Daniel Hernández-Salazar, Maria Cristina Orive, el grupo La Torana y Mario Santizo han coadyuvado a que Galería El Attico se constituya como un lugar destinado al arte visual, reducto de obras de artistas conocidos y no tan conocidos. Por iniciativa propia, en el intento por suplir deficiencias y llenar los grandes vacíos que hay en el arte y la cultura de Guatemala, el Attico, además, se ha conformado como centro de documentación y referente para cualquiera que desee conocer o investigar sobre las bellas artes.

El espacio expositivo ha albergado un sin número de exhibiciones, ha cambiado de ubicación varias veces hasta llegar al lugar que actualmente ocupa, en donde las raíces se profundizan… Lo visto en la galería ha sido el trabajo de creadores nacionales y extranjeros. Las propuestas múltiples, de lo conservador a lo que puede provocar censura, del arte moderno a lo contemporáneo en las artes visuales. Para estar acorde con los tiempos, las exhibiciones consecuencia de curadurías que “traducen” aquellos lenguajes no siempre reconocibles, parafraseando a Emiliano Valdés. En suma se trata de un espacio abierto para la libre expresión que se caracteriza por apoyar irrestrictamente la producción artística.

De manera simultánea a la labor interna, la actividad de El Attico se ha proyectado fuera de las instalaciones de la galería, traducida en colaboraciones con entidades como Fundación G&T Continental, Fundación Paiz, Instituto Guatemalteco Americano, Casa Santo Domingo, el Centro Cultural Metropolitano y Rayuela. El resultado, eventos relacionados con las bellas artes y la cultura a nivel nacional e internacional, como es de todos conocido.

Dentro de los aportes significativos al medio debe citarse su poderosa influencia en el coleccionismo de arte, lo que conlleva una responsabilidad social hacia la comunidad de artistas. La labor del Attico ha contribuido a la revalorización del legado de algunos creadores que ha pasado desapercibido o que no se ha apreciado en su justa dimensión. El siglo XXI ha traído consigo que, en otras latitudes, cada vez se visibilicen más las colecciones de arte públicas y privadas. En Guatemala la exhibición de la Colección Gody en el marco de XV Bienal de Arte Paiz (2006) ha sentado un precedente difícil de igualar. El Attico consciente de la importancia del coleccionismo de expresiones que den sentido a lo que somos, en gran parte de los casos, ha sido responsable de manejar y colocar piezas que conforman la historia del arte de Guatemala. Gracias a su asesoría, las obras están en manos de personas deseosas de cuidarlas, mimarlas y apreciarlas, para luego legarlas a las generaciones futuras.

De 1988 al 2008 ha transcurrido tiempo suficiente para asumir la responsabilidad que una institución con la trayectoria de El Attico tiene para con el medio al que se debe. Nos consta que de manera espontánea con recursos propios y su equipo de colaboradores Raymundo, Juan Carlos y Eduardo, ha contribuido y realizado con éxito múltiples iniciativas (asesorias, curadurías, exhibiciones, montajes y un largo etcétera.)
Lo anterior, sin embargo, no es suficiente para las grandes necesidades que en Guatemala hay y que en un mediano plazo no se van a satisfacer por parte de nadie que no este ya trabajando en el tema. Por ello es indispensable que con el entusiasmo y la energía característicos del equipo, realicen un mayor esfuerzo a efecto centrar sus iniciativas en las fortalezas que ya tienen. Se hace necesario aprovechar al máximo las posibilidades que tiene el espacio de la actual sede. Es deseable que se ponga a la disposición de la comunidad de investigadores y estudiosos, de manera profesional y sistematizada, los archivos del centro de documentación. Así, esperaríamos que en un plazo corto, se puedan realizar consultas en línea a esos fondos documentales, con la tecnología de punta que se maneja en estos tiempos y que en particular gusta a los coleccionistas, sin restricciones de horario, de espacio o de otro tipo.

Para suplir las necesidades que abundan en el ámbito del arte y la cultura, deben multiplicar las alianzas que ya han hecho. Trabar efectivos contactos con instituciones educativas públicas y privadas para que los artistas y los miembros del equipo de colaboradores cercanos puedan profesionalizarse aun más, participando localmente y en el extranjero en talleres, programas y actividades en museos e instituciones de reconocido prestigio. Ello, sin lugar a dudas, servirá de retroalimentación para la labor que aquí realizan y al mismo tiempo hará escuela, contribuyendo así en la formación de los nuevos profesionales a quienes muy probablemente les tocara el relevo en un futuro mediato. Cabe destacar que la labor educativa de El Attico en la formación a la comunidad de artistas es un aporte más al medio y menos evidente a simple vista.

Exhorto a Luís y a Guillermo a que sigan disfrutando de la tarea que han venido realizando. Principalmente a que, en arrebatos de entusiasmo, establezcan acciones a corto y mediano plazo a efecto que ese amor por el arte que los ha motivado, se proyecte con la intensidad debida para trascender, en beneficio de propios y extraños.

Ojala que dentro de otros 20 años podamos comentar de nuevo y si no somos nosotros, que comenten otros, sobre la base de logros concretos y permanentes, en este nuestro medio de la constante incertidumbre.

¡Larga vida a El Attico, galería de arte y centro de documentación y proyectos especiales!

Attico. Por Jorge Castañeda Cofiño

Habitar en un país como Guatemala, convulso, de gran vitalidad y sobre todo de mucha riqueza cultural, donde sus artistas y artesanos, talentosos creadores que van dejando huella, irrefutables testimonios de la sensibilidad e intelecto. Herencia de una fusión de culturas en donde converge lo místico con la naturaleza, el colorido y la sobriedad, ser testigo de ello mueve las entrañas en lo mas profundo y motiva a ser parte en la construcción de esta actualidad que marca la nacionalidad guatemalteca, era en la que nos tocó vivir, tarea nada fácil que implica mucha responsabilidad y esfuerzo, ingredientes que afloran cuando se pone el corazón en lo que se hace.

Esto y una amistad sincera, son los vínculos que nos unen con Galería El Attico, llegar a 20 años de trabajo constante da una cosecha de aportes valiosos, resultados nada sencillos mas sí un orgullo por lo alcanzado, a ustedes Guillermo y Luis mi saludo.

“Trozos de los Alpes”

2008-03-27T10:16:00.000-07:00

esculturas recientes del artista guatemalteco radicado en Francia, David Halfon. Exhibición del 25 de marzo al 12 de abril de 2008.

Horario: lunes a viernes de 9 a 13 & 15 a 19 horas / sábados de 9 a 13 horas.

Descripción y objetivos
Después de que partiera a Francia, hace un año y medio, David Halfon regresa a Guatemala para mostrar su más reciente trabajo escultórico. La exhibición está compuesta por quince esculturas en distintos tipos de piedras, mismas que tallara en su taller establecido en la ciudad de Hautecour en la región de Savoie. Toda la colección comprende obras que van de los medianos a pequeños formatos, lo cual le confiere un carácter intimista. Otra particularidad a resaltar es la variedad de tonalidades y texturas naturales de cada una de los bloques de mármol y granito. De estas se aprovecha el autor para resaltar distintos valores, siempre de manera intuitiva y espontánea, esta última característica es primordial en toda su producción.

Nómina de esculturas:

1. Horizonte (políptico), talla directa mármol blanco
2. Entre montañas (tríptico horizontal) talla directa mármol azul
3. Luz de primavera, talla directa mármol azul
4. Vuelo de noche, talla directa mármol negro
5. Murmullo de una mariposa, talla directa mármol negro
6. Cinco nativos regresan, talla directa granito rosado
7. Girasol negro, talla directa mármol negro
8. La caída, (tríptico vertical) talla directa mármol azul
9. El viento viene, talla directa mármol azul
10. La frontera rosada, talla directa granito rosado
11. Los senderos, talla directa mármol vino tinto, de la región Bordeaux
12. Lágrimas del lago, talla directa mármol verde
13. El jardín de los nativos, talla directa granito verde
14. La canche, talla directa mármol color tierra
15. Blanche, talla directa mármol color tierra
16. Regreso a mis raíces, talla directa en mármol de Savoie

Sobre el artista y su obra
La obra de este creador caza dentro de los cánones históricos de la escultura guatemalteca. Si bien se expresa a partir de la esencia del escultor, tallando o devastando la materia para crear formas, en su producción visual se notan nuevos valores agregados y refleja su interés por expresarse, con sencillez y síntesis, alejado ya de la figura humana como referente, sobresalen las formas orgánicas que toman un lugar preponderante en su producción, siempre confiando en el proceso.

Otro elemento que se ha insertado en su imaginario es el horizonte, del cual ha realizado algunas variaciones, siempre fragmentando y abstrayendo la idea hasta sus límites. Estas piezas retoman el carácter de tallas totémicas existentes en las culturas más antiguas, las mismas intervienen el espacio tridimensional el cual resuelve de de manera formal.

También hay que destacar los sorprendentes resultados que ha obtenido ensamblando retazos de piedra, principalmente mármol, inspirados las formas de los agaves, con los cuales crea columnas infinitas de movimiento axial que se elevan al cielo y perpetúan el sentimiento de vértigo e ingravidez. O se extiende horizontalmente formando roscas puntiagudas que al mismo tiempo atraen y repelen al espectador.

En Guatemala Halfon estableció su taller en San Lucas Sacatépequez, rodeado de un entorno natural que nutría su imaginario. En este lugar comenzó a impartir talleres de escultura (talla y modelado) compartiendo con diferentes autores, entre ellos Renato Osoy, Verónica Ridel y Olga Arriola de Geng. Su estudio gozaba ya de una reputación cuando decide viajar a Francia. La transición no fue fácil, montar un nuevo taller en un ambiente totalmente supuso un esfuerzo grande. Aquí tiene la oportunidad de trabajar con diferentes tipos de piedras, que igualmente varían en colores y texturas, lo que significo un nuevo reto que diversifico su producción, dejando lo monocromático y explorando, ahora, distintas gamas de colores.

Síntesis curricular
David Halfon (Guatemala, 1972) http://www.davidhalfon.com/
Escultor. En 1995 obtuvo un B.A en Advertising de la Universidad de Georgia. Fundó y fue profesor de Centro Cultural Casa Azul, en Guatemala, 1997. En 1998 participó en un taller creativo con Luis González Palma. Fue aprendiz, durante doce meses, en la Fundición de Bronce, San Diego Art Casting Institute y realizó una escultura permanente para el museo Ixchel del Traje Indígena en 1999. En el 2000 ganó el primer lugar en el concurso de escultura “Arte en concreto” en Guatemala. Realizó esculturas permanentes en: galería “Sea Side” de Texas, en el parque Tennenlohe, Alemania y un relieve en la estación de metro Am Plaerrer en Nürenber, Alemania. Ha participado en muchas importantes exposiciones colectivas en nuestro país e individualmente a expuesto en Centro Cultural Camille, Galería El Attico, Centro Iberoamericano de Formación (CIF) Antigua Compañía de Jesús, Museo Nacional de Arte Moderno “Carlos Mérida” , Cantón exposición de la Fundación G&T Continental y La galería Carlos Woods, arte contemporáneo. En el 2006 parte a Francia para establecer su estudio en la ciudad de Hautecour. Desde esa fecha reside y trabaja en esa localidad.

“Neo Gráficas y un documental”

2008-03-27T09:43:00.000-07:00

obra de la artista nicaragüense, Alicia Zamora. Exhibición del 14 de febrero al 13 de marzo de 2008.

Descripción y objetivos
Neo Gráficas y un documental es el nombre de la muestra que Alicia Zamora presentó en Nicaragua como su tercera muestra personal y que ahora comparte con Guatemala en El Attico. La exposición resume la propuesta gráfica de los últimos tres años, seleccionando trabajos representativos que han participado en eventos como: la Bienal Ortiz Gurdián de Nicaragua, la Bienal del Istmo Centroamericano, San Salvador 2006; Estrecho Dudoso, organizado por la Fundación TEOR/éTica, y Pijibaye Pal Vigorón, realizado por el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC) ambos en San José, Costa Rica. Además nos comparte un video documental del Proyecto Participativo de Arte Público Murales de Octubre, evento internacional que se desarrollo en Managua en 2005 y cuya formulación, organización y gestión estuvo a cargo de la artista.

Integran la muestra “En Busca del Emblema Regional” y “Referencias Cartográficas” obras que formaron parte de la V Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano realizada en El Salvador, 2006 y luego en la actividad del BID en Guatemala, 2007; “Proyecto Memoria” pieza incluida en el evento Pijibaye Pal Vigorón en el MADC, Costa Rica; otra que participó en Estrecho Dudoso, “Confusión o Mural Patriotico”, completan la muestra las piezas “Guerrillero” y “Moscón”. En total son seis obras de gran formato, y un video documental que resume el evento centroamericano Murales de Octubre.

Sobre la artista y su obra
Esta joven creadora de veintinueve años tiene como medio predilecto de expresión a la xilografía, la cual ha redimensionado y llevado a situar en un lugar preponderante de las artes visuales de Centro América. Aunque es la gráfica el campo donde ha cultivado sus más significativos logros, no es ajena a otras materias recurrentes en la contemporaneidad. También ha realizado trabajos en pintura acrílica y en video, principalmente.

De formación básicamente autodidacta, Alicia realizó estudios en el taller de gráfica de la Casa de los Tres Mundos, en Granada y Sociología en la Universidad Centroamericana de Nicaragua. Estos últimos influyeron dramáticamente en la temática de su producción artística, que contiene una fuerte carga de cuestionamientos sociales y políticos.

Síntesis curricular
María Alicia Zamora Noguera (Jinotega, Nicaragua, 1978)

Estudios
2001. Talleres de critica y autocrítica: Teor /éTica, Costa Rica, 5 y 6 de septiembre 2001, estos talleres estuvieron a cargo de la artista Patricia Belli.
2000. Curso de grabado "Encuentro Huellas" Tegucigalpa - Honduras. Del 20 al 25 de Julio. Lugar: CEDAC. Impartido por las artistas gráficas costarricenses: Sila Shanto, Marcia Salas y Rebeca Alpízar.
1999. Licenciatura en Sociología en la Universidad Centro Americana (UCA)
1997. Curso de Técnicas gráficas impartido por los maestros grabadores Jesús Núñez y Soledad Barbadillo, Casa de los Tres Mundos, Granada, Nicaragua, 1997.

Exposiciones Personales
2000. Circografias - muestra de 25 xilografías con sus matrices en madera y linóleo e impresiones sobre vidrio, papel, hojas de árbol etc. - Artefactoría 27 de septiembre.
Charla "Reflexiones sobre la gráfica de la Nicaragua de los 90’s", brindada en la galería de arte contemporáneo "Códice". Sábado 30 de septiembre.

Exposiciones Colectivas
2002. Bienal de Sao Pablo 18 al 25 marzo 2002; asistente de montaje de la representación nicaragüense.
Exposición en Homenaje a San Sebastián, casa de la cultura de Diriamba, sábado 19 de enero 2002, organiza Teresa Codina, participan: Aparicio Arthola, Raúl Quintanilla, Teresa Codina, Denis Núñez, Alicia Zamora, Patricia Belli, Juan Juárez etc.
2001. La organización de Estados Americanos (O.E.A.) realizó una exposición con 32 artistas nacionales como parte de las actividades realizadas en apoyo a los DESMINADOS. Se realizó en el Salón Azul del Palacio Nacional de la Cultura el día 19 de septiembre.
Tercera Bienal de Artes Visuales ORTIZ GURDIAN, del 31 de julio al 31 de agosto, en el Salón de los Cristales, Teatro Rubén Darío.
Exposición de libros intervenidos con artes plásticas: Encuentro de poesía con poetas y traductores de Latinoamérica, Europa y El Caribe. La Habana - Cuba, La Azotea.
Primera Exposición Colectiva de 24 Mujeres Nicaragüenses, organizada por Luis Morales Alonso y el instituto humanista para la cooperación con los países en desarrollo (HIVOS - Holanda).
Exposición en homenaje al 106 aniversario del nacimiento de Sandino, organizada por el grupo Artefacto.
Primer certamen de pintura joven, organizado por el centro BANIC.
Exposición colectiva de artes plásticas organizada por el grupo artefacto y Lucero Millán. Nombre de la exposición "ST" Sin Título y más...
2000. Galería Añil, muestra colectiva diciembre 2000: "Obras Intimas". Presentación del libro de Juan Sobalvarro ¿Para qué tanto cuento? (presentación a cargo de Sergio Ramírez Mercado).
Casa Museo Alfonso Cortés (León, Nicaragua), muestra de arte en homenaje a Alfonso Cortés, organizada por el grupo ArteFacto.
Honduras, Tegucigalpa, Encuentro Centroamericano y del Caribe de Artistas: Museo del Hombre Hondureño.
Artefactoría, Homenaje al poeta Carlos Martínez Rivas, en su segundo aniversario. Exposición inaugural galería Añil, muestra selecta.
VI Festival de Teatro: Sala de Teatro Justo Rufino Garay.
Homenaje a Carlos Mejía Godoy.
1999. "Versiones" (obras plásticas para ciegos). Artefacto, Managua, Nicaragua.
Reinauguración Sala de Teatro Justo Rufino Garay. Managua, Nicaragua.
Tercer Encuentro Integracionista de la Plástica Centroamericana y del Caribe. Embajada de México, San Salvador, El Salvador.
Exposición en conmemoración al aniversario de Sandino: Sandinosauria II, en homenaje al poeta Octavio Robledo, organizada en la artefactoría, mayo 1999.
1998. "DescubriMIENTOS" Homenaje en el centenario de Federico García Lorca, Vic, Barcelona, España. Junio 1998.
" La Lotería ": exposición de una Carpeta de Grabados, en relación al juego de la chalupa. , Chicago, EUA, (y en Casa de los Tres Mundos Granada)
IV Festival de Monólogo y Diálogo, Sala de Teatro Justo Rufino Garay, Managua, Nicaragua
1997. Primer Encuentro Bienal Iberoamericano de grabado en pequeños formatos. Nouveau Centro de Arte, Santo Domingo, República Dominicana.
Primer Certamen Nacional de Grabado, Casa de los Tres Mundos, Granada, Nicaragua.
V Certamen de Pintura joven. Unión Nacional de Artistas Plásticos Leonel Vanegas (UNAP) y Radio Universidad, Managua.
Prisas Profanas, Albricias para Rubén Rubí y Augusto Calderón, Artefacto, Managua, Nicaragua.
1996. Homenaje a Sandino (Matando Hormigas), ArteFacto, Managua, Nicaragua.
Darío para quién?, ArteFacto, Managua, Nicaragua.

Algunas publicaciones
1997. Diario La Tribuna (25 agosto 1997, sección galería)
1999. La Prensa Literaria , sabado 13 de febrero 1999: La Prensa Literaria sábado 30 septiembre
2000. El Nuevo Diario, Nuevo Amanecer Cultural, Sábado 30 de septiembre

Reconocimientos
1997: Segundo Lugar en el Primer Certamen Nacional de Grabado, Casa de los Tres Mundos, Granada Nicaragua.

"Dibujos" Enero 2008

2008-03-13T17:43:00.000-07:00

obra reciente de la artista guatemalteca, Magda Eunice Sánchez. Exhibición del 21 de enero al 9 de febrero de 2008.

Descripción y objetivos
Exhibición compuesta por una decena de dibujos en carboncillo y sanguina, sobre papel. En las piezas aborda principalmente la figura femenina desde distintos enfoques intimistas. Asimismo explora lo zoomorfo a partir de temas equinos, entre otros. Ambas temáticas han sido exploradas de modo asiduo, desde la perspectiva subjetiva de la memoria y coherentemente desde el punto de vista estético a lo largo de su carrera. En pocas palabras, son parte de la iconografía personal de la autora.

La presente colección comprende el trabajo más reciente de ésta multifacética artífice y demuestra la vigencia que mantiene su obra dentro del ámbito de las Artes Visuales Guatemaltecas.

Sobre la artista y su obra
Esta creadora pertenece a una generación que se conoce como la del sesenta. A diferencia de la mayoría de los artistas que desarrollan sus estilos y temáticas alrededor de referentes políticos, ella se independiza de las mismas para buscar su yo esencial y expresarlo con sutileza pero con gran soltura. Poseedora de una mano volátil, pero enérgica, los trazos en su producción de las últimas décadas llegan a lucir como grafismos vivos que insuflan vida a espaciosos espacios níveos.

Su obra plagada de poesía, tiene como protagonista la figura en distintas facetas y principalmente la figura femenina; Bailarinas, damas, cabezas de mujer con cabellera exóticas, todas de una estilización y armonía sin par. También encontramos diferentes personajes relacionados con la vida bohemia, cantantes, músicos, etc. No escapan de sus referentes los animales, principalmente gatos y caballos, muy característicos en su producción.

Técnicamente abarca la mayoría de las disciplinas. Siendo el dibujo y la pintura al óleo y acrílico lo más difundido. Pero también con grandes logros en la talla directa en mármol, fundición en bronce y resina, esto en la rama de escultura. Hay también registros de trabajos suyos en grabado xilográfico.

Síntesis curricular
Magda Eunice Sánchez (Guatemala, 1946)Arquitecta, pintora, ilustradora y escultora. Realizó sus estudios de arquitectura en la Universidad de San Carlos de Guatemala. Autodidacta en pintura y dibujo y formación como escultora en los estudios de Rae Leeth y Mará Elena de Lamport, donde compartió conocimientos con José Antonio Fernández y Leopoldo Barrientos. Es una de las más importantes y reconocidas artistas del país. Su calidad artística ha trascendido más allá de nuestras fronteras. Ha expuesto y recibido premios en Francia, Italia, Estados Unidos, China y Chile, además de Guatemala. Cuenta con más de 100 exposiciones personales y colectivas. Ganó el Glifo de Oro y dos adicionales en bienales de Arte Paiz. En 1993 fue declarada artista del año por la Embajada de los Estados Unidos. En 1998 también fue declarada artista del año por la Sociedad Dante Alighieri. La Universidad de Mayagüez le otorgó el diploma de Creatividad femenina.

"natuRache" Noviembre 2007

2007-11-23T16:23:00.000-08:00

Obra reciente del artista guatemalteco, radicado en Alemania, Lezzueck Asturias. Exhibición del 7 al 30 de noviembre de 2007.

Descripción y objetivos
natuRache (del alemán: Natur=naturaleza y Rache=venganza) es la serie que constituye el trabajo más reciente de Lezzueck Asturias. La pinacoteca está formada por pinturas en acrílico sobre tela de diferentes formatos, donde el autor expresa sus inquietudes y preocupaciones acerca de la problemática de coexistencia en nuestro planeta y de cómo la humanidad se autodestruye junto al planeta y el resto de sus habitantes, ya sean flora o fauna.

Sobre el autor y su obra
Esta constituye la tercera muestra pictórica de Lezzueck, en las instalaciones de galería el Attico, desde que partiera a Europa para formarse artísticamente. Fue Alemania el destino elegido para esté fin y más precisamente la Universidad de Bauhaus en la ciudad de Weimar, de donde se graduaría en el 2006. Las dos exhibiciones anteriores fueron “Análisis de un sueño gris” en el 2002 y “Solo tengo ojos para…” en el 2005.

Para ubicar formalmente su obra, podríamos decir que se expresa por medio del llamado neosurrealismo, el cual se ha desarrollado sin solución de continuidad hasta nuestros días y que es un lenguaje habitual en los jóvenes artistas de algunas regiones en Alemania.

http://lezzueck-coosemans.com/

Pensamiento del autor acerca de la exhibición
La intranquila e impaciente incógnita hacia el nivel metafísico de la naturaleza correspondiente a la humanidad, flora y fauna; a su destrucción; a los intentos desesperados de tratar de salvar lo inevitable; así como a los diferentes objetos con los que convivimos en este planeta determinan el mecanismo de desarrollo y pensamiento de mi trabajo artístico.
Esa incertidumbre la puedo simplificar en su explicación nombrándola: búsqueda hacia el interior desconocido de los seres vivientes y a sus motivos más profundos de autodestrucción, a sus recuerdos, a sus sentimientos así como hacia los objetos que rodean su entorno.
NatuRache funciona a través de la pintura como un medio para poder retener pensamientos y análisis sobre cambios climáticos, catástrofes, metamorfosis, injusticias, contradicciones, abusos y crueldades al rededor del globo terráqueo. Las pinturas sirven de ventanas por las que se puede observar el aislamiento de la humanidad; su imposibilidad e impotencia hacia una naturaleza que sobrevive y regenera día a día, la cual no permite que el desarrollo humano triunfe sobre ella. Son ventanas a través de las cuales se pueden percibir las infinitas distancias que reinan entre el « razonamiento » humano y el instinto animal. Si bien el espacio tenso interior entre la metafísica de los seres racionales e irracionales y los objetos con los que se convive dentro de un mismo ámbito en un momento determinado es cautivante, no podemos negar que su encuentro directo es desalentador.
La simbología es sumamente determinante para la representación, estructuración y realización de la serie natuRache. Sin embargo no es el propósito de ésta, tratar de aclarar cada uno de sus motivos y significados sino más que esto, se le da importancia al desarrollo general de los pensamientos y análisis del observador, ya que es él el que crea un hilo que asegura un poco más la relación y entendimiento entre el interior de un objeto con su significado y el interior del espectador mismo.
Sin embargo ha de considerarse justificable la importancia de la presencia del gato en la representación y creación de natuRache. Este ser viviente contiene a través de la historia todos los simbolismos que conforman la esencia humana. Los egipcios por ejemplo, consideraban los gatos como Diosa de la fecundidad y belleza. Era adorado como símbolo del sol, de la luz y de la luna. Sus características corporales lo llevaron a la personificación de su deidad: ellos son pulcros y elegantes. Su expresión es misteriosa y simpática. Ellos personifican todas las características que estimulan nuestra fantasía. Sin embargo con el desarrollo del cristianismo en Europa eran vistos los gatos como encarnación del paganismo puro. Se decía que los gatos eran creación del infierno y que poseían fuerzas demoníacas, ya que bastaba decir que sus ojos parecían arder en la oscuridad de la noche. Se decía también que ellos dormían todo el día para poder por las noches dirigir los malos espíritus.
El grito de apareamiento de los gatos era interpretado como el grito de hombres inocentes, que fueron devorados por animales embrujados. Todos los gatos negros fueron observados como confidentes de brujas y ayudantes del demonio.
En la Inglaterra tardía se transmitió la simbólica que hasta ahora conocemos sobre los gatos: si se nos atraviesa un gato, será un talismán de buena suerte, ya que las desgracias o desastres que nos esperan cesan sin causar daños algunos.
Sea cual sea la interpretación y simbolismo que se le ha dado a los gatos, ya sea como Dioses de la reconciliación o como encarnación de la maldad, ambos papeles tienen algo en común: los gatos son desde varios siglos sin duda alguna seres mágicos con características propias.
Su presencia en gran parte de mis obras simboliza el espejo del interior humano y la fuerza mágica, que en cada uno de nosotros habita.

"Eclesiatés" Octubre 2007

2007-11-23T16:19:00.000-08:00

Obra reciente del artista guatemalteco Plinio Villagrán. Exhibición del 10 de octubre al 3 de noviembre de 2007.

Descripción y objetivos
Eclesiastés, tomado del antiguo testamento de la Biblia, es en síntesis imposibilidad humana y sumisión a Dios. La presente es una muestra multimedia, debido a la variedad de técnicas utilizadas para ejecutar cada una de las obras. Se puede enumerar algunos de los medios utilizados, que van desde los más tradicionales como el grabado xilográfico, pasando por la gráfica digital, pintura, dibujo, video y obra objetual. Y es que una de las particularidades del trabajo de éste artista, es que predomina el concepto sobre la materia, por lo que su búsqueda lo lleva a encontrar el medio idóneo para expresar su idea primaria, lo que da como resultado una gama disímil de obras, en técnica, pero coherentes en concepto.

La temática de la muestra encuentra su justificación en la huella que ha dejado en la mayoría de los guatemaltecos, la amplia tradición y cultura religiosa tan prolifera en nuestro medio. En el caso de la obra de Villagrán, pretende contrariar el concepto de Dios, que ha servido como pretexto a través de toda la historia, para prohibir, manipular y dominar sobre otros.

Sobre el autor y su obra
Este artista pertenece a la primera generación de artistas guatemaltecos del siglo XXI. Su interés por las disciplinas formales lo ha llevado a investigar todas las técnicas consideradas como académicas, así como a los más importantes movimientos de la historia del arte universal. Pero su trabajo está revestido de renovadas y visiones y reinterpretaciones, dando vigencia y reinterpretando conceptos relacionados con las relaciones interpersonales, culturales y sociales.

Al referirse a su obra el artista expresa “, en el caso de mi actual preocupación tomo como punto de partida el amor, la muerte y la violencia, tres elementos principales que nos mueven y nos inducen a desear y alcanzar nuestras aspiraciones. Estamos dominados por nuestra propia imposibilidad, e inventamos el mito, y dentro de esto la divinidad, para no sentirnos vulnerables. Somos seres desprovistos, por eso, nos protegemos con las vestimentas, los adornos, los bienes e incluso con la educación, y en el fondo somos seres primitivos. Uso la iconografía cristiana como pretexto, y tiene a propósito esa sofisticación y teatralidad, para mostrar nuestra podredumbre y a la vez nuestra aspiración por el mito que actualmente está de regreso”.

Síntesis curricular
Plinio Vinicio Villagrán (Guatemala, 1979)
Pintor y dibujante autodidacta. Estudia Arquitectura y la licenciatura en arte en la facultad de humanidades de la Universidad de San Carlos de Guatemala. Inició su carrera artística en el año 2000, cuando fue realizada la primera exposición de estudiantes de esa facultad. Ese mismo año fue conformado el grupo de arte LA TORANA, del cual fue cofundador. Desde ese momento ha hecho exposiciones individuales, colectivas y actividades relacionadas con el arte visual. En el año 2002 ganó el primer lugar del concurso del Joven Pintor de la Alianza Francesa y la Embajada de Francia en el museo Nacional de Arte Moderno. Estudió una beca corta de grabado en la Escuela de Bellas Artes de París. Actualmente trabaja en el Centro Cultural Metropolitano donde tiene su sede el Colectivo LA TORANA, realizando actividades e intercambios con otros colectivos de ese mismo centro cultural. En el año 2003 gana el Premio Único de Pintura de la Subasta del CLUB ROTARIO GUATEMALA SUR.

"Movimiento estático" Septiembre 2007

2007-11-23T16:16:00.000-08:00

Fotografías iluminadas del artista guatemalteco Alan Benchoam. Exhibición del 18 al 29 de septiembre de 2007. Inauguración: martes 18 de septiembre a las 19 horas.

Descripción y objetivos
Dentro del marco del festival Foto 30, el Attico presenta dieciséis imágenes que, escogidas de un conjunto inmenso, comprenden la exhibición del trabajo más reciente de Alan Benchoam. Surgidas de la cotidianidad guatemalteca “Imágenes en las que el movimiento de la cámara, es el culpable de presentarnos la realidad de una manera distinta a la que está frente a nosotros, pero no somos capaces de ver en movimiento congelado”. No hay pretensión ni discursos detrás de la muestra, solo el ejercicio de un apasionado de las imágenes estéticas y profesional de la fotografía. El resultado son obras abstractas e impresionistas, una visión refrescante y distorsionada de lo mismo, no hay aquí retórica, es el objeto fotográfico en si mismo.

Sobre el autor y su obra
Este creador tiene ya recorridos más de diez años dedicados a la fotografía. Se ha hecho acreedor a múltiples reconocimientos por su labor artística. Es uno de los fotógrafos comerciales de más demanda en el medio nacional y también se le reconoce por su amplia trayectoria como docente. Su interés es difundir la profesión a todas las escalas y por todos los medios posibles. La generación, a la que pertenece Benchoam, encontró en la fotografía la herramienta idónea para comunicar sus ideas e intereses. En segunda mitad de los años noventa, era común encontrar artistas jóvenes expresándose en esta técnica, aún así fueron pocos los que lograron trascender más allá y llegar al nuevo milenio trabajando en este instrumento. La llegada de la fotografía digital abrió una brecha más amplia y permitió un abanico de posibilidades nuevas a las que Alan no ha sido ajeno, más bien, es uno de sus defensores y máximos representantes.

Síntesis curricular
Alan Benchoam nació en 1970 en Guatemala, en donde él actualmente vive y trabaja. Después de cerrar su carrera en psicología, estudió fotografía en el Colorado Institute of Art, y desde su graduación en 1996, se ha dedicado totalmente a su arte como fotógrafo.
Aunque dedica su tiempo a la enseñanza y hacer fotografía comercial, su pasión es la fotografía artística. Él se define como fotógrafo ecléctico, debido a la variedad temática de sus fotografías, pero también debido al uso de múltiples técnicas, siendo la fotografía iluminada uno de sus fuertes.
Durante los últimos diez años pasados, ha participado en numerosas exhibiciones colectivas, también ha expuestos sus obras individuales, dentro y fuera de Guatemala. Obtuvo un premio de la fotografía en la Bienal de Arte Paiz.

"18/1" Taller experimental de gráfica, Septiembre 2007

2007-11-23T16:12:00.000-08:00

Exhibición colectiva de los artistas pertenecientes al Taller Experimental de Gráfica, con el objeto de recaudar fondos para el sostenimiento y puesta en marcha de dicho taller. Exhibición del 3 al 12 de septiembre de 2007.

horario: lunes a viernes de 9 a 13 & 15 a 19 horas / sábados de 9 a 13 horas

Descripción y objetivos
El Taller de Gráfica Experimental es un proyecto que se planteó hace dos años y que ha logrado ponerse en marcha gracias a la iniciativa del grupo La Torana, Alberto Rodríguez, y con el apoyo de la empresa española, Franja Fotográfica que preside Juan Carlos Melero, quien a su vez es el director técnico del Centro de Estampa I+D de la Calcografía Nacional de Madrid.
El objetivo principal de este centro es difundir la expresión en el campo de la gráfica, y a su vez incentivar el interés en los artistas y futuros creadores. Las posibilidades que da este medio ha cobrado últimamente mucha vigencia en la creación visual latinoamericana.
Para darle continuidad al taller y que cumpla sus objetivos, es importante que posea fondos para su sostenimiento. El motivo de esta exposición es reunir parte de dichos fondos.
Sobre los autores y su obra
Los artistas participantes en esta exposición siendo completamente heterogéneos, tanto en su expresión plástica y conceptual, como en sus edades, coinciden con una actitud generosa donando obra para apoyar al crecimiento de este centro. Lo que si hay que resaltar es el hecho de que todos poseen obra de gran calidad y validada en diferentes certámenes y espacios, nacionales e internacionales.

Síntesis curricular

Fernando Andrino (Guatemala, 16 diciembre 1980)
Realizó estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas “Rafael Rodríguez Padilla” de 1998 a 2006. También en la academia del maestro Ernesto Boesche. Ha participado en talleres de dibujo y pintura con los artistas Carmen Isasi, Marina del Carmen Rothberg, Marcelo Miguel Malagamba y Saúl Kaminer. Múltiples reconocimientos en certámenes internos de Escuela Nacional de Artes Plásticas.

Marlov Barrios (Guatemala, 1980)
Comienza a pintar óleos antes de sus veinte años. Autodidacta en pintura, dibujo y grabado ha participado ya en numerosas muestras colectivas: segunda y tercera edición del Joven Pintor de la Alianza Francesa de Guatemala; Un espacio hoy, con el grupo Comunicarte, 2002; Fundación Rozas Botrán, Juannio y Arte Subasta de Club Rotario Guatemala Sur. Ha realizado cinco exposiciones personales Retratos de la Memoria (Andamios galería-café, 2002), Alegorías de la Apariencia (Centro Cultural Metropolitano, 2002), Dibujo, Grabado y Pintura (MINUGUA, 2003), Recuerdos Futuros (Museo Bodegas del Siglo XIX, Cervecería C.A. 2003) y Juegos Distantes (Cantón Exposición Fundación G&T Continental Guatemala, 2005). Su obra fue seleccionada para participar en el Certamen del joven pintor de la Alianza Francesa en el Museo Nacional Arte Moderno en 2002. Ganó el Primer lugar y una Mención honorífica como mejor artista de la región central en el certamen Agua color de vida, organizado por Helvetas de Guatemala en 2003. Recientemente obtuvo el “Premio Oro” en la categoría abstracta del VI Festival de Arte Contemporáneo de la Fundación Rozas-Botrán, y el premio en Arte Subasta que constituye este catálogo, también recibió la “Mención al Grabador Menor de 30 Años” en el primer Salón del Grabado, 2005 y Glifo de Plata compartido con Plinio Vinicio Villagrán en la categoría de artistas invitados, de la XV Bienal de Arte Paiz.Marlov es miembro fundador del colectivo La Torana, integrado por, Eric Menchú, Norman Morales y Plinio Villagrán. Esta agrupación surge en la Facultad de Arquitectura de la USAC, con motivo de una exposición realizada en 2000. Realizan su primera exposición conjunta en el Museo de Arte Colonial de la Antigua Guatemala en septiembre de 2001. En 2002, exponen en el Instituto Italiano de Cultura; en 2003, en Plástica Contemporánea y en el Centro Cultural El Sitio en la Antigua Guatemala; en 2004, en El Attico; en 2005 y 2006, en el Museo de Arte Moderno, Carlos Mérida y en el Paseo de los Museos del Centro Cultural Casa Santo Domingo. También en el 2005 obtienen el primer lugar en el certamen “Arte sin fronteras”, organizado por FUNDEMI en California y Barrios, al igual que Menchú y Villagrán son galardonados en el Primer Salón de Grabado. En el 2006 represento a Guatemala en la V Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano realizada en El Museo de Arte de el Salvador (MARTE) y fue invitado a participar en la colectiva “el Jardín de las Delicias” convocada por la galería Woods. Su obra fue seleccionada por el jurado de la Joven Estampa en la Casa de las Américas, La Habana, Cuba.

Moisés Barrios (Guatemala, 1946)
Estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Bellas Artes en Costa Rica y San Fernando en España. Numerosas exposiciones personales y colectivas en Guatemala y el extranjero. Es un destacado miembro del grupo “Presencia Imaginaria” y reconocido como uno de los más brillantes grabadores guatemaltecos.
Su arte ofrece varias vetas, todas riquísimas, en simbolizaciones que abonan sus raíces en hechos y personajes que no corresponden a la exquisitez buscada por los decoradores de sala, pero si con su libertad creadora y su manera de adaptar principios básicos de este tiempo.
De un realismo casi fotográfico, este pintor, grabador y artista del collage, critica con ironía ciertos aspectos de la realidad de su país. Utiliza como modelos a personajes comunes de la calle, y a los objetos que estos personajes, en su uso diario, han dotado de una carga simbólica. El arte de Barrios nos permite intuir qué hay realmente detrás de la cotidianidad, vista a través de un gesto, una mirada o una representación desvalida de la niñez. En su obra se puede encontrar la constante vida-muerte con todas sus simbologías, artefactos y mitos, oculta en situaciones plenas de color y de trazo seguro.
Atento espectador de su pueblo, Moisés Barrios quizá esté construyendo, a partir de lo anónimo de imágenes conmovedoras la verdadera historia de su pueblo.

Benvenuto Chavajay (San Pedro La Laguna, Sololá , Guatemala, 23 de marzo de 1978)
Egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) de Guatemala. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en el país y en el extranjero. Premio Promesa, de Fundación Botrán en 2002; finalista HABITART, Arte Contemporáneo Centroamericano, 2003 y Premio Unico Certamen 15 de Septiembre Centroamericano, 2004. Tercer lugar y menciones honoríficas de Helvetas, Cooperación Suiza en Guatemala. Miembro y Fundador de la Asociación de Artistas Sampredano Tzunun-Yá.

Lourdes De La Riva (Guatemala, 1955)
Maestra de Educación primaria, pintora, escultora, grabadora e instaladora. Realizó estudios de apreciación artística, dibujo y diseño con el maestro Daniel Schafer, pintura con Juan de Dios Gonzáles, Luis Penedo y Erwin Guillermo, curso de grabado con el Maestro cubano Ibahim Miranda, modelación escultórica con David Halfon, escultura, moldes y fundición con Byron Ramírez.

Cuenta en su haber con 3 exposiciones individuales, una de ellas itinerante, 2000-2002 y participación en más de 16 colectivas de pintura, escultura e instalaciones desde 1993 en Guatemala, El Salvador, Costa Rica, Estados Unidos y Francia.

Obtuvo el primer lugar de Instalación en la XII Bienal de Arte Paiz, 2000. Mención honorífica en la XIII Bienal Paiz, 2002. Glifo de Oro, Premio Único en la categoría de arte alternativo en la XIV Bienal de Arte Paiz, 2004. Glifo de Plata en la categoría de fotografía de la XIV Bienal de Arte Paiz. Es autora de la escultura que se localiza en los jardines que colindan con el Museo Ixchel del Traje indígena y Museo Popol Vuh en el campus de la Universidad Francisco Marroquín.

Jorge De León (Guatemala13 de junio de 1976)
Realizó estudios de Bachillerato en Diseño Gráfico e Industrial y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Con Daniel Schafer diseño y crítica de arte. Proceso creativo y performance con Luis González Palma.
Múltiples premios y exposiciones en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ganador de glifo de plata con la obra documento de performance, Bienal de Arte Paiz, Guatemala
Guillermo Maldonado (Guatemala, 1961)
Realizó sus estudios en la Escuela de Arte de la Universidad de San Carlos de Guatemala y estudió diseño textil en Costa Rica. Ha realizado siete exposiciones colectivas, dos personales en la Facultad de Humanidades de la Universidad de San Carlos y en El Sereno en 1991. Como grabador ha trabajado en el campo de la xilografía. Ganador del glifo de oro en la categoría de Libre Participación en la XV Bienal de Arte Paiz.

Juan Carlos Melero (Madrid, España, 1958)
Creador digital, coleccionista de estampas digitales y director técnico del departamento de I+D en la Estampa Digital de Calcografía Nacional de España, También ha realizado trabajos para La Real Academia de San Fernando y el Metro de Madrid. Actualmente dirige una empresa que se dedica a la creación e impresión de obra digital (gráfica, original y mural). Su actividad lo ha llevado a trabajar con artistas emergentes y reconocidos. De estos últimos podemos listar a: Luis Gordillo, Marc Quinn, José Luis Cuevas, Eduardo Arrollo y Darío Villalba. A realizado seminarios de creación de obra gráfica digital en su país natal y en las ciudades de Montevideo, Porto Alegre y Guatemala.

Erick Menchú (Guatemala, 1977)
Pintor autodidacta y miembro del grupo ¨La Torana”. Ha participado en varias exposiciones colectivas, y dos muestras personales: “De lo Terrenal a lo Sublime” (Museo de la Cervecería Centroamericana 2002), y “Los Señores Principales” (Alianza Francesa 2003). Entre los reconocimientos obtenidos se encuentran el segundo y tercer lugar del concurso de pintura organizado por Helvetas Guatemala Museo Nacional de Arte Moderno 2004, 2005 respectivamente; el segundo lugar del Concurso Nacional de Arte en Concreto Antigua Guatemala 2005; el tercer lugar en IV certamen del Joven Pintor de la Alianza Francesa de Guatemala 2005; la Mención Especial del jurado en el Primer Salón Nacional del Grabado 2005, con la que obtuvo una estancia para estudiar grabado en la escuela “La Esmeralda” en la Ciudad de México; recientemente seleccionado por Guatemala para participar en la IV Bienal Argentina de Gráfica Latinoamericana 2006.
Sandra Monterroso (Guatemala, 19 de abril de 1974)
Artista visual guatemalteca con Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Rafael Landívar de Guatemala y Maestría en Procesos de Diseño. Universidad Popular Autónoma de Puebla (UPAEP, México. También tiene una especialidad en grabado del Museo/Taller Erasto Cortés, Puebla, México.

Múltiples exhibiciones personales y colectivas en importantes espacios del medio nacional y premios, entre los que se pueden mencionar el Glifo de Oro de la XV Bienal de Arte Paiz, Primer premio en la Categoría Caña de Azúcar. 1er Salón Nacional de Grabado de Guatemala, 3er premio del Concurso Centroamericano de Video-creación Inquieta Imagen en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José Costa Rica en 1999.

Norman Morales (Guatemala, 1979)
Artista de formación autodidacta. Realiza estudios de arquitectura en la Universidad de San Carlos de Guatemala. Desde que inició su carrera artística en el año 2000 ha realizado alrededor de 25 exposiciones colectivas, incluyendo los principales certámenes de arte realizados en Guatemala, y diferentes actividades relacionadas con las artes visuales.
En el año 2003 realiza su primera exposición personal. En el año 1998 recibe el segundo lugar en la XI Bienal de Arte Paiz, y el 2005 el primer lugar en el certamen “ARTE SIN FRONTERAS”, otorgado por FUNDEMI. Dicho premio fue adjudicado al colectivo “LA TORANA”, al cual pertenece desde el año 2003.

Ángel Poyón (Guatemala, 1973)
Ha participado en dos exhibiciones personales en Arte La Fabríca (2006) y en el Atticc, galería de arte y centro de documentación (2002). En el año 2006 participó como artista seleccionado para la Segunda Muestra Centroamericana de Arte Emergente, realizada en el Museo de Arte y Diseño de Costa Rica. Múltiples exhibiciones colectivas en Guatemala, Costa Rica, Nicaragua, Noruega. En la XII Bienal de Arte Paiz, obtuvo el Glifo de Oro (premio único) en la categoría de Escultura. Este último premio le valió para participar en la III Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano. Tercer lugar del Certamen anual Juannio en su edición 2005. Para el 2007, en la ciudad de Washington, participó del proyecto landings 5, que dirige Joan Duran.

Juan Fernando Poyón (Guatemala, 1979)
Nació en San Juan Comalapa, Guatemala, a 80 kilómetros al occidente de la capital del país, una comunidad pictórica por tradición y bien tranquila, como dice Fernado: “Es una región maya-kaquiquel de 38 mil habitantes, donde mucha gente hace actividades importantes que te alimentan y motivan. Históricamente es una región que se identifica con una gran tradición en el arte”. Ha participado en exhibiciones colectivas y los principales certámenes a nivel nacional. Para el 2007, en la ciudad de Washington, participó del proyecto landings 5, que dirige Joan Duran.

Arnoldo Ramírez Amaya (Guatemala, 26 Noviembre 1944)
Su basta trayectoria artística lo llevó a exhibir su trabajo en todo el continente americano y europeo. Desde 1968 en donde participó en el Festival de Arte Contemporáneo de la Universidad de San Carlos, en 1969 la I Bienal de Grabado en Lieja, Bélgica y la Galería DS. En 1971 la XI Bienal de Sao Paulo, Brasil, La II Bienal de Grabado de Medellín. En 1973 participa de la Moralización de la Ciudad Universitaria en Guatemala. En 1974 expone en las ciudades de Bruxelas, Bélgica y París Francia. En 1976 participa de la exposición de Gráfica Latinoamericana en la galería San Diego, Bogotá, Colombia y en la exposición Arte Guatemalteco en el Museo Metropolitano de Miami, EUA.

El caso de Arnoldo Ramírez Amaya y su obra no matérica desveló a uno de los mejores dibujantes del período. En la década de los 70, y parte de la del 80, realizó su más importante obra y desplegó una actividad internacional de relevancia. Además de publicar, siempre en ese momento, varios libros (sin contar sus innumerables aportes en las revistas universitarias): "El Cantar del Tecolote", "El Pájaro Sobreviviente", "Sobre la Libertad del Dictador y sus Perros Fieles", "Palic Chirachic" y "Memorias de un Aprendiz de Asesino."

Su referente básico, una crítica aguda a la sociedad de poder guatemalteca, se expresó agudamente en innumerables retratos cercanos a la caricatura en los cuales el diseño desempeñó un papel de primer orden. Su influencia en las posteriores generaciones de dibujantes no queda clara. Si en los años 60 y 70, principalmente, mantuvo una actividad continua, a partir de finales de la década de los 80 y la siguiente, su labor quedó relegada a la circulación de ciertas piezas raras entre las que destacan principalmente grabados y algunas acuarelas que retoman su temática gráfica de aves y otras zoomorfas.

En el año 2005, el cineasta Luis Urrutia realiza un revelador documental sobre la vida de Arnoldo Ramírez Amaya, titulado “El Pájaro Sobreviviente”, el cual presenta dentro del marco del Festival ICARO. En el mismo resume algunos rasgos característicos del quehacer diario de este autor, a traves de fragmentos de éste, y entrevistas realizadas a múltiples personalidades relacionadas con este enigmático creador.
Alberto Rodríguez Collía (Guatemala, 1985)
A finales de 1999 recibe cursos de dibujo con Ricardo Urquizú, los cuales fueron determinantes para solidificar su vocación de dibujante. Realiza estudios en la Universidad de San Carlos de Guatemala, en Licenciatura en Arte, los cuales abandona poco tiempo después. En España estudia en la Escuela de Arte No. 10 de Madrid, de donde se gradúa de Técnico Superior en Grabado y Estampación en 2007. En ese país trabaja en Franja Fotográfica S.L. con los artistas Luis Gordillo, Ester Villalobos, Eva Lootz, Anhelo Hernández y para la Calcografía Nacional del Real Museo de Bellas Artes de San Fernando.

Josué Romero (Guatemala 1974)
Pintor autodidacta. Estudia Arquitectura en la Universidad de San Carlos de Guatemala y realiza un taller-seminario de ilustración de libros infanto-juveniles, auspiciado por la Embajada de Brasil en Guatemala.

Ha participado en los principales eventos de artes plásticas realizados en el país: Juannio, Bienal de Arte Paiz y Artesubasta del Club Rotario Guatemala Sur, entre otros. Tiene realizadas tres exhibiciones personales en la ciudad de Antigua Guatemala: en El Convento de Capuchinas y el paseo de los museos del Hotel Casa Santo Domingo.

Su trabajo ha sido premiado en los certámenes de Joven Pintor 2001 (Segundo lugar) organizado por la Alianza Francesa, y el primer lugar del concurso Helvetas de Guatemala en el 2004.

Mario Santizo (Zaragoza, Chimaltenango, 30 marzo de 1984)
Realiza estudios artísticos en la Escuela Nacional de Artes Plásticas “Rafael Rodríguez Padilla”, entre 1999 y 2003, donde se graduó de Bachiller en Artes Pláticas con especialidad en pintura. En esta casa de estudios participa en múltiples certámenes internos . Curso de fotografía con José Carlos Flores en la Universidad Rafael Landivar. Curso de escenografías teatrales con el maestro Yurek Kuklinsky.

En el año 2003 participó en la muestra colectiva “Shhhhh...” curada por Javier Payeras en el Centro Cultural de España. En el Museo de la Universidad de San Carlos (MUSAC) en el 2004 realiza la exhibición “Carne, sopa y galletas” junto a Ludin López con quien también monto, un año después, “Padre barroco y el flemático hombre banda” en el Instituto Guatemalteco Americano (IGA) y “Antiteatro, Pieza en dos actos” en galería el Attico, en está última con el apoyo de Guillermo Hernández. En el 2006 participa en el certamen de Juannio y el organizado por Helvetas, donde se hace acreedor a una mención honorífica.
Plínio Villagrán (Guatemala 1979)
Pintor y dibujante autodidacta. Estudia Arquitectura y la licenciatura en arte en la facultad de humanidades de la Universidad de San Carlos de Guatemala. Inició su carrera artística en el año 2000, cuando fue realizada la primera exposición de estudiantes de esa facultad. Ese mismo año fue conformado el grupo de arte LA TORANA, del cual fue cofundador. Desde ese momento ha hecho exposiciones individuales, colectivas y actividades relacionadas con el arte visual. En el año 2002 ganó el primer lugar del concurso del Joven Pintor de la Alianza Francesa y la Embajada de Francia en el museo Nacional de Arte Moderno. Estudió una beca corta de grabado en la Escuela de Bellas Artes de París. Actualmente trabaja en el Centro Cultural Metropolitano donde tiene su sede el Colectivo LA TORANA, realizando actividades e intercambios con otros colectivos de ese mismo centro cultural. En el año 2003 gana el Premio Único de Pintura de la Subasta del CLUB ROTARIO GUATEMALA SUR.

Los Milagros, Agosto 2007

2007-11-23T16:07:00.000-08:00

Obra reciente del artista guatemalteco Josué Romero. Exhibición del 9 al 31 de agosto de 2007.

Descripción y objetivos
La exhibición está compuesta por diez obras realizadas en técnicas mixtas que involucran técnicas gráficas. La misma incluye xilografía, serigrafía e integraciones con pigmento industrial. A la colección se suman tres lienzos de pintura acrílica en gran formato. La otra parte de la muestra la constituye una instalación de dieciséis escapularios y dos objetos a manera de escaparates, donde domina el trabajo realizado en dibujo.

Conceptualmente “los milagros” se inspira en elementos provenientes de la gráfica popular, las ilustraciones de documentos antiguos y carteles publicitarios. Todos los objetos representados constituyen íconos y objetos de validación. De este modo y a manera de exvotos va construyendo su argumentación y exponiendo preocupaciones personales que pueden entenderse desde distintos puntos de vista. No hay retórica en su discurso. El interés principal está en el efecto visual que pueden tener las imágenes y los valores intrínsicos en cada una de ellas. Se percibe en la colección una estética de ascendiente Pop.

Sobre el autor y su obra
Este artista pertenece a una generación de autores que comienzan su campo de acción junto al despertar del siglo XXI. Ha desarrollado su carrera de manera individual y autodidacta, pero recientemente se ha integrado a la dinámica investigativa y creadora del colectivo de artes visuales “La Torana” con quienes compartió en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de San Carlos de Guatemala. Romero probablemente sea el menos conocido de su compañeros, pero a cambio podría ser el más experimentado. Con una sólida carrera como ilustrador de libros, asentó su campo de acción en los más importantes espacios culturales que ofrece la ciudad de Antigua Guatemala.

Su obra ha explorado múltiples posibilidades desde un plano formal, que van desde el expresionismo abstracto hasta la nueva figuración y la gráfica popular. Su atención se centra en las relaciones del ser humano y su entorno, sus anhelos y vicios, por lo que los resultados son tan variables como las posibilidades que ofrece la temática.

Síntesis curricular
Josué Romero (Guatemala 1974)
Pintor autodidacta. Estudia Arquitectura en la Universidad de San Carlos de Guatemala y realiza un taller-seminario de ilustración de libros infanto-juveniles, auspiciado por la Embajada de Brasil en Guatemala.

Ha participado en los principales eventos de artes plásticas realizados en el país: Juannio, Bienal de Arte Paiz y Artesubasta del Club Rotario Guatemala Sur, entre otros. Tiene realizadas tres exhibiciones personales en la ciudad de Antigua Guatemala: en El Convento de Capuchinas y el paseo de los museos del Hotel Casa Santo Domingo.

Su trabajo ha sido premiado en los certámenes de Joven Pintor 2001 (Segundo lugar) organizado por la Alianza Francesa, y el primer lugar del concurso Helvetas de Guatemala en el 2004.

Optimus, julio 2007

2007-11-23T16:01:00.000-08:00

Grabados xilográficos y dibujos recientes del artista guatemalteco Marlov Ronel Barrios. Exhibición del 5 al 31 de julio de 2007.

Descripción y objetivos
Grabados xilográficos, dibujos y un escaparate son los elementos que componen el trabajo reciente de Marlov Barrios. La evolución se nota en sus obras, los acabados son más nítidos, las imágenes también. Los temores al dibujar son parte del pasado. Dibujos acentuados, realizados en tinta sobre papel, de trazo firme y seguro donde aflora la nueva figuración que ronda el pensamiento de Barrios. De igual forma los grabados, impresos sobre papel, denotan el aprendizaje y dominio de los medios alcanzado. No solo en la técnica, también la composición y el como logra transmitir sus pensamientos a través del lenguaje visual, es decir: tienen la facultad de comunicar ideas. Temáticamente esta exhibición se centra en la iconografía popular. Todas aquellas imágenes que utilizando los medios masivos de comunicación se insertan en el inconciente colectivo, se arraigan y transmutan la identidad de seres humanos, culturas, sociedades y en este caso especifico, al guatemalteco.

Enmascarados, aviones, vehículos, piernas, falos, espinas, manos de pandilleros, vaginas, armas de fuego, sangre (todos fusionados) son elementos de los que sirve para elaborar su discurso. Títulos como “Peligroso Pop” y “Levantamientos teledirigidos” sirven para complementar el contenido de sus obras.

En el caso especial de su obra gráfica, no existe el propósito de realizar tirajes extensos de una matriz en especial. La intención es utilizar la placa como un recurso más, una herramienta extra que por sus características naturales, está más cercana al lenguaje utilizado en el marco conceptual de la obra.

Sobre el autor y su obra
Hablando de artistas que nacen al mundo de las artes con el siglo XXI, es imposible no pensar en Marlov Barrios. Su vocación lo llevó a estudiar en la Facultad de Arquitectura del a Universidad de San Carlos de Guatemala. Mientras se formaba en esta materia, surgieron nuevas inquietudes, mismas que compartiría con otros compañeros que se encontraban insatisfechos en una carrera que no llenaba del todo sus expectativas. La autodisciplina adquirida en su formación académica dentro de la Facultad, sirvió más adelante cuando se decidió por el arte. Los logros alcanzados en las disciplinas de grabado, dibujo y pintura, han sido reconocidos en distintos certámenes del medio. Entre estos podemos listar La Bienal de Arte Paiz, El Primer Salón Nacional del Grabado, Juannio y Artesubasta.

La obra de Barrios devela a un creador en la búsqueda constante de nuevos derroteros. Su interés por lo formal lo convierte en un reciclador de técnicas, en una época de total rechace a lo académico, se vale de medios formales, revilatizados y renovados para desarrollar un discurso contemporáneo. La manera de situar elementos en el plano de la obra, remite a soluciones propias de la arquitectura.

Los motivos inmersos en la mayor parte de su trabajo, son expropiados de la imaginería religiosa y popular de Guatemala. Su obra es una constante reflexión sobre iconografías de los modelos de poder impuestos. Trata también sobre la globalización y su influencia en las relaciones humanas y socioculturales.

Síntesis curricular
Marlon Ronel Barrios (Guatemala, 1980)
Comienza a pintar óleos antes de sus veinte años. Autodidacta en pintura, dibujo y grabado ha participado ya en numerosas muestras colectivas: segunda y tercera edición del Joven Pintor de la Alianza Francesa de Guatemala; Un espacio hoy, con el grupo Comunicarte, 2002; Fundación Rozas Botrán, Juannio y Arte Subasta de Club Rotario Guatemala Sur. Ha realizado cinco exposiciones personales Retratos de la Memoria (Andamios galería-café, 2002), Alegorías de la Apariencia (Centro Cultural Metropolitano, 2002), Dibujo, Grabado y Pintura (MINUGUA, 2003), Recuerdos Futuros (Museo Bodegas del Siglo XIX, Cervecería C.A. 2003) y Juegos Distantes (Cantón Exposición Fundación G&T Continental Guatemala, 2005). Su obra fue seleccionada para participar en el Certamen del joven pintor de la Alianza Francesa en el Museo Nacional Arte Moderno en 2002. Ganó el Primer lugar y una Mención honorífica como mejor artista de la región central en el certamen Agua color de vida, organizado por Helvetas de Guatemala en 2003. Recientemente obtuvo el “Premio Oro” en la categoría abstracta del VI Festival de Arte Contemporáneo de la Fundación Rozas-Botrán, y el premio en Arte Subasta que constituye este catálogo, también recibió la “Mención al Grabador Menor de 30 Años” en el primer Salón del Grabado, 2005 y Glifo de Plata compartido con Plinio Vinicio Villagrán en la categoría de artistas invitados, de la XV Bienal de Arte Paiz.Marlov es miembro fundador del colectivo La Torana, integrado por, Eric Menchú, Norman Morales y Plinio Villagrán. Esta agrupación surge en la Facultad de Arquitectura de la USAC, con motivo de una exposición realizada en 2000. Realizan su primera exposición conjunta en el Museo de Arte Colonial de la Antigua Guatemala en septiembre de 2001. En 2002, exponen en el Instituto Italiano de Cultura; en 2003, en Plástica Contemporánea y en el Centro Cultural El Sitio en la Antigua Guatemala; en 2004, en El Attico; en 2005 y 2006, en el Museo de Arte Moderno, Carlos Mérida y en el Paseo de los Museos del Centro Cultural Casa Santo Domingo. También en el 2005 obtienen el primer lugar en el certamen “Arte sin fronteras”, organizado por FUNDEMI en California y Barrios, al igual que Menchú y Villagrán son galardonados en el Primer Salón de Grabado. En el 2006 represento a Guatemala en la V Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano realizada en El Museo de Arte de el Salvador (MARTE) y fue invitado a participar en la colectiva “el Jardín de las Delicias” convocada por la galería Woods. Su obra fue seleccionada por el jurado de la Joven Estampa en la Casa de las Américas, La Habana, Cuba.

Texto crítico de Juan Carlos Lemus

Optimus: Desenmascarar al héroe

Reinterpretación iconográfica en grabados y dibujos de Marlov Barrios

El título de esta exposición de Marlov Barrios (Guatemala, 1980) hace referencia al robot humanoide creado por los japoneses en los años setenta. Optimus Prime, al igual que los superhéroes estadounidenses, forma parte de una horda de criminales que ha venido interviniendo los valores del ser humano en todo el planeta desde hace ya demasiadas décadas. Tal ejército tiene como misión proteger al pobre del rico, al indio del mestizo, al débil del más fuerte. Hombres corpulentos, aunque en realidad sean de hojalata o luchadores osos gays, desafían al mal para proteger al desvalido. Es así como el poder ha logrado intervenir nuestro espacio íntimo. Hemos llegado a aceptar que ciertas imágenes nos representen y defiendan.
La propaganda de su engañosa filantropía va acompañada de mujeres modelos y de superpoderes anunciados en películas, muñecos, pósters y gimnasios. Son paradigmáticos el Capitán América y Superman, y, con los años, personajes de películas como Top Gun, los asesinos gringos en serie y hasta el repugnante dinosaurio Barney. Es por eso que las metáforas contenidas en estos grabados y dibujos de Barrios, además de resaltar la alienación, cuestionan la libertad del ser humano. Optimus es, por lo tanto, ya no sólo el fantoche metálico japonés sino el símbolo del crimen que se oculta tras una máscara; es el héroe, el poder de la imagen que destruye los valores. Más que un robot es un cuerpo que simboliza a todos los facinerosos del primer círculo en el cual entran genios en publicidad, maricones de la moda y padrotes de anoréxicas. Otros nos dictan cuál es el faro estético del horizonte, los estándares de belleza, moda, cultura y política.
Así como el Hombre modernizó sus formas de matar; si en un principio se valió de piedras y obsidianas, más tarde usó balas, después disparó desde los aviones y luego convirtió en balas a los aviones, de igual manera los sacerdotes del poder han sofisticado su proyecto de defensoría. Esta potestad ha sido internacionalizada tras la máscara del combate al crimen y ha declarado la guerra contra la fealdad. Sí, de un fogonazo, Optimus, a lo largo de la historia, ha eliminado a inconformes, invasores, revolucionarios y a los feos porque son feos. El costo: la humillación. Las modelos de pasarela lo saben bien: adoptar la belleza de moda les cuesta transformarse en perros flacos, en huesosas anoréxicas con residuos de carne pálida. Moldes perfectos paren ladrillos iguales. Parámetros de supuesta perfección, diseñados por otros, hacen a los hombres atorarse de esteroides. Las bandas criminales del mundo son imitadas por las bandas tatuadas que nacen en los barrios pobres de Latinoamérica. Si alguna vez nuestros países estuvieron confundidos y a la caza de una identidad, nunca lo han estado tanto como ahora, pues así como los medios propagan la genialidad, también dispersan masivamente la idiotez.
Esos íconos son los que Marlov Barrios descifra en Optimus. Su obra delata esa atroz búsqueda de calidad impuesta que deteriora al ser humano. Para dar su interpretación yuxtapone los símbolos del poder económico, eclesial y social. La composición resultante nos hace retornar en este momento a los derivados que titulan su exposición: grabados “Peligroso Pop”, “Levantamientos teledirigidos” y “Revelación de una fachada”, y sus dibujos a tinta “Naturaleza sin reposo”.
Justo es advertir que el resultado son grabados y dibujos que requieren un esfuerzo interpretativo por parte del espectador, pues no son gratuitos. Recordemos que son textos descriptores de lo que subyace tras una máscara del héroe, esto es, ambición y poder, y que la factura del artista no corresponde al panfleto social encolerizado y lleno de limitaciones técnicas. Antes bien, en sus obras -limpias, compuestas con asombroso equilibrio a lo largo de los cuatro puntos cardinales de cada hoja- todo, en un instante, grita. El frenesí detenido. Un motor en marcha, frena. El artista captura los íconos, los asocia, yuxtapone o aísla. Cada imagen hace despertar de su hipnosis al significado real que contiene.
El artista no muestra a un superhéroe como si fuera un delincuente que posa para el pintor. Barrios pertenece a esa nueva generación de creadores llamada a levantar edificios nuevos con los materiales de siempre. Las dimensiones sociales, geográficas, políticas y estéticas de su obra parten de elementos como la trompa y el casco de Optimus, aviones, manos de pandillero, falos, vulvas, arcos que recuerdan el montículo de la Culebra, una pistola, ladrillos, coronas de espinas y piernas.
Marlov Barrios ha elegido un camino difícil, pues tales imágenes han sido retratadas y pintadas innumerables veces por artistas del mundo entero. La diferencia es que éstos suelen mostrarlas lo mismo que a un paisaje o el interior de una covacha tapizada de almanaques. Exaltan la superficie de lo que se ve. La obra de Marlov, en cambio, no es la glorificación de lo que se ve, tampoco fue concebida para divertir ni para causar congoja: muestra efectos.
En “Peligroso Pop” y “Levantamientos teledirigidos” gotas (de sangre) y volutas de humo insinúan algunas formas del arte pop que solamente es pop, en este caso, en el sentido de su nombre, pues lo popular, disuelto en símbolos adosados y superpuestos, adquiere un estilo más bien cercano a lo abstracto pero sin llegar al mundo de los sueños. El artista ha empleado el término como una divisa más, e ironiza sobre el arte pop tal como ha sido comercializado. Recordemos cómo en la vida cotidiana participan de la cultura pop tanto el artista como el curador de arte, el chofer de camioneta y el brocha que lo acompaña: basta dar un vistazo al interior de los buses extraurbanos para descubrir esa singular lectura de la vida: banderas de Estados Unidos, imágenes de Cristo y la Guadalupana junto a caricaturas de mujeres con grandes tetas. Así funcionan también las galerías. Diferencias culturales que bien podrían ser complementarias, incluso, agradables, son herramientas de dominación que generan alienación y cuadros pintorescos.
Si el arte es revelador y su éxito radica en que da a conocer lo que el artista nos trae de las profundidades luego de haber buceado dentro de ellas, Marlov nos concede una paradoja: devela íconos para que no veamos esos íconos como tales, sino el subtexto que contienen. A estos corales de la profundidad se accede por la puerta de sus grabados y dibujos. El artista emerge del agua y nos muestra sus dos manos: Trae las algas que ahogaron al barco (ha grabado los resultados de la alienación, la succión del individuo por las fauces de la colectivización). Su “Revelación de una fachada” es buen ejemplo de esa estructura serial, en la cual la solidez de los muros y muebles, así como la monotonía compacta de líneas rectas logra –de nuevo, la paradoja- que veamos la ausencia de por lo menos un habitante en todo el cuadro. La fabricación en serie no es novedosa, pero va en aumento, de ahí la inconformidad renovada del artista que habita en un mundo actual carente de revoluciones e ideologías triunfantes. Latinoamérica se vuelve cada vez más una sierva del poder alienante, ese que anula al ser humano al punto que éste ya no se reconoce en sus hermanos: el hombre muere constantemente asediado por la publicidad, no tiene ocasión de parpadear, trabaja como bestia de carga y, no obstante su corazón rebosa de odio, prende veladoras al salvador de su propio mundo, al enmascarado, a ese Optimus omnipotente. De ahí la contradicción profunda: la víctima (el ser social) es a la vez el victimario (pandillero) que estrella sus aviones contra la cara de los íconos que tanto adora.
Optimus crea el terror /combustible que prende la mecha de los sociópatas/ después, combate ese terror (oculto tras una máscara). La víctima admira a su protector, de tal manera que intenta imitarlo (también se enmascara). El terrorista arquetipo, Optimus, sabe que la efectividad de su dominio radica en el fingimiento. El terrorista imitador cree que en realidad se ha convertido en el protagonista de Top Gun. Optimus es, entonces, la necedad, extendida tecnológicamente en los siglos XX y XXI, por exigir al ser humano que se olvide de sí mismo y que obedezca a estándares de calidad como si fuera un ladrillo; que atienda normas gerenciales y que asista a cursos de capacitación para permanecer dentro de su empleo. El héroe es el sociópata encantador, la serpiente y la flauta que suena, las tres cosas al mismo tiempo. Como pandillero, el enmascarado es, en el fondo, una lesbiana que admira a Sylvester Stallone. Quizá debido a esto Marlov Barrios no se toma en serio, a la hora de dibujarlas, las manos del criminal que se tuercen para dar forma a los cuernos del diablo, y las delinea regordetas, como vulnerables de ser desinfladas al menor puyón de su lápiz.
Tanto los símbolos eclesiales como los fálicos se reafirman en sus dibujos a tinta. “Naturaleza sin reposo” es un título antitético de la paz de un bodegón. Los elementos adquieren aquí un protagonismo más legible a primera vista, a diferencia de los grabados, debido a que, por lo menos en algunos de ellos, ya no hay esa yuxtaposición sino una congregación de imágenes.
Se lee con más blancura, por ejemplo, esa penetración hacia la vagina que, además de buscar la “separatidad” que explicaba Fromm, expresa la violencia contenida en el artefacto que se estrella contra las dos (en este caso) Piernas Gemelas. El avión cobra un significado todavía más perverso al remitir inmediatamente a la Cruz; cerca de allí, el pintor dispuso las espinas, los tres clavos y, de nuevo, los arcos del montículo de la Culebra, fundiendo así su alegato contra el choque de lo prehispánico y lo occidental.
Ya en “Peligroso Pop” veíamos un falo vigoroso cortado por la mitad en cuyo interior no hay sangre, como cabría suponer, sino tres vacíos en los que podrían ser metidas las balas que se dispararán dentro de la vulva. Sin embargo, la depravación de estas imágenes no es el centro de la hoguera: otra pieza más cara se quema en ella: Latinoamérica, con todo y su vocación ancilar. Y, sabido es, tanto ante las llamas de la confusión como en un río revuelto, la ganancia es de los pescadores que dictan cuáles serán los nuevos valores que deberá tragar cada individuo.

Guatemala, mayo de 2007

“Alfredo & Francisco García” Junio 2007

2007-11-23T15:54:00.000-08:00

Muestra del trabajo pictórico más reciente de dos generaciones de artistas quezaltecos. Exhibición del 14 al 29 de junio de 2007.

Descripción y objetivos
Exhibición que pretende mostrar el trabajo de dos generaciones de artistas de la región de Quetzaltenango, comunidad prolifera de personajes sensibles y de gran relevancia que han surgido en su seno, entre músicos, escritores y artistas visuales. En este caso, padre e hijo, nos muestran la forma en que se transmite el conocimiento y la sensibilidad hacia el arte, sin influenciar el contenido del discurso pictórico. Los óleos sobre tela de Alfredo García evocan su pasión por el paisaje del altiplano guatemalteco, escogiendo una gama de colores uniformes que le dan una característica casi monocromática. Por el contrario, las acuarelas sobre papel de Francisco José, se desbordan de colores intensos y van desde los calidos a los fríos, es decir, no discrimina en su paleta. Su trabajo llega a nuevas conclusiones y proponen a partir de iconografías cuyas lecturas los sitúan junto a la producción contemporánea de la nación.

Sobre los autores y su obra
Alfredo García pertenece a una generación privilegiada de autores, que renovó, la plástica en la región occidental de Guatemala y que se dio a conocer en el medio nacional a través de la Bienal de Arte Paiz, principalmente. Los méritos mostrados en estos certámenes, les abrió las puertas para exhibir su trabajo en importantes espacios, tanto en Guatemala como en el extranjero. Su obra resume, simplifica y sintetiza el paisaje del altiplano guatemalteco, esto le trae como consecuencia un estilo propio e inconfundible. También hay que reconocer su labor docente en la Escuela Regional de Arte “HUMBERTO GARAVITO” de Quetzaltenango.

El caso de Francisco García (hijo de Alfredo) devela a un artista heredero de la tradición pictórica familiar, que encontró en la acuarela, el medio más adecuado para expresar sus inquietudes. Esto después de haber cerrado pensum de la carrera de arquitectura en la Universidad de San Carlos de Guatemala. Esta última institución ha sido a lo largo de la historia de las artes plásticas guatemaltecas, semillero donde se han formado inicialmente muchos importantes creadores. A nivel internacional destaca su participación en la V Bienal de la Acuarela (Viña del Mar, Chile). En dicho certamen se adjudicó el segundo premio -Casino de Viña del Mar - y con él les quitó la primacía del concurso a los propios chilenos que ocuparon todos los puestos principales del evento. Este reconocimiento se suma a varios premios en el país, entre los que se puede mencionar el primer premio en el certamen “Biodiversidad, patrimonio de la humanidad” promovido por la fundación Helvetas, en el 2006.

Síntesis curricular
José Alfredo García (Quetzaltenango, Guatemala, 1951)

Como artista, comienza su formación en la Escuela de Artes Plásticas de Quetzaltenango, entre 1968 y 1969. Realiza viajes de estudio y observación a museos y galerías de México, España, Holanda, Estados Unidos de América, Inglaterra y Francia. Formó parte del colectivo “Itzul” dirigido por Elmar René Roja en 1990, junto con artistas como: Francisco Auyón, Adán Aguilar, Arturo Monroy y María Elena de Lamport(+), entre otros.

Ha participado en más de un centenar de exhibiciones colectivas en los más importantes espacios culturales de Guatemala. Ha representado al país y en algunos casos a la ciudad de Quetzaltenango, en múltiples exhibiciones internacionales que lo han llevado a México, Estados Unidos de América, Alemania, Japón, Inglaterra, España, el Salvador, Honduras, Italia, República Dominicana y China.

Individualmente ha expuesto en El Attico, Galería Rocío Quiroa, Museo Ixchel del Traje Indígena, El Túnel, Patronato de Bellas Artes, Galería Forum y la Galería del Instituto Guatemalteco Americano (IGA), en la ciudad de Guatemala.

Su trabajo ha sido reconocido en repetidas ocasiones y cabe mencionar las siguientes: Tercer Premio en el Certamen del Siglo, promovido por la Cervecería Nacional de Quetzaltenango, en 1995. Segundo premio, opción Libre creatividad de la VII Bienal de Arte Paiz, así como el Premio Único, opción realista de la VI edición del mismo evento. También el Premio Único en el concurso para el afiche de la V Bienal de Arte Paiz. En el certamen Arturo Martínez, obtuvo el Premio Único en los años 1978, 1980 y 1983. Reciente mente ha sido jurado calificador en esta justa. Se suman también, las menciones honoríficas de la IV, V y VIII Bienal de Arte Paiz, así como la obtenida en el III Certamen Nacional de Pintura “Shell” en 1988.

Entre 1989 y 1992, tuvo a su cargo la cátedra de Dibujo Artístico en la Escuela Regional de Quetzaltenango “Humberto Garavito”. En su labor docente hay que incluir los talleres de generalidades de dibujo y pintura que impartió a miembros de diferentes instituciones y centros educativos.

Francisco José García (Quetzaltenango, Guatemala, 1979)

Realizó estudios de arquitectura en la Universidad de San Carlos de Guatemala. Sus estudios artísticos los realiza en los talleres de Alfredo García y Elmar René Rojas. Complementa su formación con viajes de estudio y observación a las ciudades de La Habana, Ámsterdam, Frankfurt , Roma, Florencia y Tennesse.

Comienza su carrera artística en el 2002, con participaciones colectivas en galería el Túnel y los eventos organizados por Juannio, Artesubasta, Funsilec y la Fundación Rozas Botrán.

En el Certamen Arturo Martínez obtuvo el Primer Premio, Tercer Premio y Mención Honorífica , en las ediciones de 2006, 2005 y 2002 respectivamente. También en el 2006, se hizo acreedor del segundo lugar en la V Bienal Internacional de Acuarela, Viña del Mar, Chile y El Primer Premio del Concurso Nacional de la Fundación Helvetas “Biodiversidad, Patrimonio de la Humanidad” realizado en las instalaciones del Museo Nacional de Arte Moderno “Carlos Mérida”.